domingo, 30 de diciembre de 2007

martes, 25 de diciembre de 2007

HABITACIONES PARA TURISTAS - Trailer Oficial

Trailer oficial subtitulado de la pelicula "Habitaciones para Turistas" de Adrian Garcia Bogliano

GRITE UNA NOCHE - Escena extendida

Escena extendida de la pelicula "Grite una Noche" de Adrian Garcia Bogliano y la productora Paura Flics. El film esta protagonizado por Abel Ayala, Ana Haramboure, Eliana Polonara, María Fernanda Mateo, GimenaBlesa, Laura Azcurra, Marina Glezer, entre otros.

HABITACIONES PARA TURISTAS - Backstage

Backstage del largometraje "Habitaciones para Turistas" de Adrian Garcia Bogliano. este es un extracto del backstage oficial de la pelicula de terror platense.


lunes, 24 de diciembre de 2007

CAJA DE ACERTIJOS - Trailer

Trailer de la pelicula de terror interactiva "Caja de acertijos" dirigida por Adrian Garcia Bogliano y producida por Paura Flics. En post.produccion

Match Point Mortal, Dir: Adrian Garcia Bogliano

Match Point Mortal, cortometraje realizado especialmente para el programa "Argentinos por su nombre" por la productora platense de cine de horror Paura Flics, durante el 2007. Los protagonistas: Victoria Vanucci, Noelia Balbo y Javier Kafk.


domingo, 23 de diciembre de 2007

(S)experiment

Videoclip de la banda platense "Nerdkids" sobre el tema (S)experiment. El clip esta dirigido por la directora platense Romina Ferreyra y contiene imagenes de la pelicula "Grite una Noche" de Adrian Garcia Bogliano. Esta producido por Paura Flics

sábado, 22 de diciembre de 2007

Beso por beso

Videoclip realizado por la productora platense Paura Flics sobre el tema "Beso por Beso" de la cantante "Adela". El clip esta dirigido por Ramiro Garcia Bogliano.

jueves, 20 de diciembre de 2007

El Grupo de Teatro Topográfico de La Plata en Mar del Plata por Telefe

Durante el Festival de Teatro Infantil organizado por la Comedia de la Provincia de Buenos Aires que se desarrolló en Mar del Plata a mediados de diciembre de 2007, "Las Chicas del Topográfico" en un descanso en la playa Bristol -luego de participar con la obra de teatro infantil "La Princesa Rana"- participaron en un móvil para el programa AM que se emite todas las mañanas por Telefe (Televisión abierta de Buenos Aires), con la conducción de Verónica Lozano y Leo Montero. Las chicas "pasando revista" con Diego Moranzoni, no dejaron títere con cabeza...

video

lunes, 17 de diciembre de 2007

La princesa rana en Mar del Plata, publica diario La Nación

Un festival con obras para chicos

Desde hoy y hasta el jueves se realizará, en Mar del Plata, el Festival Provincial de Teatro para Niños, presentado por La Comedia de la Provincia de Buenos Aires. Doce elencos de toda la provincia participarán de este encuentro, en el cual se elegirá el representante provincial en la XXIII Fiesta Nacional de Teatro 2008, organizada por el Instituto Nacional del Teatro. Las funciones de los primeros tres días se realizarán en el teatro de la Asociación Bancaria (San Luis 2069, 0223-495-7711).

La programación comenzará hoy, a las 16, con Aguante la Odisea (las aventuras de Ulises) , de Adela Basch, adaptada y dirigida por Alberto Rubinstein, a cargo del Grupo Sur (Quilmes). A las 18, se presentará el grupo El Búho, de Mar del Plata, con la obra Dafne y Apolo , escrita por Cecilia y Javier D Angelo. A las 20, estará el Trío Tri-Tri (Tandil), haciendo su obra Monotrip , dirigida por Pedro Sanzano.

El martes se presentarán, a las 16, Payasos en su ruta (Merlo), con la obra homónima, escrita y dirigida por Paco Redondo; a las 18 estará Payaso Faina (Necochea) con Faination , escrita y dirigida por Fernando Sánchez, y a las 20, se verá Los sonámbulos, una historia de la ciencia en dos patadas , de Cristian Palacios, dirigida por Paula Brusca, que será interpretada por la Compañía Nacional de Fósforos (Villa Bosch). El miércoles, a las 18, el grupo Teatro Topográfico (La Plata) presentará La princesa Rana , escrita y dirigida por Mariela Anastacio, y a las 20, estará Frankenstein, la revancha , escrita por Ricardo Salas, dirigida por Cecilia Ruiz e interpretada por el grupo Verano Porteño (San Isidro).

El último día del festival tendrá lugar en el teatro Séptimo Fuego (Bolívar 3675, 0223-495-9572). A las 14, se presentará Mimosyando (Pigüé), con la obra Los juguetes del abuelo , escrita y dirigida por Javier Cufré y Laura Camandona. A las 16, estará el grupo El Disparate Violeta (Lanús), con Gulliver, ciudadano del cosmos , de Jonathan Swift, dirigida por Mariana Ortiz de Losada. A las 18, se podrá ver Ojo (teatro aéreo) , escrita y dirigida por Juan Manuel Urraco Crespo, a cargo del grupo El Aguijón (Tandil). Antes de la entrega de premios se presentará, a las 20, Marco Polo y las dos princesas chinas , escrita, dirigida e interpretada por Teatrantes (Mar del Plata).

viernes, 14 de diciembre de 2007

36 PASOS - Teaser Trailer Subtitulado

Teaser Trailer subtitulado de la pelicula "36 Pasos" dirigida por Adrian Garcia Bogliano y producida por la producotra Paura Flics


100 años de terror argentino

Documental dirigido por Adrian Garcia Bogliano y Honorio Galarza, realizado cuando cursaba el 2do año de la carrera de comunicacion audiovisual de la UNLP.


miércoles, 12 de diciembre de 2007

Doce/Twelve de la directora rusa Veronica Wigg en la Residencia Corazón de La Plata





Wo Wo Wo Workshop!
video

in Zeitgeist Theatre
7 Compton crescent
W43JA London

info@inzeitgeist-theatre.net

PLAY VIDEO
Doce/Twelve based on the texts
of Latin American writers and
Tango, Corazon Centre,
La Plata, Argentina
Oval theatre, London
Fuente: residenciacorazon

Civilización o barbarie

Desde ayer, Graciela Casabé, ex directora del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires, que se instaló en la ciudad con propuestas de alta calidad, denunció la expulsión de sus oficinas por la fuerza y con modos violentos por parte de las nuevas autoridades de la ciudad.

Antes de las elecciones, Casabé había decidido renunciar a su cargo para dedicarse a la actividad privada, por eso es para considerar con mucho cuidado la carta que ella misma empezó a hacer circular con una grave denuncia hacia las nuevas autoridades.

Está defendiendo su honor y los buenos modos, la tradición de un trabajo de equipo y no un puesto.

Así lo dice ella misma:

Buenos Aires, 12 de diciembre de 2007

A la Comunidad Teatral, a los Artistas e Invitados Internacionales, a los colaboradores de estos 10 años del Festival Internacional de Buenos Aires, a las Instituciones, Agregadurías Culturales, Embajadas, a los medios de prensa, al público en general:

Mi decisión de abandonar la dirección del Festival Internacional de Buenos Aires tras completar la VI Edición del mismo estaba tomada.

De esto pueden dar fe mis colaboradores. Lo que también creía es que el Festival se merecía una transición hacia nuevas direcciones -y decisiones- que tomasen en cuenta la experiencia transitada. No es necesario aclarar aquí los niveles de excelencia y eficacia que este Festival supo demostrar.

Pero ni en la más oscura de mis pesadillas podía yo imaginar que la política del nuevo Ministro de Cultura (que responde clara y penosamente) a la del nuevo Jefe de Gobierno de la Ciudad Mauricio Macri, iba a obligarnos a desalojar las oficinas en menos de 48 horas, previa decisión de desarmar todos los equipos de trabajo que -tras estos 10 años- se constituyeron como ejes principales para la realización del Festival.

No se trata aquí de defender cargos, sino de dejar en claro que esta actitud de inusitada violencia, es la que marca la política a seguir: aquella que intenta anular, echar por tierra, reducir a cero lo que se supo construir de buena manera y con indiscutible éxito hasta el presente.

En el momento en que usted esté leyendo este comunicado las oficinas del Festival estarán vacías por orden de las nuevas autoridades. Parece que el lema "todo lo hecho bajo el gobierno anterior debe ser desarmado" sigue gozando de buena salud en el Macrismo.

La violencia a las que nos vimos sometidos (no me extenderé aquí sobre los modos y los dichos en los que fuimos desalojados en menos de 48 horas) llevan a pensar que la pluralidad de criterios, el disenso y los valores democráticos -tan altamente defendidos en las campañas electorales del Pro así como en las primeras horas de mandato- se ven totalmente anulados a la luz de estas actitudes.

A todos los empleados de planta del Festival se les ha pedido que abandonen y vacien las oficinas para reincorporarse en sus funciones el 15 de enero en tareas y lugares a designar. Y esta es la decisión que echa por tierra el trabajo de 10 años, el esfuerzo conseguido por todo el equipo, el orgullo de armar un festival con dedicación y =rabajo, con pasión y con una enorme, profunda mística.

Mediante esta carta presento mi renuncia indeclinable a la dirección del Festival Internacional de Buenos Aires pero -antes de hacerlo- me pareció pertinente advertir a la comunidad teatral, a los medios, al público, a los invitados internacionales y a todos los que demuestran un interés en la cultura que estamos frente a la peor de las políticas, a la peor manera de entender la cultura, a la peor muestra de poder.

Y no quiero ser cómplice de este maltrato, por eso lo denuncio.

Este hecho de atropello no hace más que reforzar el viejo pensamiento binario de "unos contra otros" para demostrar lo que ya con creces sabemos puede derivar de este pensamiento. ¡Gracias por acompañarme en estos 10 años.

Estoy segura de que nos encontraremos en mejores y más luminosas condiciones.

Pero de algo también estoy segura: nos merecíamos otro final.

Y es la historia lamentablemente de este país.

Otra vez, gracias.

Graciela Casabé

martes, 11 de diciembre de 2007

El teatro Picadero por ahora a salvo de la demolición

A SALVO. Por ahora y gracias a la intervenciónd de la Justicia y los vecinos El Picadero no será demolido. (basta-de-demoler.blogspot.com)

La justicia porteña ordenó la suspensión de la demolición del Teatro del Picadero, cercano a Corrientes y Callao, tras la defensa del edificio que data de 1926 que iniciaron vecinos, autores y actores.

La medida cautelar fue dictada por el Juzgado en lo Contencioso Administrativo y Tributario 12 en respuesta al amparo presentado por la organización vecinal "Basta de demoler" ante la inminente desaparición del teatro ubicado en el pasaje Enrique Santos Discépolo para transformarse en oficinas.

La posibilidad de que el edificio, de alto valor patrimonial, fuera demolido fue repudiada, además, por los vecinos, junto a actores, autores y dramaturgos el viernes pasado durante una protesta frente al lugar.

Este edificio se inauguró como Teatro del Picadero en 1980 en las instalaciones de una antigua fábrica de bujías, diseñado en 1926 por el arquitecto Benjamín Pedrotti.

Por allí, en el marco del ciclo Teatro Abierto y en plena dictudura militar se exhibieron obras de Aída Bortnik, Tito Cossa, Griselda Gambaro, Carlos Gorostiza, Eduardo Pavlovsky y Osvaldo Dragún, entre otros dramaturgos.

Sin embargo, el espacio cultural que había surgido como una muestra del teatro argentino, sufrió un atentado durante el gobierno de facto de Roberto Viola con bombas incendiarias que destruyeron por completo la sala.

"Un edificio de oficinas sería como una sentencia de muerte para el pasaje: allí debería promoverse la vida cultural nocturna a través de la rehabilitación del Picadero y comercios relacionados con la cultura y gastronomía", aseguró Santiago Pusso, de "Basta de demoler".

Fuente: TELAM Clarín

lunes, 10 de diciembre de 2007

Brisky y Quinteros en una película platense

Estrenan "Los chicos desaparecen" basada en una novela de Gabriel Bañez y dirigida por Marcos Rodríguez

Hoy a las 19, en el Cinema Rocha de nuestra ciudad se realizará una avant premiere del filme "Los chicos desaparecen", ópera prima de Marcos Rodríguez basada en el libro del escritor platense Gabriel Bañez y protagonizada por Norman Brisky, Lorenzo Quinteros y Ricardo Ibarlín.

Con la presencia del realizador, el productor Gustavo Alonso, y los actores se estrenará esta película que fue rodada en escenarios de nuestra ciudad y que cuenta la historia de Macías Moll (Norman Brisky), un viejo relojero de barrio que pasa sus días envuelto en cálculos sobre el tiempo.


Guiado por un profundos deseos, todas las tardes, a las seis en punto, intenta obstinadamente bajar tiempos y se lanza por las rampas de la plaza en su silla de ruedas. Allí es feliz, rodeado por los niños que lo vitorean.

"Mi personaje está en silla de ruedas y cada tarde busca la velocidad y el perfeccionamiento del rodamiento que realiza en las rampas de la plaza. Pero a partir de esta actividad se suceden cosas imprevisibles que determinan un giro policial y que permite que cada espectador le dé una interpretación a este cuento oscuro", cuenta Norman Brisky quien se mostró feliz de participar de esta ópera prima de un realizador que estudió en la Universidad de Cine de La Plata.

"Me gusta la idea de trabajar con gente joven de la Universidad de La Plata y de ayudar al resurgimiento del cine para que vuelva tener la importancia que la filmografía platense adquirió en su momento. Es que esta ciudad fue muy golpeada por la dictadura militar porque aquí siempre hubo muchos jóvenes pensantes y cuando regresé del exilio volví a encontrar en La Plata jóvenes con inquietudes", argumenta el actor ligado a nuestra ciudad ya que dictó aquí varios talleres de actuación y protagonizó obras como "El pan de la locura".

Sobre su personaje en "Los chicos desaparecen" sostuvo que "yo interpreto los roles pero no los inconscientes. En este caso se trata de un hombre que tiene un alto grado de obsesión y de orfandad, ligados a la mecánica (arregla relojes) y, me parece, que a la orfandad al no tener hijos. Además tiene un accionar muy singular porque nadie sabe mucho sobre su privacidad; el mutilado tiene algo muy fuerte con lo privado, y el afuera no sabe mucho de qué se trata".

En esta película la equilibrada balanza entre los deseos de este personaje (retornar a la niñez) y su presente de invalidez se ve amenazada por la sorpresiva desaparición de unos niños en la plaza y lo sitúa como único sospechoso de un hecho que toma estado público. Un inspector de policía a punto de jubilarse, un juez, un obispo, una bella y joven oficial, un ex diplomático irlandés y un placero forman parte de la galería de personajes que toman partido en esta trama que privilegia el relato policial y es, según los realizadores "una clara alegoría sobre el tiempo que no excluye lo fantástico ni los destellos de un humor casi siempre duro".

El filme se rodó íntegramente en la ciudad; en escenarios como la plaza Belgrano (de 13 entre 39 y 40), el club Meridiano V (67 entre 16 y 17), el Instituto Médico Platense (1 y 50), la Casa de Gobierno y el Rectorado (en este caso, los interiores: pasillo y Presidencia), entre algunos otros, como la avenida Antártida, la avenida 1 a la altura de calle 47, y algunas calles de Tolosa.

La música original de la película fue compuesta por el artista -también platense- Gustavo Astarita, y está interpretada por el grupo Mister America.

EL DIRECTOR

"El punto de vista de este relato es caprichoso y se corresponde con la silla de ruedas y la altura desde la que Macías ve el mundo" explica Marcos Rodríguez sobre la propuesta estética de su filme.

"La cámara especta la historia, salvo excepciones, como un voyeur de privilegio. Situada entonces a 1 metro de altura y provista de grandes angulares propone un espacio siempre distorsionado, caótico, que, sin embargo, encuentra su sistema en la lógica de composición de cada cuadro: forzados en su encuadre y en constante tensión desde la puesta en escena. Los angulares, cuando muestran algo tienden a mostrar todo; en cambio, los teleobjetivos se usan como signos de puntuación: rostros, detalles, etc. También se usan para los traslados de Macías por las calles de la ciudad. Los encuadres en fuga, levemente contrapicados se mantienen como una constante a lo largo del filme, al menos, cuando Macías domina la escena", agrega el realizador.

"La banda sonora que acompaña este relato tiene como pulsión básica un insistente y asincopado repiqueteo de relojes (leitmotiv). En cuanto se necesitan climas abruptos y sorpresivos se utiliza una doble orquestación; pudiendo reforzar, en el caso de la plaza, con texturas circenses; mientras que para los climas serenos el motivo 'tiempo' es oscuro y recurrente permaneciendo como efecto residual en aquellas escenas en las que predominan los diálogos" puntualiza.

"La suspensión del tiempo histórico es una constante que apuntala el relato en su universo fantástico. En los espacios cerrados la puesta en escena es deliberadamente abstracta impidiendo identificar la época. Los detalles de decorados (espejos, cuadros, escaleras, libros, etc) solo aparecen como extensiones de la psicología de los personajes. Elementos como el gran cuadro del prócer en el despacho del juez, la balanza de precisión en la casa de Mcornick; la relojería completa en el universo -Macías, dan clara cuenta de ello", finaliza.

Fuente: El Día

Ganadores del Provincial de Teatro 2007

La Compañía Nacional de Fósforos, de la localidad de Tres de Febrero resultó el elenco ganador del Festival Provincial de Teatro 07 organizado por la Comedia de la Provincia y representará a la Provincia en la Fiesta Nacional de Teatro 2008 que desarrolla el Instituto Nacional de Teatro. Además recibirá un premio de 7 mil pesos y un contrato para la realización de seis funciones.

Por su parte, los grupos platenses "Vuelve en julio" y "Llanos" obtuvieron en este certamen la primera y segunda mención respectivamente por lo que recibirán premios de 3.500 pesos y 2000 pesos y contratos para la realización de 5 y 4 funciones.

"Vuelve en Julio" presentó en esta oportunidad la obra "Trika Fopte" de Carlos Ayala, también responsable de la dirección. Por su parte "Llanos" ofreció la obra "Llanos de desgracia (la vida puede mejorar)", un trabajo que cuenta con la dramaturgia de Beatriz Catani quien también estuvo a cargo de la dirección del espectáculo que se subió a escena durante este año en el teatro La Hermandad del Princesa.

El elenco ganador presentó la obra "Día de Campo" de Cristian Palacios y con dirección de Paula Brusca.

Fuente: Diario El Día

domingo, 9 de diciembre de 2007

Tangos Capitales


Un cruce entre religión, psiquiatría y arte, en clave de tango. Hecho por gente de las diagonales, Tangos Capitales establece un paralelismo entre los pecados capitales designados por la teología cristiana y los trastornos de la personalidad más frecuentes según las clasificaciones de la psiquiatría y el psicoanálisis. Se trata de un trabajo en elaboración que avanza a tientas entre las sombras del inconsciente, recorriendo el camino que va del pecado al síntoma, del síntoma al castigo y del castigo a la purificación.

El universo de deseos y oscuras pasiones reprimidas se proyecta en el exterior, tomando el cuerpo como pantalla de la vida psíquica. Así, la soberbia se equipara al narcisismo. La pereza, a la depresión. La avaricia, a los trastornos obsesivo-compulsivos.
La ira se relaciona con la pulsión de muerte. La gula, con la anulación del otro. La envidia, con la sensación de exclusión. Finalmente, en la lujuria se trabaja con la búsqueda de placer en relación con la muerte, la eterna pulseada de Eros y Tanatos.

Bajo la dirección de Andrea Castelli, los personajes bailan en las sombras de la subjetividad, allí donde el deseo se vuelve cuerpo. Fragmentos de La Divina Comedia, entre otros textos literarios, ayudan a crear este entramado que aúna música y danza en una representación del mal que contiene su propia redención. Tangos Capitales pone en escena despojos, cicatrices, fallidos intentos del amor. Una danza de afligidos y dañados, amos y esclavos destinados a la propia y mutua destrucción desde los abismos más oscuros del ser, desde lo más genuinamente humano. Se presenta el sábado 15, a las 21, en el teatro Arlequines, Venezuela 1113 de Capital Federal.

Fuente: Hoy

Artistas extranjeros buscan la esencia del tango en La Plata a través del teatro

Una directora rusa y un escenógrafo griego están trabajando con actores y bailarines locales para armar una obra teatral referida al tango. Es en el marco de un proyecto de residencia para artistas del exterior que se desarrolla en la ciudad.

La fascinación que despierta el tango en el exterior es capaz de generar cosas raras. Como que una directora teatral rusa y un escenógrafo griego hayan cruzado el Atlántico para conocer de primera mano la tierra de Gardel y ahora se encuentren investigando y trabajando en La Plata con vistas a montar una obra... en Londres.

La directora es Veronika Wigg, estereotipo de la mujer rusa, con la tez muy pálida y los ojos muy celestes. El escenógrafo, Michailis Kokkoliadis, hombre demasiado pendiente de las ambientaciones como para preocuparse por aprender más que un par de palabras en castellano.

Se conocieron en Londres, donde viven desde hace una década (ella se recibió en la Universidad de Moscú y consiguió trabajo en la BBC, él se fue a estudiar a la capital inglesa), y se entusiasmaron en un proyecto que empezó con “un libro de tango de 1929 que encontré en una biblioteca”, cuenta Veronika, que aprendió los rudimentos del castellano pero respira con alivio cuando le dicen que la nota puede hacerse en inglés.

Del interés por el dos por cuatro nació Twelve, un proyecto de obra teatral compuesto por doce actos con doce historias relacionadas con la cultura, la danza y la literatura tanguera.

Consiguieron una beca del Art Council de Londres para profundizar la investigación en Argentina, y hallaron en internet una tentadora propuesta: la de Residencia Corazón, el emprendimiento de los platenses Juan Pablo Ferrer y Rodrigo Mirto que ofrece una residencia para artistas extranjeros en nuestra ciudad.

“Elegimos La Plata porque tenemos un contacto muy directo con el tango de verdad. No nos interesa el tango turístico, el que ofrecen San Telmo o Puerto Madero, sino el más auténtico”, explica Veronika. “Vinimos a investigar, a palpar el mundo del tango”.

Llegaron a mediados de noviembre e hicieron un casting, del cual quedaron cuatro actores y una pareja de bailarines, que ahora están trabajando en workshops sobre las historias de Twelve.

La experiencia en La Plata terminará el 17 de diciembre, cuando Veronika y Michailis regresen a Londres. Su idea es llegar a montar la obra en la capital británica, “y vamos a tratar de llevar a algunos de los actores y bailarines con los que trabajamos acá, porque son fantásticos”, dice la directora. Antes de partir, el 14 o el 15, harán una muestra de Twelve en la residencia.

La residencia

Residencia Corazón es un proyecto de intercambio que abre las puertas de la ciudad a artistas extranjeros. Gestado por Rodrigo Mirto y Juan Pablo Ferrer, funciona en el espacio artístico que poseen en diagonal 77 y 3, con la idea de fondo de darle más vida cultural a La Plata y
realizar un aporte para sacarla de la sombra que desde siempre le ha hecho Buenos Aires.

Edificios fantásticos y actores apasionados

Sucede en todos los ámbitos: admiramos las maravillas de los demás y no sabemos ver las que tenemos frente a nuestras narices. Veronika y Michaili quedaron fascinados con teatros que para nosotros pasan desapercibidos o incluso están en muy mal estado de conservación.

“Visitamos La Fabriquera, El Princesa, el Teatro de la UNLP. Son fabulosos, en Inglaterra los actores tratan de salir de los teatros clásicos para buscar lugares como esos. Pero allá la ambientación es artificial, aquí son edificios genuinamente antiguos. Sería increíble, por ejemplo, hacer Chejov en un teatro como El Princesa”, dice la directora rusa.

Otra cuestión que los sorprendió fue la calidad actoral. “Vimos algunos actores maravillosos, en obras, en cambio, de poca calidad dramatúrgica -afirma Veronika-. Y en algunas cosas para mí, como directora, es extraño.

En Inglaterra tenés que estar tres semanas para que se toquen entre ellos, yo estoy todo el tiempo diciéndoles ¡come on!, ¡come on! para que se liberen. Acá al primer día ya no había barreras, les tenía que decir calm down, calm down. Vi mucha energía y vitalidad en los actores; sienten el deseo del teatro, pero les falta formación en teatro clásico”.

Fuente: Hoy

miércoles, 5 de diciembre de 2007

Festival Provincial de Teatro 2007 - Elencos seleccionados

La Compañía Nacional de Fósforos, de la localidad de Tres de Febrero, resultó elegida como Elenco Seleccionado del Festival Provincial de Teatro 07´, organizado por la Comedia de la Provincia de Bs. As., dependiente del Instituto Cultural.

Este grupo representará a la provincia en la XXIII Fiesta Nacional de Teatro 2008 desarrollada por el Instituto Nacional de Teatro. Además recibirá un premio en efectivo de $ 7000 y un contrato con la Comedia para la realización de 6 funciones

Por su parte, los grupos Vuelve en Julio y Llanos, ambos de La Plata, obtuvieron la primera y segunda mención respectivamente, recibiendo premios de $3500 y $2000 y contratos para la realización de 5 y 4 funciones.

Ficha de los Grupos y las Obras

Elenco Seleccionado
Grupo: Compañía Nacional de Fósforos
Obra: Día de Campo
Autor: Cristian Palacios
Dirección: Paula Brusca
Localidad: Tres de Febrero
Duración: 60´

Primera Mención
Grupo: Vuelve en Julio
Obra: Trika Fopte
Autor: Carlos Ayala
Dirección: Carlos Ayala
Localidad: La Plata
Duración: 60´

Segunda Mención
Grupo: Llanos
Obra: Llanos de desgracia
Autor: Beatriz Catani
Dirección: Beatriz Catani
Localidad: La Plata
Duración: 60.

Fuente: 168 horas

lunes, 3 de diciembre de 2007

"Forever Tango", desde Broadway al Coliseo


Durante cuatro días grabarán en La Plata un documental sobre el espectáculo para la televisión norteamericana

Durante cuatro días la Public Broadcasting Sistem (PBS) de Estados Unidos grabará en el Teatro Coliseo Podestá de nuestra ciudad un documental sobre el musical "Forever Tango", que desde hace 15 años gira por las principales ciudades del mundo y que se presentó durante tres temporadas en Broadway. Será una oportunidad para que el público platense disfrute de un show de estas características, con la precaución de que se trata de funciones que se desarrollarán en el marco de un rodaje. Además, todo lo recaudado en la función del martes será compartida por entidades benéficas de la ciudad.

Según explicó el creador y director de este espectáculo, Luis Bravo, un violoncelista santiagueño que cuando tenía 23 años se instaló en Estados Unidos, los días 4, 6, 7 y 8 de diciembre "vamos a estar en este bellísimo teatro que es el Coliseo Podestá para filmar el show que luego se emitirá a través de la televisión estadounidense. Por eso hay que aclarar que quien venga a presenciarlo tendrá que tener en cuenta que vamos a estar filmando. Creo que eso también es un atractivo para el público que así tendrá la posibilidad de acceder a un show de nivel internacional".

El director, que antes de crear "Forever Tango" integró importantes orquestas como la Filarmónica de Los Angeles y la Filarmónica de Nueva York, y paralelamente a su trabajo en la música clásica también se desempeñó como músico popular, contó que "en el año 90 decidí hacer esta obra que comenzamos en la costa Oeste de EEUU y en Vancouver, Canadá. Luego estrenamos en Los Angeles y de ahí no paramos de hacer giras por todo el mundo. Este show fue visto por más de cinco millones de personas y realizó temporadas en Broadway en los años 1997 (Teatro Walter Kerr), 1998 (Teatro Marquis) y en 2004 (Teatro Shubert)".

Bravo contó que la intención es hacer un compilado con los 15 años de trayectoria que tiene el espectáculo que, además de las mencionadas temporadas en Nueva York, se presentó en más de 50 ciudades de Estados Unidos, en más de 40 de México, en Japón y distintos países de Europa. "Como todo arte viviente es lógico que en estos 15 años haya sufrido modificaciones. Cuando empezamos, no existía en el mundo el furor que hay actualmente por el tango, así que con este show hemos sido difusores de nuestra música, ya que en este espectáculo se presenta desde la 'Cumparsita' o 'El Choclo' hasta tangos de Astor Piazzolla", argumentó.

Como el elenco de artistas se modifica constantemente "cada uno le pone su impronta personal. Cuando uno hace una obra para el mundo tiene una limitación lógica que es el lenguaje, pero es cierto que la danza y la música son comunes a todas las culturas. Este show cuenta con 13 parejas de baile y también habrá solos de orquesta. En total serán unas 20 rutinas realizadas por artistas argentinos y muy talentosos".

Con respecto a la elección del teatro, Bravo sostuvo que "mi idea era realizarlo en el Teatro Colón. El espectáculo se ofreció allí el 24 de noviembre de 1999 a beneficio, pero como ahora está cerrado por las refacciones, me hablaron del Coliseo de La Plata y cuando lo vi quedé encantado. Ustedes tiene un teatro bellísimo, increíble y me encanta poder hacerlo aquí".

La grabación en alta definición de "Forever Tango" se utilizará en el programa de recaudación de fondos para 167 estaciones de Public Television que forman parte de la cadena American Public Televisión que llega al 99 por ciento de los hogares en Estados Unidos y al 98 por ciento en Canadá.

Fuente: Diario El Día

viernes, 30 de noviembre de 2007

La finalidad sin fin. Sobre Finales de Beatriz Catani


Juan Manuel Mannarino
(Universidad Nacional de La Plata)

Beatriz Catani es actriz, dramaturga, directora y docente teatral. Algunas desus obras como dramaturga y directora son Cuerpos Abanderados (1998), Todocrinado (V Proyecto MUSEO, 2000), Perspectiva Siberia (2001) con el grupo deTeatro Doméstico, Ojos de ciervo rumanos (2002), Felix María de 2 a 4 (2003), Los 8 de julio (Ciclo BIODRAMA 2002) y Los muertos (2006) (éstos dos últimos Mariano Pensotti), y La Desdicha (en colaboración con Luis Cano). Ha sido invitada a diversos festivales Internacionales. Fue premiada y obtuvo reconocimientos de la Fundación Antorchas, el Teatro San Martín, el Instituto Nacional de Teatro y la Comedia de la Provincia de Buenos Aires, entre otros.

Dentro de la dramaturgia femenina del teatro platense, junto a Febe Chávez, Beatriz Catani es una de las creadoras más prolíficas y premiadas de los últimos años. No sólo ha participado de festivales internacionales de enorme prestigio, sino que a raíz del respaldo de la crítica europea introdujo una personal visión estética desde las condiciones de producción de un país sudamericano. De ese modo, enparalelo a la expansión cosmopolita del teatro porteño actual (Daniel Veronese, Alejandro Tantanián, Ana Alvarado, Rafael Spregelburd, entre otros), logró un reconocimiento artístico que le permitió, entre otras actividades, dirigir una ópera en Bélgica y trabajar en Buenos Aires en dos propuestas escénicas junto a Mariano Pensotti: por un lado, la experiencia del biodrama, Los 8 de julio y, por otro, con una obra sobre las representaciones de la muerte en la historia argentina Los muertos.

Hay gente que pasa: son los espectadores de Llanos de desgracia (otra obra de Catani que finaliza cuando comienza Finales), que cruzan el pasillo buscando la salida. En el espacio escénico hay tres mujeres. De a ratos, una de ellas sube el volumen de su wallk-man, donde suceden diversas interpretaciones musicales de la marcha peronista. Un sillón. Luces hogareñas. Una estufa a leña. El escenario como un umbral doméstico. Finales transcurre como un rompecabezas sin principio ni fin, donde cada relación humana entra y sale de un laberinto imperfecto. Tomando la muerte de una cucaracha como metáfora de la resistencia pasiva (que agoniza en escena, en un punto fijo sobre la estufa), los cuerpos se revuelcan, nacen, renacen y vibran alrededor de un caos sin solución de continuidad. El tiempo transcurre. De pronto, entra un hombre. Los relatos se crean desde la ausencia de cualquier coherencia: un gran mosaico de temas, situaciones y anécdotas desfilan a lo largo de una suerte de catarsis sin desenlace. Por momentos, los personajes se miran y dialogan; por otros, deambulan y piensan en voz alta; en ocasiones, asemejan un estado enfermizo, cierta patología mental. Todo orden es inestable. Desconcierto y naufragio: aparecen la familia, el pasado, la muerte, la realidad, la incomunicación y todo en un presente donde la subsistencia individual muestra un rostro tan desvencijado como las paredes descascaradas del escenario. Finales es una densa agonía que multiplica dolores, como si la única posibilidad de estar de los personajes fuera el puro soportar, el puro aguantar situaciones existenciales. ¿Quiénes son los que hablan? ¿Por qué asumen identidades múltiples? ¿Qué los une?

Beatriz Catani propone una obra donde el tiempo, el espacio y el conflicto dramático entran en crisis. Ahora bien, ¿es una apuesta riesgosa o una experiencia estética que ante tanto caos escénico no justifica sus tres horas de duración y su estructura dramática? ¿Habla de una producción posmoderna o es sólo una experimentación para una élite de entendidos en la materia?

En todo caso, Finales es una invitación para zambullirse dentro del campo teatral contemporáneo, múltiple y heterogéneo, donde quizás el principal atractivo consista en repensar los giros semánticos, los modos de comunicación y la producción de sentido que atraviesan la relación del artista con el público y la obra con los cambios de percepción culturales, estéticos y políticos de las últimas décadas.

Ficha técnica de “Finales”

Dramaturgia: Beatriz Catani

Actúan: Magdalena Arau, Maria Amelia Pena, Julieta Ranno, Sonia Stelman, Matías Vértiz

Asistencia de dirección: Guido Ronconi

Dirección: Beatriz Catani

TEATRO LA HERMANDAD DEL PRINCESA

Dirección: Diagonal 74 entre 3 y 4, La Plata.

Sábados 21 hs.

Véase Juan Manuel Mannarino, “Explorando los límites de la convención teatral. Entrevista a BeatrizCatani, autora y directora de teatro” , en telondefondo, Revista de Teoría y Crítica Teatral, Año 3, 6, diciembre 2007, www.telondefondo.org

miércoles, 28 de noviembre de 2007

Eterno e Imborrable en Espacio 44

Los viernes 7 y 14 de diciembre se presentarán las últimas funciones de la obra de teatro Eterno e Imborrable de Jazmín García Sathicq en Espacio 44, a las 20:30.

Jazmín García Sathicq, directora y autora, encara la obra poniendo de manifiesto las condiciones y estados del hombre en una situación de guerra. La guerra hace perder la noción del tiempo, pero todo minuto en ella se vuelve eterno e imborrable, vemos a un hombre apelando según distintos casos a sentimientos como la violencia, el sometimiento, la degradación, el dolor, la angustia, al amor, a la preservación de la existencia propia y de la humanidad, mas allá de la propia vida, la defensa de una causa bajo la convicción y bajo la incertidumbre, la traición, el instinto de supervivencia.

Plantea el supuesto que todo ha sido arrasado, ya no basta ni el cuerpo para identificarnos, se extinguió la memoria, la memoria es aquí y ahora, e inevitablemente surge la pregunta ¿Qué hay si no hay cuerpo ni memoria?

Contiene relatos basados en testimonios reales de gente que ha transitado un estado de guerra. La obra comienza con el testimonio de mujeres que fueron encarceladas en España bajo la dictadura franquista, pero no se limita a un hecho histórico en particular, sino que trata de extraerse la experiencia y el estado vivido por distintos seres en guerra y ponerlo en juego con vuelo poético y carga emotiva.

Es una obra de una estructura dramática no convencional, secuenciada en escenas que podrían tener alteración en el orden sin afectar a la recepción del contenido temático y visual. Es una puesta minimalista, de cuidado estético compuesta de un fuerte impacto del contenido visual y sonoro, la poética textual y un lenguaje de actuación sutil y sensible. Apela a la fragmentación y a la exposición escénica de todos los elementos que constituyen el hecho teatral.

“Mi tierra es la libertad. Pues bien, anhelo paz, y en ésta guerra tendré que demostrarlo, no lucho contra la guerra, lucho a favor de la paz.Un minuto de paz, no es silencio. No será fácil retornar el eco que da respuestas, vaya a saber uno en qué parte del universo buscó su exilio. Lo importante es que no nos detendrán. No, no nos detendrán."


Ficha técnica:
Dramaturgia y dirección: Jazmín García Sathicq
Intérpretes: Rodrigo San Martín, Martín Florencio, Elías Pedernera.

Más información:
Espacio 44: 44 Nº 496 e/ 4 y 5
Reservas de entrada:
Correo-e: sapucayteatro@ahoo.com.ar
Tel.: 221 15 485 2225

Fuente: Cultura La Plata

viernes, 23 de noviembre de 2007

Cita con un provocador del teatro

EL DRAMATURGO ESPAÑOL FERNANDO ARRABAL, DE VISITA EN BUENOS AIRES

En una charla con el público, habló de los clásicos y la poca importancia del género teatral hoy.

Por: Bárbara Alvarez Plá

Le he echado al director todas las flores, si tuviera más las echaría", dice el español Fernando Arrabal -dramaturgo, poeta, novelista y director de "Viva la muerte"- acá en un teatro de Buenos Aires, donde la compañía teatral Buster Keaton acaba de terminar una función de su obra Los cuatro cubos, escrita hace cuatro décadas. La obra se despide, después de dos años y acá está Arrabal (Melilla, 1932) para charlar con el público al final de la función. Es un lujo.

Arrabal formó parte del grupo de André Breton y hay libros suyos ilustrados por Pablo Picasso, Salvador Dalí y René Magritte. Dejó el surrealismo para formar, con Roland Topor y Alejandro Jodorowski, el "Movimiento Pánico", que se basa en el axioma: "La vida es la memoria y el ser humano es el azar".

Ese es el hombre.

Las luces del escenario se encienden tras el mar de aplausos que despide a los actores. El periodista Jorge Dubatti sale al escenario para decirle al autor, confundido entre el resto del público, que los espectadores esperan sus palabras. En un juego de falsa ficción Arrabal, ataviado con una camiseta que muestra la obra del Greco El entierro del conde Orgaz toma un micrófono y una vez más hace gala de su sentido del humor.

Todo se convierte en un ingenioso monólogo en el que Arrabal habla de su concepción del teatro, entre bromas y alusiones a los grandes maestros de la dramaturgia, donde los clásicos griegos siguen siendo protagonistas. "El teatro no es una carrera de relevos. Yo podría haber escrito Edipo y Sófocles podría haber escrito cualquiera de mis obras", dice el autor. Habla de la poca importancia que parece tener el teatro hoy en día: "Incluso los críticos han perdido el interés, a no ser que se trate de un gran estreno, es por eso que estamos en un momento grandioso: no le debemos nada a nadie".

Arrabal hace suya una frase de Pirandello: "La imaginación es el arte de combinar nuestros recuerdos, incluyendo nuestros sueños y nuestras pesadillas" y asegura, para quien pide influencias prestigiosas, que "La parisiense que más me ha influido es mi portera: una portuguesa enamorada de la verdad".

La "noche Arrabalera" como al propio autor la definió, termina cuando éste arroja al público unas postales en las que se puede ver un croquis del pintor Andrés Ona, que toma como base el cuadro de Max Ernst Au rendez-vous des amis (1922), donde aparecen los que serán los genios del surrealismo, en una especie de visión premonitoria, antes de su reconocimiento por parte del gran público. Así, trascendente, Arrabal tiene una propuesta: "Debería haber un Premio Nobel del teatro, de la filosofía, del ajedrez y de las matemáticas". El público, que fue suyo desde el comienzo, acompaña.

Fuente: Clarín

Adiós al maestro del baile

Foto Reuters: Maurice Béjart

GINEBRA (AFP).- El coreógrafo francés Maurice Béjart, uno de los más importantes creadores de la danza contemporánea, falleció ayer a los 80 años de edad, indicó a AFP el Béjart Ballet de Lausana (BBL), que dirigía desde hacía 20 años. Esa ciudad había anunciado a fines de la semana última que el creador había sido hospitalizado por segunda vez en un mes con el fin de seguir un tratamiento estricto por problemas cardíacos y renales.

"«Más luz», fueron las últimas palabras de Goethe. Las mías serán «Más danza»", había dicho Béjart el último 1º de enero, cuando cumplió los 80 y ya se apoyaba, cómplice, en un par de muletas, mientras reflexionaba sobre medio siglo con la danza. Pero no fueron esas las palabras con las que ayer, bien temprano en la mañana, los voceros de su compañía anunciaron escuetamente que el genial coreógrafo, figura de máxima relevancia para la danza del siglo XX, había fallecido. No obstante el estricto tratamiento que seguía en el Hospital Universitario de Lausana, al oeste de Suiza, desde su internación Béjart seguía a diario las actividades de su compañía y los ensayos de La vuelta al mundo en 80 minutos , basada en la novela de Julio Verne, cuyo estreno mundial estaba previsto para el 20 del mes próximo. Eso es más danza.

Hijo del escritor y filósofo Gaston Berger (su madre murió cuando tenía 7 años), Maurice-Jean Berger había nacido el 1° de enero de 1927 en Marsella y descubrió la danza en la adolescencia por recomendación médica. Siendo además filósofo, como bailarín clásico trabajó al inicio de su carrera con nombres de gran prestigio, como Roland Petit. En diferentes entrevistas tanto como en su biografía oficial, confesó que fue hacia 1949 cuando descubrió la expresividad coreográfica, de gira con el Culberg Ballet.

Béjart creyó ser demasiado malo como bailarín. En 1954 creó su propia compañía y tres años más tarde se convirtió en director de danza del Teatro de París. En 1959 trascendió con La consagración de la primavera , de Stravinsky, presentada en Bruselas. Allí fundó en 1960 el Ballet Siglo XXI, que en su mudanza a Lausana, en 1987 -tras una pelea con Rudolf Nureyev, director de baile de la Opera de París-, se llamó Béjart Ballet de Lausana.

Tan particular como su rostro -de mirada azul profundo, barba recortada y en punta, cejas fruncidas-, como su cuerpo robusto e incansable, era su personalidad de hombre, amigo y maestro, al que el mundo de la danza le dedica hoy profundas palabras de amor. Y singular, sin duda, su obra, que revolucionó la danza. El creía que el ballet no tenía por qué mostrar solamente a bellas princesas en busca de un príncipe. Reemplazaba, así, el tutú por un par de jeans, ponía notas sexuales a su coreografías, dejaba que la moda las atravesara -su amigo Versace fue su colaborador desde 1984 y hasta su muerte, en 1997, que este año Béjart recordó con Gracias, Gianni, con amor -. Su ignorancia del significado de la palabra "frontera" marcó su estilo. Cine, ópera, teatro, música, ballet: todas las artes, las manifestaciones espacio-temporales, entraban en su privilegiada cabeza vanguardista; su corazón seguía la tradición clásica; se mezclaban, se depuraban, se procesaban para que sus creaciones surgieran libres.

Sobre la separación entre clásico y contemporáneo, decía en 2001: "No sé qué es eso. En mi escuela se trabajan dos técnicas: la clásica y la de Martha Graham. Con ellas, el cuerpo puede hacer lo que quiere. No encuentro diferencia entre Mozart y Stockhausen, y no entiendo por qué en la danza tendría que haberla. A mi escuela vienen maestros de danza indios, de flamenco, de danzas africanas. Separarlos va en contra de la historia".

Místico, Béjart se había convertido al islam en 1973, siguiendo un camino espiritual que impregnó su carrera artística: creía que la danza estaba ligada a la divinidad.

Su cuantiosa producción incluye además de coreografías -parte de ellas dedicadas a reconocer la labor de figuras importantes de todas las artes-, piezas teatrales, óperas, libros y otros papeles. "Avanzamos en la vida y surgen puertas frente a nosotros, las abrimos para encontrar una salida, pero cada puerta da a un pasillo a su vez lleno de puertas", escribió el maestro en Cartas a un joven bailarín .

El alma argentina

Si Bolero (1960) fue una de sus obras más queridas, Jorge Donn significó, además de un ser entrañable, su musa. "Jorge fue un hijo, un amor, un bailarín de pura cepa, un ser inteligente, único; de esas personas que se encuentran una vez por siglo", había dicho Béjart, en una entrevista con LA NACION, del bailarín argentino que inmortalizó la versión masculina de esta coreografía, incluida en el film Los unos y los otros .

Si bien el vínculo entre ambos fue emblemático, la relación del coreógrafo con el "alma argentina" fue más allá. Entre fines de los 70 y durante la década siguiente, las compañías de Béjart presentaron programas en el Teatro Colón, en el Luna Park (uno dedicado a Gustav Mahler, y Romeo y Julieta ), en Obras (Preludio de La siesta de un fauno y Vida y muerte de una marioneta humana ). Y entre finales del siglo pasado y éste, estrenó El presbítero no ha perdido nada de su encanto ni el jardín de su esplendor (Luna Park, 1997), en homenaje a Jorge Donn y Freddie Mercury; El arte del pas de deux (Colón, 1997); Che, Quijote y Bandoneón (Luna Park, 2001), con la actriz Cipe Lincovsky y el bailarín Octavio de la Rosa, con música de Raúl Garello y Eladia Blázquez, y Madre Teresa y los niños del mundo (Luna Park, 2003), con Marcia Haydée.

"¿Sabe? Se puede olvidar todo, pero el arte queda, es universal: son perennes la música de Mozart, la arquitectura de civilizaciones anteriores, la pintura de maestros como Da Vinci. La danza es como la relación que se establece entre padres e hijos. Es un legado que recibimos de los que nos antecedieron y así seguirá comunicándose, de una generación a la otra. Nunca morirá, aunque los progenitores desaparezcamos." Eso creía.

Constanza Bertolini

Fuente: La Nación

jueves, 22 de noviembre de 2007

Murió el coreógrafo y bailarín Maurice Bejart

A los 80 años

Maurice Béjart, fallecido el 22 de noviembre de 2007, en Lausana (Suiza) a los 80 años de edad, logró seducir al público con decenas de coreografías mestizas de vocación universal, durante una carrera cuya ambición era hacer de la danza "el arte del siglo XX". Su estado de salud obligó en los últimos años al más popular de los coreógrafos franceses a limitar su actividad al Béjart Ballet Lausanne, que dirigía desde hace 20 años, tras haber reinado en el Ballet del Siglo XX de Bruselas durante un cuarto de siglo. "Yo saqué la danza de los teatros de ópera para implantarla en el Palacio de Deportes, en los Juegos Olímpicos y en el Festival de Aviñón", solía decir, orgulloso de haber dado a conocer ese arte a un amplio público. Con sus ojos de un azul intenso, su empaque de coloso y su barba puntiaguda, Maurice Béjart, que se convirtió al islam en 1973, enarbolaba una actitud mística que impregna toda su obra.

Se sentía investido de una misión casi mesiánica y revolucionó el espectáculo vivo ya en su primera creación, "Sinfonía para un hombre solo" (1955). Una revolución "más sociológica que artística", señala el coreógrafo Jean-Claude Gallotta, puesto que Béjart conserva la técnica clásica, pero cambia el espíritu de la danza, que pasa a ser sagrada y sensual. La faldita de bailarina se transforma en leotardo, el pantalón vaquero irrumpe en el escenario, el poder del cuerpo se afirma. Los intérpretes, verdaderos seres de carne y hueso, adquieren vida y dan libre curso a su sensibilidad. Sus creaciones dieron la vuelta al mundo, pero la carrera de Bejart se construyó a partir de Bélgica, donde dirigió su elenco durante 27 años, y luego en Suiza, desde 1987 hasta hoy. Nacido el 1 de enero de 1927 en Marsella (sur de Francia) Maurice Berger (su verdadero nombre) era hijo del filósofo Gaston Berger. En homenaje a Moliére, adoptó el apellido de la esposa de éste, Armande Béjart.

Tras obtener una licencia en filosofía, abandonó los estudios para consagrarse a la danza, que había descubierto a los 14 años de edad por consejo médico "para fortificar su cuerpo flacucho". Recibió una formación clásica en Londres y París, y firmó su primera coreografía en 1952, para una película sueca "El pájaro de fuego", de la que fue el primer intérprete. Denunciando rápidamente un arte "separado de las masas", Maurice Béjart innovó con "Sinfonía para un hombre solo" (1955), con la música vanguardista de Pierre Henry y Pierre Schaeffer.

Ante la resistencia de los círculos tradicionales del mundo del ballet francés, decidió trasladarse a Bruselas, donde su "Consagración de la primavera" fue acogida triunfalmente en el Teatro Real de La Moneda. Un año después, fundó el Ballet del siglo XX: sus coreografías, montadas a un ritmo acelerado en la capital belga para dar luego la vuelta al mundo, tienen un éxito rotundo. A raíz de una desavenencia con el director de La Moneda, Gerard Mortier, Maurice Béjart prosiguió su carrera en Suiza, donde creó en 1987 el Béjart Ballet Lausanne. En total, creó unas 140 coreografías, que expresan su gusto por los viajes y el mestizaje. Sus creaciones mezclan los géneros (cine, teatro, ópera) los estilos y las culturas. Deseoso de transmitir su arte, creó escuelas en Bruselas, Dakar y Lausana, en las que se formaron algunos de los mejores bailarines contemporáneos. Paralelamente, publicó novelas, obras de teatro y libros de recuerdos.

Foto: La bitácora de la bailarina
Fuente: Revista Caras

Murió el coreógrafo francés Maurice Béjart

Imagen de archivo del reconocido coreógrafo Foto: Reuters

Lo anunció el Béjart Ballet de Lausana, que dirigía desde hacía 20 años; tenía 80 años

GINEBRA (AFP).— El coreógrafo francés Maurice Béjart, uno de los más importantes creadores de la danza contemporánea, murió hoy a los 80 años.

La información fue confirmada por el Béjart Ballet de Lausana (BBL), que dirigía desde hacía 20 años.

Hace algunos días había ingresado en la clínica universitaria de Lausana con problemas renales y cardíacos.

El coreógrafo había nacido en Marsella el 1° de enero de 1927 con el nombre de Maurice Berger y era hijo del filósofo Gaston Berger.

Fascinado por un recital de Serge Lifar, Béjart decidió que se consagraría por entero a la danza. Su debut artístico lo hizo a los 14 años, en la Ópera de París.

Su primer ballet, L´inconnu , lo presentó en Estocolmo en 1951 Luego llegaría la régie de El pájaro de fuego.

En 1954, junto con Jean Laurent, fundó el Ballet de l´Étoile. Fue con esa compañía con la presentó su primera obra importante, la Symphonie pour un homme seul (1955), con música de Pierre Henry y Pierre Schaeffer, y que le valió el reconocimiento de la crítica y el público.

Tras ese éxito, llegó una invitación del Teatro Real de la Moneda de Bruselas, donde en 1960 fundó el Ballet du XXe. Siècle.

Así surgió la coreografía de la La consagración de la primavera (1956), su obra maestra.

Fue el autor también de la coreografía de cerca de 200 ballets, la mayoría de ellos para su propia compañía .

Fue un fiel seguidor de la culturas orientales y en sus obras buscaba presentar un "teatro total", en el que se combinan los gestos majestuosos, el diseño sensacionalista y, a veces, hasta partes habladas.

En 1970 fundó el Mudra Centre de Bruselas para difundir este planteamiento.

En 1987, el reconocido coreógrafo se trasladó de Bruselas a Suiza, donde fundó su compañía en Lausana.

Sus 35 bailarines están ensayando una nueva producción llamada Around the world in 80 minutes, , con fecha de estreno el 20 de diciembre, en Lausana.

Béjart era uno de los coreógrafos más importantes del mundo y revolucionó la danza clásica. Con su inconfundible estilo, creó más de cien coreografías.

En el video, una de sus coreografías: La Cumparsita

Fuente: La Nación

jueves, 15 de noviembre de 2007

La Nonna reinaugura su sala principal tras el incendio

Leo Ringer junto a sus dos hijos en la renovada sala La Nonna.

A menos de tres años del incendio que destruyó sus instalaciones

A menos de tres años del incendio que destruyó sus instalaciones, el teatro La Nonna, fundado y dirigido por Leo Ringer, será reinaugurado mañana con la totalidad de sus instalaciones recuperadas.

"Tras el incendio, que fue en diciembre de 2004, la sala de la planta baja comenzó a funcionar en marzo de 2005, pero hasta ahora no habíamos concluido con las obras de restauración del teatro, por lo que decidimos reabrir oficialmente las puertas con las tres salas totalmente recuperadas", adelanta Ringer, orgulloso, desde la sala principal del teatro.

El director asegura que "la recuperación ha sido un proceso muy difícil pero nunca dudamos en cuál sería el final de la historia. Desde el primer día, con la formación de una comisión de amigos y luego con la gran cantidad de funciones a beneficio que se realizaron, empezando por la de Linda Peretz en marzo de 2005, todo fue increíble".

Pero para Ringer, uno de los actores principales en el proceso de reconstrucción que hoy llega a su fin fue el público. "No olvidaré nunca los tres slogans que nos acompañaron todo este tiempo. Al principio fue 'Ayúdenos a recuperar La Nonna', más tarde fue 'Juntos podemos lograrlo', y ahora reabrimos la sala con uno que dice 'Juntos lo hicimos posible'", repasa.

LA RECONSTRUCCION

Luego del incendio, que incluyó la caída del techo, la tarea de que el teatro volviera a funcionar parecía difícil. "Me acuerdo que Carlos Rottemberg fue el primero en decir 'hay que reabrir el teatro'. Y eso nos ayudó a levantarnos", dice el fundador de la sala.

La vieja casa ubicada en 3 y 47 fue construida en 1884 y sus anchas paredes han resistido el fuego, por lo que, a pesar de la dimensión del incendio, la restauración fue posible. "Las autoridades técnicas advirtieron que la estructura resistió el fuego. A partir de ahí recuperamos todos los revoques, yesos, las cañerías, e instalamos los sistemas de seguridad que actualmente requiere una sala de estas características", resumió Ringer.

Tras la apertura de la sala 3, ubicada en la planta baja, con una capacidad de cien personas, se reconstruyó la principal -ubicada en el primer piso- que había perdido íntegramente el escenario. "La Nonna amplió su capacidad y se optimizaron todos los aspectos para contar con una sala completamente renovada, con el estilo 'a la italiana' que tuvo siempre", asegura el director.

Además de las tres salas, se recuperó también el museo de vestuarios y fotografías, así como el espacio "Leolandia" de fiestas infantiles, precursor del teatro a principios de 1972.

Fuente: El Día