La Universidad de La Plata extiende y amplía el sistema de becas para los estudiantes

Habrá almuerzos gratis y un sistema de viandas para la cena

La Universidad Nacional de La Plata (UNLP) extiende y amplía el programa de ayuda para los estudiantes: en 2010 se pondrá en marcha un mecanismo de becas para que los alumnos puedan acceder en forma gratuita a los beneficios del Comedor Universitario que –para el resto del estudiantado– se mantendrá en el valor de 1 $ (un peso) por almuerzo o por vianda.

A partir del lunes 15 de febrero comenzarán las inscripciones por Internet y se habilitarán los sistemas de preselección para todos los beneficios previstos en el programa “Igualdad de Oportunidades para Estudiar” que impulsa la prosecretaría de Asuntos Estudiantiles de la UNLP.

Se trata de un amplio despliegue de ayuda económica para jóvenes con dificultades sociales que requieren de un apoyo financiero para garantizar la permanencia en los estudios superiores.

“Cada año logramos profundizar y ampliar el programa con la inyección de más fondos. Esta política de incremento permanente y de diversificación de los beneficios busca sostener el ingreso, permanencia y egreso de los alumnos de la UNLP”, explicó Marcos Di Giussepe, prosecretario de Asuntos Estudiantiles.

Los fondos. La casa de estudios platense dispuso una partida de 1.820.000 pesos para el financiamiento de las becas de ayuda económica y para las distintas variantes del Programa de Igualdad de Oportunidades para Estudiar.

Además, la UNLP dispone un aporte especial para el funcionamiento del Comedor –de 1.144.000 de pesos– y cuenta con un subsidio del ministerio de Desarrollo Social de la Nación (en 2009 fueron 700 mil pesos) para solventar ese servicio que alcanza a 4.400 estudiantes todos los días.
En ambos conceptos la universidad platense incrementó en 680 mil pesos los recursos de 2010 con relación al año anterior, siguiendo los lineamientos del Plan Estratégico de Gestión que desarrolla el Rectorado de la UNLP.

De esta manera, la universidad platense llega con beneficios, aportes, ayuda o subsidios a más de 5.500 estudiantes con dificultades económicas.

Beneficios. “Para profundizar las acciones y los programas contemplados en el Plan Estratégico de Gestión de la UNLP, a partir del año 2010, y en función de la demanda realizada por diversos sectores estudiantiles, la UNLP decidió crear la Beca Comedor Universitario. Tiene como objetivo central brindar a los estudiantes que se encuentran atravesando una situación socio económica vulnerable, un servicio de alimentación sano y equilibrado”, informó Di Giusseppe.

La inscripción para este beneficio se iniciará el 15 de febrero. El plan establece que los beneficiados tendrán acceso al almuerzo y también a una vianda diaria para la cena. La planilla de inscripción con los requisitos y exigencias requeridas estará en la página web de la UNLP (www.unlp.edu.ar/becas), en una semana.

La acreditación de los menús será mediante la adquisición de un ticket troquelado en el que constará: Nombre, Apellido y Legajo del estudiante, días de la semana y turno en que concurrirá al Comedor.

Fuente: Diagonales

“Estar con Hugo y Osvaldo Fattoruso es tocar bien”

Daniel Maza

El trío uruguayo llega hoy a las 21.30 a Ciudad Vieja con la mejor música de su país. "Hacemos música fusionada: algún candombe, temas de Eduardo Mateo, un compositor uruguayo, los temas de Hugo y los míos, alguna cosa brasileña, pero siempre todo mezclado con el jazz”, adelantó.

El trío Fattoruso -Maza - Fattoruso visita nuestra ciudad por segunda vez y en esta oportunidad harán su repertorio en el escenario de Ciudad Vieja (17 y 71). Desde las 21.30 de hoy, Hugo Fattoruso (teclados y voz), Daniel Maza (bajo) y Osvaldo Fattoruso (batería), tres músicos de larga y reconocida trayectoria, brindarán un recital con “temas de Hugo, míos, algunas versiones de canciones de otros autores y también vamos a estrenar algún que otro temita”, según le adelantó el bajista a Diagonales.

El trabajo que realiza el trío no tiene una definición exacta y según el propio Maza “es como música uruguaya, hay que tirarlo para ese lado pero lo que hacemos no tiene un estilo definido, porque en realidad hacemos música fusionada: algún candombe, temas de Eduardo Mateo, un compositor uruguayo, los temas de Hugo y los míos, alguna cosa brasileña, pero siempre todo mezclado con el jazz”.

–¿Considera que de música no hay que hablar sino escuchar?

–Hay tipos que pueden expresarlo de alguna forma y con el lenguaje verbal se llevan maravillosamente. Yo no le encuentro la vuelta a explicar la música. Cuando alguien me dice: “yo toco esto así, que empieza acá, que sigue así…”, no lo entiendo. A la música no hay que explicarla, hay que tocarla y la tiene que recibir el otro. Por lo menos a mí me gustaría que fuera así, porque cuando hay mucha explicación se empieza a complicar.

Cada integrante del trío, además de formar parte de este proyecto, tiene su propia agrupación, y si a eso se le agrega que los hermanos Fattoruso viven en Uruguay y Maza en Buenos Aires, los tiempos con los que cuentan para juntarse son acotados. Igualmente, ellos tratan de ver cuáles son sus “prioridades”: “Cada uno tiene sus proyectos, algo con otra gente. Hugo viaja mucho, yo en marzo presento un disco nuevo con mi quinteto, y Osvaldo también tiene lo suyo. Pero cada vez que nosotros nos juntamos, al menos para mí, es una maravilla. Disfruto muchísimo, ellos son unos capos y tocar con los Fattoruso es como estar en las ligas mayores”.

–¿Cómo se encuentra, en lo personal, en este proyecto?

–Básicamente el poder tocar de otra forma, de tener una libertad para tocar con ellos, cosa que en otros proyectos no está. Si bien lo de mi quinteto es bastante fusionado y tiene mucho de improvisación, es como que está más pautado. Acá también, pero cada día que tocamos, el mismo tema es distinto y eso no se encuentra mucho…

–¿Por qué cree que se da eso?

–Supongo que debe ser porque antes de tocar para la gente, cada uno toca para uno, porque estar con Hugo y Osvaldo es tocar bien. Tocar bien para vos, para que esté bien para ellos y que esté bien para la gente. Siempre le encontramos una vueltita más y algo nuevo, es un disparate. Hugo es uno de los mejores músicos del mundo, Osvaldo también y yo acompaño, soy el sparring.

Fuente: Diagonales

Se viene la escuela de oficios en La Plata

En marzo de 2010 será la inscripción

Será de la Universidad Nacional de La Plata y estará destinada a hombres y mujeres que quieran capacitarse para ser panaderos, herreros, albañiles, costureros y ebanistas, entre otras especialidades. Se podrán anotar todos aquellos que hayan finalizado la escuela primaria.

Capacitarse y tratar de superarse día a día en nuestra ciudad no sólo se limita al estudio de una carrera universitaria. Ese parece ser el fin que buscará alcanzar la Escuela de Oficios de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Allí, jóvenes y adultos de distintas edades se podrán formar para ser panaderos, herreros, albañiles, costureros o ebanistas, entre otras especialidades.

Esta iniciativa, que surgió a partir de un convenio con la dirección general de Escuelas provincial, tendrá un único requisito que será haber terminado la escuela primaria. El mes próximo arrancaría la inscripción para todos aquellos que necesiten un aporte formativo para desarrollar actividades laborales en la región.

Los cursos, que otorgarán títulos homologados para el desempeño en distintos oficios como los mencionados anteriormente, serán diseñados por técnicos de Educación y de la UNLP, que también se encargarán de los distintos programas de estudio. Además, se estima que las capacitaciones durarán de 6 a 8 meses y se desarrollarán en un horario no laboral.

La implementación

“En nuestro país hubo experiencias educativas como estas a partir de 1935, cuando formaban egresados en cuatro especialidades: electricidad, herrería, carpintería y construcciones, pero fueron eliminadas a mediados de los ‘70”, dijo oportunamente el presidente de la UNLP, Gustavo Azpiazu.

El proyecto de Escuela Universitaria de Oficios (EUO) -sobre el que ya se había ocupado Hoy- fue elaborado por la secretaría de Extensión y prevé que algunas clases se dicten en aulas de Arquitectura y de Ingeniería, facultades con experiencia en formación no universitaria. Pero también, habrá cursos que se llevarán a cabo en centros comunales y de fomento de la periferia platense y de la región, donde la UNLP tiene convenios para realizar actividades. “Es allí donde se detecta la demanda. Es fundamental acercar la universidad a los barrios, porque de otra forma los chicos que no trabajan ni estudian no llegan”, dijeron desde el Rectorado.

De esta manera, la formación de los alumnos estará a cargo de docentes de escuelas y de profesores que aportarán conocimientos específicos.

Para quienes no tengan una enseñanza media completa, esta opción será una alternativa, mientras que, para aquellos que sí tengan título secundario, también habrá cursos que completarán trayectos técnicos o profesionales como: torneros, soldadores, electricistas, gráficos o capacitación en administración pública.

Es inédita

La propuesta, que se desarrollará en forma conjunta con la dirección general de Cultura y Educación de la provincia de Buenos Aires, crea un espacio educativo que tendrá particularidades de inédito. El presidente de la UNLP, Gustavo Azpiazu, junto al director de Cultura y Educación bonaerense, Mario Oporto, fueron los encargados de sellar -en su oportunidad- el convenio para la puesta en marcha de este proyecto.

Tras la firma del acuerdo, Azpiazu destacó que “las tareas de extensión son una herramienta fundamental para el fortalecimiento de la relación entre la universidad y la sociedad”.

Añadió que “esta Escuela de Oficios que acaba de nacer es otra muestra de nuestro trabajo cotidiano para mejorar las condiciones y atender las demandas de los sectores más vulnerables de la sociedad”.

Por su parte, Oporto subrayó que “la importancia de esta iniciativa en momentos en que se vuelve a poner al sistema educativo nacional en el centro de la escena al asignarle un rol protagónico para el desarrollo y la recuperación de las condiciones de vida de los sectores populares”.

Doble desafío

La Escuela de Oficios asumirá un doble desafío: por un lado, el de incentivar la finalización de la educación básica y, por el otro, aportar los conocimientos técnicos que permitan alcanzar una preparación acorde a las demandas del mercado actual. Para ello, se diseñarán orientaciones específicas en las que participarán docentes de la UNLP y de la dirección general de Cultura y Educación bonaerense.

Según detallaron las autoridades de la secretaría de Extensión de la UNLP, la capacitación incluirá los siguientes oficios: operadores de planta, operarios oficiales, mecánicos, especialistas en tejidos, carpinteros, panaderos, especialistas en costurería, herreros, taxidermistas, ebanistas, frentistas, reparación de electrodomésticos, reparación de pc, cuidadores domiciliarios, asistente de aire acondicionado, tornero, soldadores, mecánicos, carpinteros, electricistas, fresadores, inyectores, extrusores, gráficos, ajustadores, capataz de obra, documentador de proyecto, capacitación en administración pública, capacitación en sistemas informáticos, relaciones públicas, y atención al cliente.

Por último, la idea principal de esta propuesta se basa en fortalecer el nivel de preparación de los grupos sociales más desprotegidos y propiciar su futura inserción laboral. Al mismo tiempo, permitirá rescatar algunas especialidades valiosas que se han perdido con el tiempo.

Fuente: Hoy

Se entregaron los premios Estrella de Mar

Antonio Gasalla - "Más respeto que soy tu madre"

Antonio Gasalla fue la figura indiscutida de la entrega de los premios Estrella de Mar que se entregaron anoche en el Teatro Auditorium y que destacan los mejores espectáculos de la temporada marplatense

El actor se llevó la codiciada Estrella de Mar de Oro y el premio al mejor actor protagónico de comedia por la obra Más respeto que soy tu madre, que también obtuvo un galardón como mejor comedia.

Por otro lado, la mejor revista fue Fantástica protagonizada por Carmen Barbieri y Jorge Rial ganó por su varieté El ángel y el demonio del espectáculo. A su vez, Charly García fue premiado por su espectáculo musical y la obra Baraka recibió tres galardones: mejor director (Javier Daulte), mejor actor (Jorge Marrale) y mejor comedia dramática.

Estos fueron los principales ganadores de la ceremonia:

Comedia musical: "Pimpinela, la familia".
Espectáculo musical grupal: "Arráncame la vida".
Espectáculo musical individual: Charly García.
Humor unipersonal: "Como quien oye llover"
Humor grupal: "Sinfoniatra" (Grupo RIDICULUM VITAE La Plata).
Teatro off::": Entrepiso".
Espectáculo de danza: "Tango de burdel, salón y calle".
Espectáculo unipersonal dramático: "Rose".
Comedia dramática: "Baraka".
Drama: "El hijo mayor".
Revista: "Fantástica".
Varieté: "El ángel y el demonio del espectáculo".
Music hall: "El pueblo quiere gozar".
Dirección: Javier Daulte, "Baraka".

Revelación femenina: Paula Kohan, "Baraka".
Revelación masculina: Gustavo Pardi, "Sacco y Vanzetti".
Actuación femenina de reparto: Graciela Tenembaum, "Valientes".
Actuación masculina de reparto: Nicolás Vázquez, "Rumores".
Mejor labor cómica femenina: Gladys Florimonte, "Primera dama se busca".
Mejor labor cómica masculina: Jorge Corona, "El pueblo quiere gozar".
Actuación protagónica femenina: Beatriz Spelzini, "Rose".
Actuación protagónica masculina: Jorge Marrale, "Baraka".
Comedia: "Más respeto que soy tu madre".
Actuación protagónica femenina de comedia: Lucía Galán, "Pimpinela, la familia".
Actuación protagónica masculina de comedia: Antonio Gasalla, "Más respeto que soy tu madre".

Fuente: La Nación

Premios Carlos 2010: Gerardo Sofovich, de Oro

GANADORES. Gran parte de los premiados de la noche.

Ganó el Premio Carlos de Oro, entregado anoche en Villa Carlos Paz. Anoche, en Mar del Plata, Gasalla ganó el Estrella de Mar de Oro. Conocé a todos los premiados.

Redacción VOS. Carlos Paz, Córdoba.-

El empresario y productor artístico Gerardo Sofovich se llevó anoche el premio Carlos de Oro 2010, por su revista Gracias a la Villa y como un reconocimiento a su trayectoria, ya que en junio cumplirá 50 años con el espectáculo.

A la misma hora, en Mar del Plata, Antonio Gasalla ganaba el premio Estrella de Mar de Oro.

La ceremonia en la villa serrana, que todos los años realiza el municipio de Carlos Paz, se realizó anoche en los Jardines Municipales de esa ciudad.

Ante más de 10 mil personas los artistas ingresaron al escenario a través de una alfombra roja, recibiendo el afecto del público.

"Esta es una de nuestras mejores temporadas, agradezco a toda las compañías que esta noche están presentes", expresó Carlos Felpeto, intendente de Carlos Paz.

Cerca de la medianoche comenzó la entrega de galardones a los diferentes rubros, evaluados por el jurado integrado por Liliana Carreño (coreógrafa), Giulia Petrucci (escenógrafa), Carlos Marlé (director y actor) y Héctor Carranza (Secretario de Relaciones Institucionales del Municipio).

Los Premios Carlos fueron creados por el periodista Ramón Yardá y luego institucionalizados por el municipio serrano.

Todos los premiados

1) Mejor espectáculo infantil: Margarito Tereré y El Mago de Oz (compartido)

2) Sonorización de espectáculo: Carnaval de Estrellas

3) Diseño lumínico: Gracias a la Villa

4) Mejor Cuerpo de Baile en Espectáculo Humorístico: Bajo sin tintos

5) Mejor imitador: Fredy Villarreal

6) Mejor Show Humorístico: O juremos con Pailos Reír

7) Mejor humorista: El Negro Álvarez

8) Mejor show humorístico-musical: QV4 en 3D

9) Mejor diseño de vestuario de comedia: Livin la viuda loca

10) Mejor diseño escenográfico de comedia: Livin la viuda loca

11) Mejor director de comedia: Atilio Veronelli

12) Carlos Revelación en comedia: Dallys Ferreira

13) Mejor actuación femenina de reparto en comedia: Mariana de Melo

14) Mejor actuación masculina de reparto en comedia: René Bertrand

15) Mejor actuación protagónica femenina en comedia dramática: Marta González

16) Mejor actuación protagónica femenina en comedia: Florencia de la V

17) Mejor actuación protagónica masculina en comedia: Emilio Disi

18) Mejor comedia dramática: Nosotras que nos queremos tanto

19) Mejor comedia: Livin la viuda loca

20) Artista revelación en revista o music hall: Fátima Florez

21) Mejor diseño de vestuario en revista o music hall: Manuel González

22) Mejor diseño escenográfico en revista o music hall: Daniel Feijoo

23) Mejor performance humorística en revista o music hall: Mariano Iudica

24) Mejor cuerpo de baile en revista o music hall: Gracias a la Villa

25) Mejor atracción especial en revista o music hall: Los fantásticos Winters

26) Carlos a la mejor performance artística en canto, en revista o music hall: Valeria Lynch

27) Mejor bailarín solista en revista o music hall: Pier Fritze

28) Mejor performance escénica en baile: Ximena Capristo

29) Mejor vedette en revista o music hall: Valeria Archimó

30) Mejor espectáculo de revista o music hall: Gracias a la villa

31) Carlos de Oro: Gerardo Sofovich

Carlos especial del jurado: "En reconocimiento a sus 20 años de trayectoria" Piñón Fijo

Reconocimiento del jurado: "por la aplicación y el uso de las nuevas tendencias tecnológicas" Daniel Comba (Carnaval de Estrellas) y a Javier Staricco (QV4 en 3D)

Distinción artística especial: Vanina Escudero

Fuente: La Voz

El transgresor más solicitado del teatro

Atreverse. Como actor, director y autor, Muscari se multiplicará en la cartelera.

José María Muscari prepara el anatomista y actuará en una obra de David Mamet

El dramaturgo, director y actor José María Muscari sigue abriendo puertas. Después del éxito de Escoria, el año pasado en el Teatro del Pueblo, donde les dio lugar a artistas un tanto olvidados, como Noemí Alan, Julieta Magaña y Osvaldo Guidi, en este momento continúa en cartel su obra Fuego entre mujeres, la remake de su anterior Piel de chancho, con Irma Roy, Mónica Salvador y Dalma Maradona en el Petit Tabaris (Corrientes 829).

Pero ya en estos días, de vuelta de sus vacaciones, comenzará los ensayos de El anatomista, la adaptación de la novela de Federico Andahazi realizada por Luciano Cazaux (El día que Nietzsche lloró), que en abril estrenará en el teatro Regina (Santa Fe 1235), con un elenco encabezado por Alejandro Awada, Antonio Grimau, Sofía Gala Castiglione, Walter Quiroz, Romina Ricci y Alejandra Rubio. Aunque no es lo usual en el creador de Cash, Pornografía emocional, Fetiche y Auténtico, entre tantas otras piezas, que dirija obras ajenas, aceptó y se involucró con la propuesta que le llevó Cazaux. Y hasta tal punto, que convenció al músico Gustavo Santaolalla, ganador de dos Oscar a la mejor banda de sonido por las que compuso para las películas Secreto en la montaña (Ang Lee, 2005) y Babel (Alejandro González Iñarritu, 2006), para que musicalice esta historia acerca de un anatomista del Renacimiento, Mateo Colón, que enamorado de una prostituta veneciana, Mona Sofía, emprende la búsqueda de algún tipo de pócima que le permita conseguir su amor.

Pero eso no es todo. Además, el incansable Muscari está escribiendo una nueva obra, Facebuk (así, con “u”), sobre las relaciones personales surgidas a través de la red social más famosa del planeta. La idea sería presentar la obra todos los días y con elencos rotativos.

Por último, al menos por ahora, sería parte del elenco de Speed the Plow, de David Mamet. Aunque el proyecto está muy verde todavía, desde la producción del empresario Javier Faroni aseguran que está en carpeta para este año.

Muscari, entonces, acompañaría sobre el escenario a Mónica Ayos y Gerardo Romano, a quienes conoce muy bien porque los dirigió en En la cama. Como director, se habla para este proyecto de Marcelo Cosentino, quien tiene experiencia en Mamet ya que estuvo a cargo de la puesta de Codicia, en el Liceo, en 2007, con Facundo Arana. En cuanto a Speed the Plow, fue estrenada en 1988 en Broadway, con un elenco integrado nada menos que por Madonna, Joe Mantegna y Ron Silver. También se puso en Londres, donde fue protagonizada por Kevin Spacey y Jeff Goldblum, en 2008.

No sería la primera vez que Muscari trabaja “sólo” como actor: en Crudo, por ejemplo, fue el autor e intérprete (dirigió Mariela Asensio) pero en Ciudad como botín, del alemán René Pollesch, fue dirigido por Luciano Cáceres, en 2008. Con el título de “transgresor” casi como estrategia de marketing, a estas alturas, con Muscari, no hay sorpresas.

Fuente: Crítica

Memoria para una conciencia activa

TEATRO › SUSANA TORRES MOLINA ESTRENO ESA EXTRAÑA FORMA DE PASION

Los años ’70 y los riesgos de la militancia política marcan el pulso de la inquietante pieza que la dramaturga y directora acaba de montar en El Camarín de las Musas.

Por Cecilia Hopkins
Imagen: Carolina Camps

Difícilmente encasillable, la obra de Susana Torres Molina ha ido cambiando de temas y estéticas a lo largo de los años. Dos ejemplos de obras suyas de los ’80, dirigidas por ella misma, son Espiral de fuego (con el inolvidable Danilo Devizia, sobre el mundo masculino) y Amantísima, acerca del vínculo entre madres e hijas, obra enrolada en la corriente del teatro de imagen que comenzaba a imponerse en el momento de su estreno. No sin razón, la misma autora afirma hoy que “quien las haya visto no las olvidará nunca”. En los últimos años dio a conocer piezas como Ella y Derrame, ambas construidas en torno de conflictos de pareja, y Manifiesto vs. manifiesto, obra que busca ahondar la relación entre arte y cuerpo. Ahora, los años ’70, con los riesgos que supuso por entonces la militancia política, es el tema central de la obra que acaba de subir a escena en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960), bajo su propia dirección. Armada a partir de una estructura fragmentaria, Esa extraña forma de pasión muestra diversas situaciones que se entremezclan para referirse, en forma velada, a la vida en los campos de detención, la relación entre represores y detenidos, los hijos de los desaparecidos y los sobrevivientes, sospechados de traición. La puesta, según su directora, “guarda similitudes con el montaje audiovisual”. No en vano el cine es una de las cuentas pendientes de Torres Molina, sobre la base de experiencias suyas en ese campo que fueron exitosas, pero nunca reeditadas.

Para Torres Molina, el objetivo final que tuvo en cuenta a la hora del montaje de Esa extraña... fue “presentar escénicamente una serie de estímulos, asociaciones, multiplicaciones de sentido, deslizamientos, que establezcan un recorte de este singular trauma, que aun hoy convive con nosotros de múltiples modos”. En una entrevista con Página/12, la dramaturga y directora cuenta cómo surgió la necesidad de escribir sobre los años ’70: “Siempre parto de cuestiones humanas que no logro aprehender por lo extrañas que me resultan, por quedar fuera de mi comprensión. Luego de generarse en mí ideas e imágenes, busco información y me pongo a investigar”, detalla. Después de leer un artículo periodístico sobre la relación entre represores y detenidas, comenzó a abordar la obra de diversos autores que escribieron sobre los años de militancia, como Miguel Bonasso, Marcelo Larraquy, Pilar Calveiro y Ana Longoni.

–¿Cuál fue su punto de arranque?

–Leí en un diario de Bahía Blanca una nota que hacía referencia a otros tiempos, cuando los represores salían a bailar en Año Nuevo con las mujeres que estaban prisioneras. Así surgió Sunset. Luego escribí Los tilos y Loyola. Primero pensé en hacer con ellos una trilogía; luego me pareció mejor entrelazar los textos y hacer un recorte en función de la perspectiva que quería compartir con el espectador.

–¿Tuvo experiencias de militancia?

–Yo no llegué a militar porque en ese entonces tenía hijos chicos y luego debí exiliarme. Así que a ese tiempo siempre lo pensé como algo que perdí, algo muy intenso que viví desde un lugar lateral. Tal vez haya mucho de idealización en eso. Pero esta obra es un tributo a esa época en la que muchos queríamos cosas parecidas.

–¿Cómo describiría el resultado final?

–Quise armar una obra con múltiples voces, donde no haya ninguna que prevalezca sobre las otras. Hay preguntas y hay contradicciones. Hay dos militantes: uno convencido de lo que hace, otro que quiere abrirse. Hay una escritora sobreviviente de esa época y un hijo de un desaparecido que está dolorido porque su padre no lo eligió y siente que hubo demasiados muertos para la revolución que pensaba realizarse y sus resultados.

–La obra revela muchos aspectos críticos. ¿Cuánto hay de su propio punto de vista?

–El hecho de que haya un personaje, como el de la escritora, que no se arrepiente de lo que hizo, no quiere decir que no haya una autocrítica. Mucho de lo que dicen los personajes es lo que pienso acerca de lo sucedido. Sobre la desprotección de los militantes que accionaban en función de las directivas de los que estaban fuera del país, por ejemplo.

–¿Cree que es un tema que el teatro ha tratado de evitar?

–En la misma obra se dice que los procesos creativos son misteriosos. Hay muchísimas películas sobre los campos de concentración nazis, y aquí ese tema no se toca en teatro, cuando hubo 360 campos de detención en el país. Sentí que debía hablar sobre esto desde la construcción de un entramado de cuestiones, sin hacer una dicotomía entre lo siniestro, por un lado, y la pureza de ideales, por el otro. Esta obra entiende la memoria como conciencia activa: no es que quiera mantener vivo el pasado sino reflexionar acerca de él.

–También habla de los sobrevivientes...

–Me atrapó la idea de hablar sobre la colaboración, de la traición bajo tortura. Creo que nadie es quién para juzgar a los sobrevivientes, quienes siempre padecen una mirada incómoda porque fueron testigos de cosas de las cuales es mejor no enterarse.

–¿Cómo ve al teatro con relación a este momento?

–Del teatro de esta época me interesa su enorme variedad. Cada uno hace el teatro que le interesa. A mí me gusta inquietar, hacer un teatro que incite a reflexionar: no dar respuestas sino invitar a que las personas se emocionen y piensen. Por eso incursiono en temas provocadores, planteando ritmos y situaciones intensas, poco previsibles, cuidando que nada caiga en lo convencional.

–Para muchos, el matrimonio Kirchner encarna esa época de militancia en el país. ¿Cuál es su opinión?

–Tanto Cristina Fernández como Néstor Kirchner tuvieron una militancia y, ya en el poder, lograron grandes avances en lo relacionado con los derechos humanos, lo cual se agradece mucho. Pero no solamente está el tema de los desaparecidos y los represores. Hay que tener en cuenta que también es una cuestión de derechos humanos ocuparse del hambre que padece gran parte de la población. Pienso que el hambre es un crimen. Todos los días tenemos noticias de atropellos, violaciones, situaciones de prostitución e indignidad. No entiendo cómo es que nos dicen que el país está en condiciones de exportar toneladas de alimentos, cuando hay chicos que no tienen lo básico para subsistir.

Fuente: Página 12

Federico Olivera protagoniza la tragedia shakespeariana

El actor, tras su debut con "Hamlet", sigue apostando al teatro y se aleja de la TV

Alejado de la pantalla chica desde 2007, cuando fue uno de los protagonistas de "Mujeres de nadie", el actor Federico Olivera debutó el fin de semana como protagonista de "Hamlet", la tragedia de William Shakespeare, en la que comparte cartel con Patricia Palmer y Héctor Bidonde.

El ex "galancito" de "Son de Diez" encarna al conflictuado príncipe en la versión de la obra que estrenó el sábado, a las 22.15, en el Centro Cultural de la Cooperación (Avenida Corrientes 1543), con dirección de Manuel Iedvani.

Sobre los planteos actorales que encarnan a Hamlet supone, el actor manifestó: "Hamlet es un rol que le propone al actor múltiples niveles. Es mental, físico y emotivo. Permite acceder a sus pensamientos sobre la existencia humana con ironía, cinismo, congoja y humor. También se ve claramente el desarrollo de la acción de la tragedia de una venganza y su gran sufrimiento y decepción por la falsedad de las relaciones entre los hombres".

En relación a la propuesta del director, que marca paralelismos entre la tragedia shakespeariana y la realidad del país, Olivera sostuvo que esto se debe a que la obra contiene "diversos sentidos" y que dispara una cantidad enorme de significados. "Se ponen en juego pensamientos, sensaciones y acciones que afectan con tal profundidad a cada personaje que las analogías con la realidad se presentan constantemente. Entre muchas reflexiones llega a preguntarse qué sentido tiene `ser' un ser humano en este mundo y entonces inevitablemente nos hace pensar en los conflictos de nuestra época".

LEJOS DE LA TV

"La televisión va y viene. Tiene tiempos que no siempre coinciden con los míos pero eso no quiere decir que no volvamos a coincidir", sostuvo el actor y agregó que "el teatro, en muchos casos, dispone de algo que me parece indispensable para el trabajo, y eso es tiempo. Tener tiempo para trabajar es algo que en estos tiempos, en los que no hay tiempo, es muy importante".

Fuente: El Día

Irregular obra de Cibrián Campoy

Errática tercera versión de Las mil y una noches, la comedia musical que se presenta en el teatro El Nacional Foto:Archivo

Se destaca el contrapunto actoral entre Claudia Lapacó y Georgina Frere

Las mil y una noches. Libro, letras, vestuario, iluminación, coreografía y dirección general: Pepe Cibrián Campoy. Intérpretes: Claudia Lapacó, Juan Rodó, Georgina Frere, Laura Piruccio, Diego Duarte Conde, Nicolás Bertolotto, Mauro Murcia, Mercedes Benítez, Eluney Zalazar, Priscila Casagrande, Brian Arévalo, José Luis Bartolilla, Angelina Otero, Andrés Crusafulli, Evangelina Sellán, Ania Bocchetti y Mariano Díaz, entre otros. Música original y dirección musical: Angel Mahler. Escenografía: René Diviú. Diseño de sonido: Osvaldo Mahler. Arreglos y dirección de coros: Carlos Di Palma. En El Nacional. Duración: 150 minutos (con intervalo).
Nuestra opinión: Regular

Las mil y una noches que vuelve a traer a escena la dupla creativa de Pepe Cibrián Campoy y Angel Mahler -luego del estreno de 2001 y la reposición de 2004- pone el ojo en el triángulo amoroso (por decirlo de alguna manera) formado por el sultán Solimán, la esclava Elena y la sultana Feyza. En realidad, es ella quien se opone fieramente al sentimiento que ve nacer entre su adorado hijo y la esclava que salva su vida a fuerza de contarle cuentos hipnotizantes y bellos a este hombre poderoso que parece no tener espacio para la ternura.

Por ahí corre la tensión dramática de esta propuesta, que es más dramática que tensa, salvo cuando quienes ganan el escenario son las dos protagonistas femeninas. Es valioso el trabajo de Claudia Lapacó, que tiene a su cargo el rol de Feyza, quien descubre valiosos matices en su fiero personaje. Lapacó canta, baila y se mueve con una gracia y una soltura envidiables. Lo mismo sucede con Georgina Frere, que le da vida con convicción a su joven esclava. La cosa cambia cuando quien aparece es el sultán Solimán, de Juan Rodó, que no puede salir de la dureza ni de la rudeza de su personaje. Así permanece durante toda la obra y no hay momento romántico o erótico que pueda aflojar la coraza que, seguramente, le marcaron desde la dirección. Sin duda, tiene una gran voz -lo mismo que sus compañeras de escena-, pero si bien se trata de una comedia musical, esto no alcanza para encarnar y hacer creíble un personaje.

Firmeza

Entre un grupo de cantantes y actores bastante heterogéneo se luce Laura Piruccio, que interpreta a la mujer que termina siendo confidente de Elena. Ella es una de las grandes sorpresas de esta puesta. Tiene una voz bella y personal, y una intensa faceta como actriz.

Si hay un problema en este trabajo está en el libro, cosa que se refleja en el planteo dramático y en las letras de las canciones. Cibrián Campoy, como autor de la versión, se para con firmeza en el drama que plantea la pieza (la madre enferma de celos por la aparición de otra mujer en la vida de su hijo) y no sale de ahí, lo que resulta en un transcurrir narrativo algo monótono que no encuentra la fuerza necesaria en las pocas variantes que plantea. (Sorprende mucho que casi no se recurra al humor.) Esto hace que la obra se perciba especialmente larga, sobre todo poco antes de que se marque el intervalo.

En la puesta de Cibrián Campoy, lo que al comienzo se recibe bien, con el paso de los minutos puede llegar a saturar. Pasa, por ejemplo, con la enorme cantidad de bailarines que pone en escena todo el tiempo. Si bien la puesta es sumamente despojada en cuanto a escenografía, todo lo cubren los cuerpos de sus bailarines cantantes. Tienen fuerza y precisión para transmitir sus roles, pero tienen tanta presencia en el escenario que llegan a cansar por sobreabundancia.

En cuanto al plano musical, salvo por el tema de amor que le canta Solimán a Elena, todo lo demás se torna casi un recitativo en el que las canciones, más que canciones, son la obligada narración de los hechos. Pasan todas iguales -salvo la melodía señalada- sin que ninguna quede en la memoria.

Nobleza obliga, el vestuario de los bailarines es sumamente atractivo y está muy bien pensado. En cuanto a las luces, el trabajo del comienzo es impactante, no así hacia el final, en el que la tragedia, ligada a furibundos rojos, se siente demasiado previsible.

Verónica Pagés
Fuente: La Nación

Palabra e imagen poética

TEATRO › INGRID PELICORI ESTRENA TANGOS Y SUSURROS Y REESTRENA ANTIGONAS

En la nueva obra interpreta textos y comparte el escenario con el cantante Mario Solomonoff y el pianista Aníbal Zorrilla. En la que se repone, trabaja junto a Claudia Tomás, bajo la dirección de Leonor Manso.

Por Cecilia Hopkins
Imagen: Pablo Piovano

Un estreno, Tangos y susurros, y un reestreno, Antígonas: ambas cuestiones tiene entre manos Ingrid Pelicori en estos días, en dos tramos de la calle Corrientes: el estreno será al 1900, en La Casona del Teatro; la reposición, en el Centro Cultural de la Cooperación, al 1500 de la avenida. Actriz de dilatada trayectoria, Pelicori también encuentra tiempo y energía para dedicarse a traducir textos dramáticos. Su último trabajo en este campo también es muy reciente: se trata de la versión de Hamlet que dirige Manuel Iedvabni también en el CCC. El contacto con la palabra y la imagen poética es, sin dudas, el nexo que relaciona la experiencia de traducir a Shakespeare con los trabajos actorales que la actriz acaba de subir a escena. Bajo la dirección de Mónica Maffia, en Tangos... Pelicori interpreta textos poéticos compartiendo el pequeño escenario con el cantante Mario Solomonoff y el pianista Aníbal Zorrilla. Por otro lado, con la conducción de Leonor Manso, comienza junto a Claudia Tomás una nueva temporada de Antígonas, obra del poeta, actor y músico Alberto Muñoz, una serie de historias en tono cotidiano que en todos los casos descubren un costado misterioso.

“Siempre tuve un vínculo fuerte con la poesía, ya desde la infancia”, le dice Pelicori a Página/12, antes de subrayar que fue convocada en innumerables oportunidades para presentar libros, que grabó CD de poesía y difundió por radio textos de poetas contemporáneos argentinos, junto a Susana Villalba. “Hoy seguimos haciendo juntas la ‘Antología de aire’ en la página web de la Biblioteca Nacional: me hace bien decir textos, difundir a nuestros nuevos poetas y, como en el caso de Tangos..., ubicarlos junto a los ya consagrados, como Alfonsina, José Pedroni y Oliverio Girondo”, agrega. En cuanto a la traducción, el hecho de ser actriz, de tener un sólido conocimiento del inglés y el francés, más “un pasado de buena alumna en el Colegio Nacional de Buenos Aires”, parecen respaldar su desempeño en una labor que comenzó casi sin darse cuenta, al realizar en 1996 la versión de Decadencia, de Steven Berkoff (obra que protagonizó junto a Horacio Peña, dirigida por Rubén Szuchmacher).

Cuando Pelicori se sumó al proyecto de Tangos..., Maffia y Solomonoff ya tenían casi cerrado el repertorio de tangos y textos que dialogarían entre sí, entre otros, escritos por Ana María Shua, Ana Sebastián, Sandra Russo, Graciel Bucci y Mario Trejo. Por su parte, Pelicori sumó ideas para matizar la historia de amor que cuentan ambos intérpretes. “Los textos hablan del enamoramiento, pero también del engaño y la decepción, por lo cual se puede decir que hay diferentes posicionamientos luego de la ruptura”, explica. “El extrañar, el sentir nostalgia o despecho son expresiones que aportan diversos colores en el decir. Y, por su parte, el tango acompaña con sus temas: el amor, la añoranza y el abandono”, afirma.

–¿Cómo funciona la expresión poética en Antígonas?

–En esa obra lo poético y lo emocional parten desde un lugar de mucha intimidad. Y siempre implican una apertura hacia lo misterioso. Trabajamos con lo femenino arquetípico, no con lo mujeril. Con humor y mucha sutiliza abordamos el tema del amor y lo sagrado aunque no en términos religiosos.

–¿Cuál es la relación de estos personajes –una cosmetóloga, una aspirante a cantante, una kinesióloga– con la Antígona de la tragedia de Eurípides?

–Antígona responde a una ley más antigua que la ley que fijan luego los hombres. Leonor (Manso) entiende que este tiempo es el que corresponde al de la llamada civilización de la Diosa, anterior a las leyes patriarcales que impusieron los varones. Esto tiene que ver con un mundo mágico e intuitivo que se relaciona con la luna y la noche, el nacimiento y la muerte, y todo aquello que escapa a la racionalidad. Estos personajes no tienen una relación directa con aquel personaje, pero sí representan aspectos de ese mundo intuitivo.

–Suele trabajar en paralelo en varios proyectos. Una vez estrenados, ¿siempre tiene ganas de hacer la función?

–En eso soy muy dura y me enojo si oigo a alguien decir que no tiene ganas de hacer una función. Es parte del trabajo del actor tener ganas de hacerla. Si no, nunca va a tener la capacidad de mostrarse pleno.

–¿Nunca pensó en dirigir?

–Cada tanto me traen algo para dirigir, pero todavía no tengo necesidad de estar en ese rol. Ser director implica un salto al vacío, una arbitrariedad fundacional necesaria para decirles a todos “vamos por aquí”. Yo no tengo ese impulso. Ahora, cuando un director encuentra una cierta lógica para una obra, a mí me interesa hacer aportes o discutir esa lógica.

–¿Qué objetivos se puso al comenzar a traducir Hamlet?

–Como en otros textos que traduje anteriormente, busqué un lenguaje que no suene artificioso, porque sé que eso conspira en contra de la actuación. Evité el voseo y busqué una musicalidad particular. Es un trabajo arduo, de comunicación con el autor, como de medium. Se parece, si se quiere, al del actor, que debe hacer suyas palabras ajenas, respetándolas.

–Le interesan más los textos complejos...

–Me dan más trabajo, pero me gustan más que los textos cotidianos, a los que no hay que encontrarles un lenguaje equivalente. Traducir es como aprender a bailar la danza de otro.

–La traducción implica una recepción activa. ¿En qué medida el teatro retrata a su tiempo?

–El teatro necesita una cierta distancia para ser testimonio de un momento.

–¿Cómo es como espectadora? ¿Le gusta lo que ve?

–El teatro que veo es interesante, pero siento que, en muchos casos, está muy presente esa idea de la crisis de los relatos. Me parece que hay un regodeo en aceptar cierta falta de complejidad o profundidad tan presente en los grandes textos. Pero siempre lamento la falta de apoyo oficial. Y claro, pensarán: “¿Para qué poner plata en algo que se va a hacer de todas maneras?” Y, sí, en esta ciudad, el teatro sigue haciéndose a pesar de los políticos.

Fuente: Página 12

La vida en un escenario

COMPLEJO EL TEMA EDÍPICO ES CLAVE EN LA OBRA QUE SE PRESENTA LOS VIERNES.ROBERTO RUIZ

Entrevista Enrique Papatino Habla de "Amalfi", la obra que escribió y dirige.

Por: Juan José Santillán

Enrique Papatino bromea para explicar que su última obra, Amalfi, está atravesada por una fuerte presencia del complejo de Edipo. "Si me agarra un analista -dice- mi complejo de Edipo esta completamente claro: mi madre falleció cuando tenía 12 años y hay una proyección de eso en la obra. Existe un conflicto de dos hombres que desean a una misma mujer y termina en que ninguno la seduce. Los hombres se congelan en el conflicto y ella pasa a ser una figura intocable."

Esta obra cuenta con los actores de la compañía Cauem Canem, integrado por Jorge Albella, Eduardo Leyrado y Mariel Rosciano. "El nombre viene del latín Cuidado con el perro", explica Papatino acerca del nombre del grupo. Amalfi fue escrita a fines de 2005 y ganó dos concursos de dramaturgia, uno del Instituto Nacional de Teatro; y el otro del GETEA. "Al principio no quise dirigir -continúa- Pero durante un ensayo con la compañía de El Paso de Santa Isabel, nuestro anterior trabajo, vi claramente la nueva obra interpretada por ellos. "

En tus espectáculos anteriores, como "Lovely Revolution", trabajaste con materiales del pasado.¿Qué particularidad tiene tu abordaje de la historia?

Hay una zona que abordé como "teatro histórico" con tres títulos: En París con aguacero, De sobornar al olvido y Lovely Revolution. Estas obras hablan de un modo muy indirecto de San Martín, de Castelli y de Moreno. El cuarto personaje que estoy desarrollando es el de Belgrano, quien me atrae mucho porque me plantea la posibilidad de contar la historia de una posible Argentina.

¿Por qué en "Amalfi" tomaste distancia de esa zona?

Fue una etapa. Generalmente el resto de las obras no se refieren a cuestiones históricas. Pero Amalfi se comunica con cierta sensación de nostalgia

¿Cómo es tu vínculo con la actuación, la dirección y la escritura? ¿Alguna de estas prácticas prevalece sobre las otras?

Es muy difícil evaluar cuál me apasiona más porque es como elegir entre los hijos. Yo me imagino la vida en un escenario para generar una propuesta expresiva desde mi propio cuerpo. Y eso de algún modo está a la cabeza de las cosas que prefiero. Llegué a la escritura porque en un taller de actuación que brindaba hace años necesitaba producir textos para los alumnos. Empecé con adaptaciones, muy poco respetuosas, de clásicos. Me di cuenta que generaba una textualidad nueva. A la par estudié con Mauricio Kartún y Ricardo Monti. Pero recién en 2004, con Hebenón, me reconocieron como autor de teatro.

¿Cómo fue tu experiencia en el teatro comunitario?

Fue una experiencia de seis años. Comencé grande, a los 34 años. Lo hice sólo como director, ni escribí ni actúe. En un momento comprendí que ya estaba terminado.«

"Amalfi", de la compañía "Cauem Canem" se presenta los viernes, a las 21, en el Teatro del Abasto, Humahuaca 3579. Entrada $ 30.

Fuente: Clarín

Llega al Solís "La paranoia", del argentino Rafael Spregelburd

Expectativas. El espectáculo dará cuatro funciones a partir de este jueves

CARLOS REYES

Montevideo, Uruguay.- Este jueves se presenta en el escenario mayor del Teatro Solís el espectáculo "La paranoia", escrito y dirigido por Rafael Spregelburd. La obra se dará por cuatro funciones seguidas, hasta el domingo, con entradas entre $ 100 y $ 350.

Autor de avanzada, innovador tanto en los temas como en las estructuras de sus obras, el dramaturgo argentino Spregelburd se empezó a difundir en Uruguay en 1996, luego de un montaje realizado por Mariana Percovich en la estación de trenes de Colón. Protagonizada por César Troncoso y Roberto Suárez, Destino de dos cosas o de tres ocurría en el andén de la estación, un lugar cargado de simbología, que potenciaba el significado del texto. Al final de la puesta, los actores se iban caminando por las vías, en una imagen potente, difícil de olvidar.

La obra de este interesante autor, que fue uno de los representantes de la renovación teatral porteña de los años `90, continuó siendo divulgada en Montevideo por medio de una camada de directores preocupados por ofrecer textos novedosos, que habilitaran puestas en escena experimentales. En 2000 María Dodera hizo en el Teatro Antonio Larreta, del Carrasco Lawn Tennis La extravagancia, y cinco años después, Ruben Coletto ofrecía Raspando la cruz desde la sala dos del Teatro Stella. Estos y otros montajes (María Mendive dirigió no hace mucho Acassuso en el Espacio Palermo) permitieron ir conociendo cada vez mejor a un escritor que maneja un vocabulario extenso y preciso, para manifestar situaciones e ideas creativas, con gran audacia tanto en los planteos como en los desenlaces.

La paranoia se ubica en esa dirección. La ficción se ubica un par de milenios hacia adelante, pero curiosamente en una época no tan distinta de la actual. La ropa, los muebles, las costumbres, no han cambiado tanto como se podría pensar, pero el tiempo ya no se mide de igual manera.

Cinco personajes están reunidos en un lugar inexplicable, con una misión común para la ficción aunque extravagante para la vida real: salvar el cosmos. Y lo más increíble es la forma en que deben hacerlo: el ser humano apelará a la paranoia, es decir, a su capacidad para imaginar lo que no ocurre. Esa cualidad específica lo convierte en el héroe de esta aventura.

Las relaciones con inciertas culturas alienígenas (referidas en la obra simplemente como "las inteligencias") han pasado por varios períodos de inestabilidad, y en este momento el tiempo apremia. Las buenas relaciones (y con ellas la supervivencia del planeta) están garantizadas por un simple pacto: las "inteligencias" necesitan a los humanos porque consumen ávida y golosamente un producto que sólo la Tierra parece producir, dentro del vasto cosmos: ficción.

El elenco, integrado por Andrea Garrote, Mónica Raiola, Pablo Seijo, Alberto Suárez y el propio director, se las ingenia para interpretar a los muchos personajes que aparecen en la historia, realizando una performance que fue muy elogiada tanto por sus individualidades como por la armonía del conjunto. También se destaca la producción audiovisual, que funciona de manera complementaria a la ficción teatral.

La Paranoia forma parte de una heptalogía comenzada por Spregelburd años atrás, y está inspirada en un óleo del pintor El Bosco, artista cuya preocupación principal parece haber sido la inclinación del hombre hacia el pecado, en desafío a Dios, entendiendo esto como una consecuencia fatal de la locura humana.

Teatro híbrido, mestizo y polémico, esta pieza rehuye de etiquetas o modas, aspecto que le ha valido numerosos premios. Quizá lo más sencillo sea calificarla simplemente de intensa y delirante. Irá en el Solís desde el jueves al sábado a las 21 horas y el domingo a las 19.30 horas. El espectáculo no es apto para menores de 18 y las entradas están a la venta en el teatro.

Un teatro del lenguaje y de tierras incógnitas

Nacido en Buenos Aires en 1970, Spregelburd se formó en los talleres de dramaturgia de Mauricio Kartun y José Sanchis Sinisterra, y en el estudio de actuación de Ricardo Bartis. Su actividad en el teatro porteño es múltiple, trabajando como actor, director, autor y docente.

Claro exponente de la dramaturgia argentina actual, la cual ha sido definida como "un teatro del lenguaje y de tierras incógnitas". Entre los premios que ha cosechado se encuentran el Tirso de Molina (por La estupidez), el Casa de las Américas de Cuba (por La paranoia). También protagonizó numerosas películas, por las que ha recibido numerosos reconocimientos: La ronda (de Inés Braun), El hombre de al lado (de Duprat y Cohn), Agua y sal (de Alejo Taube), Música en espera (de Hernán Goldfrid), entre otras.

Fundador de la compañía El Patrón Vázquez, sus trabajos se han presentado en numerosos festivales en España, Alemania, Francia, Suecia, Italia, Inglaterra, República Checa, Portugal, Colombia, Brasil, Uruguay, México, Ecuador y Venezuela. Su obra, que incluye ya más de dos docenas de títulos, ha sido traducida al inglés, francés, italiano, alemán, portugués, sueco, eslovaco, checo, polaco, ruso, catalán y neerlandés, y editada en Argentina y varios países de Europa. Además ha traducido texto de Pinter, Steven Berkoff y Sarah Kane, entre otros.

Fuente: El País

Emanuel Amuchástegui, la promesa del ballet argentino

El bailarín, de tan sólo 18 años y oriundo de Córdoba, resultó ganador del prestigioso certamen "Prix de Lausanne", en Suiza. Ex alumno del Teatro Colón y de Julio Bocca, Amuchástegui ya formó parte del ballet estadounidense de Pillow y del American Ballet. Actualmente integra la prestigiosa compañía de Houston.

El joven bailarín cordobés Emanuel Amuchástegui, de 18 años, resultó ganador del prestigioso certamen "Prix de Lausanne", en Suiza.

Amuchástegui, nacido en Río Ceballos, y radicado en Villa Carlos Paz, forma parte de la compañía estadounidense Houston Ballet de Texas, que por primera vez, obtuvo uno de los concursos más prestigiosos y codiciados del mundo de la danza.

Tras la ceremonia de premiación, la directora del Houston Ballet, Shelly Power, destacó los atributos del cordobés y aclaró: "Tiene hermosas piernas y pies, y puede saltar como un loco"; según las informaciones publicadas por el diario estadounidense Houston Chronicle.

La alegría desatada por el triunfo fue única en la familia del joven, que compartió por Facebook la emoción de Emanuel, quien dijo: "Fue una experiencia increíble e inolvidable. Todas las personas que conocí y todo lo que aprendí en esta semana estarán por siempre en mi corazón", reveló hoy El Diario de Carlos Paz.

A medida que Emanuel fue consolidando su carrera y avanzando en el "Prix de Lausanne", la expectativa también creció en la Academia de Danzas de Sandra Racedo, la primera profesora que tuvo el nuevo talento de la danza argentina y el primer argentino en quedarse con el certamen.

A tal punto llegó el trato maternal entre Racedo y Amuchástegui, que la bailarina acompañó a la madre del muchacho, Marcela, mientras ésta seguía -desde su casa en Villa Carlos Paz- la carrera a través de internet.

Tras sus comienzos en la academia carlospacense y demostrar su nivel, Amuchástegui pudo ingresar al Ballet del Teatro Colón y a la Compañía de Julio Bocca, con quien siguió su formación profesional.

En ese momento logró convertirse en el gran protagonista de la pieza "Adiós hermano cruel", una de las últimas obras que Bocca presentó antes de su retiro.

Tiempo después, Emanuel consiguió una beca para formar parte del Festival de Pilow (Estados Unidos), y otra para estudiar en el American Ballet, donde emprendió una carrera que lo llevaría a sumarse al Houston Ballet.

Fuente: Télam, Revista Ñ

Norma Aleandro y Alfredo Alcón, 200 años de teatro argentino

En junio, los actores recibirán los premios especiales María Guerrero Bicentenario en reconocimiento a su extensa trayectoria teatral y como símbolos de la escena argentina.

Los actores argentinos Norma Aleandro y Alfredo Alcón recibirán en junio próximo los premios especiales María Guerrero Bicentenario, en reconocimiento a su extensa y talentosa trayectoria teatral, se informó hoy en el teatro Cervantes.

Creado en 1984 por la Asociación Amigos del Teatro Nacional Cervantes en homenaje a la actriz española que hizo construir este teatro inaugurado en 1921, todos los años se entrega el Premio "María Guerrero", que distingue a las distintas disciplinas de la creación teatral y también a la trayectoria de actores y actrices nacionales.

La presidente de la Asociación, Norma Duek, informó hoy en la conferencia de prensa en que se anunció la temporada 2010 del Cervantes que este año y en sintonía con los 200 años de la Revolución de Mayo se entregará por única vez el premio María Guerrero Bicentenario y que recaerá en los dos más grandes actores de la escena nacional.

Los Premios María Guerrero se entregarán el miércoles 9 de junio en una ceremonia que se realizará en el Teatro Cervantes.

Fuente: Télam, Revista Ñ

Villamil fue nominada para el premio de los actores españoles

La actriz Soledad Villamil por "El Secreto de sus ojos", junto a los españoles Lluís Tosar por "Celda 211" y Penélope Cruz por "Los Abrazos Rotos" son algunos de los artistas candidatos a la XIX edición de los Premios de la Unión de Actores de España en sus diferentes categorías de cine, y Premio Revelación. La gala de entrega de estos galardones se celebrará el próximo 29 de marzo en el Teatro Circo Price.

La información recién difundida por el portal "Escribiendo cine" viene a darle un nuevo envión a la muy alentadora carrera hacia el Oscar que está disputando "El secreto de sus ojos", la co producción con España, éxito de taquilla y crítica aquí y en Madrid. Su realizador, Juan José Campanella, que se encuentra rodando en Hollywood un capítulo de la celebrada "House", va saboreando en cámara lenta esta nominación que pone a su película a las puertas del premio más importante de la industria del cine, un galardón que, de alcanzarse, le abrirá al filme y sus hacedores un inmejorable horizonte.

Soledad Villamil es, en "El secreto de sus ojos", la Dra. Irene, la que por más que insiste que ella sólo mira adelante, porque "el pasado no es mi jurisdicción", al final deberá admitir que hay "causas que no se cierran nunca", sobre todo las que se dejan archivadas en el corazón. Actriz sobria, mujer de una belleza serena y clásica, Villamil cumple en este filme otra tarea consagratoria, dándole intensidad emocional y aliento romántico a una profesional que en esos años terribles se negaba a ver lo que estaba ocurriendo. Ella deberé debatirse entre sus deseos y sus conveniencias, aunque al final comprenderá que aquello de "más vale tarde que nunca", también vale para las asignaturas pendientes que va dejando el amor.

Soledad Villamil comparte la terna de este interesante premio con Penélope Cruz, por "Los abrazos rotos" y con Lola Dueñas por "Yo también".

Fuente: El Día

Sonidos de escenario y electrónica compartida

Experimental. Apadrinado por Santaolalla, Vainer se juntó con Gaby Kerpel y Daniel Martín para crear un disco diferente.

Diego Vainer, el compositor favorito de los teatreros

Su música suena en la obra Corazón idiota y antes en puestas de Julio Chávez, Vivi Tellas o Agustín Alezzo. Además, mantiene su proyecto continuo, lanza un disco producido por Santaolalla y se presentará en marzo en el Centro Konex.

Fernanda Nicolin

Diego Vainer se dedica a la electrónica desde hace más de dos décadas con un proyecto continuo al que llama “Fantasías animadas”. Pero esta travesía personal, solitaria, en los últimos años se fue cruzando con propuestas esencialmente colectivas: primero como compositor para obras de teatro –se puede escuchar su último trabajo en Corazón idiota– y luego con un disco pensado, diseñado y producido de a tres –junto a Daniel Martín y Diego Kerpel– que se acaba de editar con el nombre de Terraplén con el padrinazgo de Gustavo Santaolalla.

“Son dos cosas que surgieron sin que yo las buscara –cuenta–. Nunca estuvo en mis planes, por ejemplo, trabajar en teatro; es más, no iba nunca al teatro. Hasta que allá por el 98 me llegó una propuesta de los chicos de El Descueve para hacer la música de Todos contentos”.

–¿Ellos te conocían?

–No, me habían venido a ver a una serie de shows que yo estaba dando con Daniel Melero y ahí me dijeron que querían que les hiciera la música. Y a partir de ese momento seguí trabajando con ellos, y me llamaron otros directores, como Vivi Tellas para La casa de Bernarda Alba, Agustín Alezzo para Rose o Julio Chávez para Como quien mata un perro, entre otras obras. Todos con propuestas muy ricas para lo que a mí me interesaba.

–¿Cómo se compone para teatro?

–El procedimiento es siempre diverso porque depende de si la obra es de texto, de improvisaciones, si tiene un código más corporal, si yo entré durante el ensayo o en la etapa de posproducción... Siempre, siempre es distinto. Y se dio que trabajé con todos estos casos. Pero más que de música, hablo de sonidos, porque lo musical, en lo escénico, trasciende la partitura.

–¿La música tiene un peso definitivo en la obra?

–La música es otro conducto narrativo que va a en paralelo y puede solapar, potenciar o pisar la obra. En realidad, todo lo que sea musical y sonoro tiene que ser administrado según la intención de la puesta: si tiende a valorar el texto, el diseño sonoro tiene que estar a las órdenes de ese texto. Me ha pasado de llegar a un ensayo con la música lista y darme cuenta de que no funcionaba porque había demasiados lenguajes superpuestos. Ahí es cuando tengo que hacer un trabajo de empezar a sacar cosas.

–¿Y ahora te gusta el teatro?

–¡Sabés que sí! Igual creo que, más allá de que me guste el teatro o no, desarrollé un pensamiento musical que tiene que ver con lo escénico. Ahora que lo pienso, estuve más veces en una sala teatral que en pruebas de sonido para un concierto.

–Pero también tenés tu otro costado como compositor, con el disco Terraplén. ¿Cómo surgió el proyecto?

–Hace cuatro años me llamó Santaolalla, con quien había trabajado para el primer disco de Bajofondo, y me dijo que quería que me juntara con Gaby Kerpel y Dani Martín porque le parecía que podíamos generar algo interesante. Nos propuso que intercambiáramos música y empezamos a hacerlo: cada uno le mandaba al otro sus temas para que los interviniera. La idea era armar un proyecto que pudiera repensar la música folclórica.

–Hasta ese momento, ¿cuál era tu vínculo con el folclore?

–Hasta ahí era escaso, para mí fue un código muy novedoso, que tampoco me propuse abordar con purismo. Mi forma de aportar no tenía que ver con esa lectura del folclore, sino con el hecho de que, en el momento de diseñar sonidos, iba cortándolos en la parte que aparecían formas folclóricas, y quizá mi vínculo con el folclore tenga que ver con los aspectos rítmicos y en cómo el género incorpora el ruido.

–Algo que está muy conectado con la electrónica, ¿no?

–Sí, son texturas que se generan con elementos que tienen timbres de poca pauta, hay mucho de artesanal en la producción del folclore, como lo hay, a su modo, en la electrónica.

–¿Cómo definirías el disco Terraplén?

–Creo que es el resultado de juntar a tres músicos y compositores que además somos productores –yo trabajé de productor de bandas como El Otro Yo–, que tenemos otro tipo de vínculo con el folclore y con la electrónica. Nunca nos propusimos ser reconocidos entre los folcloristas ni entre los músicos de electrónica. Básicamente porque pensamos, al menos pienso yo, que la electrónica no es un género sino un medio, en este caso para buscar sonidos folclóricos. Me gusta pensarme como un buscador de sonidos más que como un instrumentista de un género. Y éste es un proyecto, además, muy novedoso por la manera de trabajar, porque somos tres, además de los invitados. Y la música electrónica, en general, es muy solitaria.

Fuente: Crítica

La espectacular Beyoncé en Argentina

Magia Negra

Multitalentosa como cantante, bailarina y actriz, tan despampanante que impresiona, la hermosa Beyoncé –28 años, texana– acaba de arrasar en los Grammy merecidamente, tiene un hit que va camino de clásico, el irresistible “Single Girls” (con un video inolvidable) y llega a la Argentina con su gira I Am para demostrar que es real esa combinación suya, casi inverosímil, de carisma, voluptuosidad, disciplina, voluntad de hierro, profesionalismo y uno de los físicos más impactantes del mundo pop.

Por Natali Schejtman

Beyoncé arrasó en la última entrega de los Grammy y muchas cosas cerraron. O al menos algunas, y potentes: la chica que musicalizó el baile aquel de la flamante pareja presidencial Obama, la que todavía se llena de lágrimas hoy cuando recuerda ese momento en forma de mito, la mujer que ya ha lanzado frases como: “Me cansé de ser una pop star. No quiero ser una chica caliente: quiero ser icónica”, confirmó que ésta es su merecida era.

Desde los primeros tiempos de Destiny’s Child se evidenció que algo traían esas mujercitas que, como es ya común, se agarraban del aspecto demoledor que venía de la mano de ser una estrella, además de coquetear con estar fuertes y en bikini. El trío tuvo uno de sus primeros éxitos con “Independent Woman Part 1” (“todas las mujeres que ganen dinero / levanten las manos conmigo”) y también su reverso, “Cater 2 U”, tan exagerada como la primera (“¿qué querés comer? / Dejame alimentarte / dejame prepararte un baño”) y acaso por eso un poquitito menos irónica de lo que habrá querido ser en su concepción. Las jovencitas nenas tocaron, además, un tema femenino dramático en “The Story of Beauty”, en la que hablan de una chica víctima del abuso por parte de su padrastro.

Beyoncé es una artista todo terreno que tiene muchas marcas de su primera banda, pero que está en continua expansión y evolución. Desde el comienzo de su carrera solista, con el discazo Dangerously in Love (2003), mostró que lo suyo era la mezcla de sonidos R&B, soul, pop y hasta algo de reggae, con garra y movimiento sexy. Algunas canciones, de paso, la fueron asentando en un lugar ciertamente panfletario con respecto a temas de amor, aunque su preocupación parece tener que ver más bien con los asuntos de dependencia e independencia, voluntarias y no. Su bien intencionado girl power puede ser a veces chato o demasiado sexandthecitiesco, pero forma parte de algo mucho más grande e hipnótico que lo excede: la propia Beyoncé, una verdadera maga de la música, que va entregando discos llenos de brillo, trama y temperaturas variables.

La última y milagrosa intervención es un disco de despersonalización y confirmación: I am... se llama la primera parte, Sasha Fierce, la segunda, siendo este nombre una especie de alter ego más zarpado, menos golpeado por el amor que en I am y más preocupado por sacudir musicalmente a los oyentes, a los espectadores y a la escena entera. En ambas partes hace explotar su gracia, ritmo y prestancia. “If I Were a Boy”, en la forma de una entregada y virtuosa canción de aires R&B, plantea el mapa hipotético y despechado en el cual la bella Beyoncé es un hombre que apaga su celular y les dice a todos que está roto, así creen que esa noche durmió solo, entre otras mezquindades. El gran hit “Single Ladies”, con un videoclip de antología, ya ocupa un lugar entre las pequeñas maravillas a las que puede someternos el pop. Sobre esta canción y su incitación, dijo Beyoncé hace no mucho para Spinner: “‘Single Ladies’ es una de mis canciones favoritas. Aún no he pasado por ningún club para ver la reacción de las chicas, pero ha llegado a mis oídos que espantan a los hombres. No les importa si hay hombres en la sala, es un momento de mujeres. Están unidas y saben hacia dónde van: ése era mi objetivo, mi sueño. Me encanta hacer algo capaz de generar ese impacto, que suba la autoestima a las mujeres y les recuerde lo mucho que valen, que lleven la cabeza bien alta y no les dé miedo ser sexies y estar seguras de sí mismas”. Sasha Fierce también guiña el ojo en “Ego”, una balada que recoge la tradición de música negra con una modernidad sutil y encantadora; o en “Diva”, donde impone un metapop electrizante, mostrando dinero y nuevas vicisitudes de una relación en la que a ella le interesa meter el hocico, como poder y género.

Por si alguien está pensando en las familiaridades que Beyoncé podría tener con la explosiva Shakira, más allá del constante bamboleo de caderas, ellas decidieron mostrarse hermanadas al menos cuando hicieron juntas la canción “Beautiful Liar” (2006) y su video, en el que, como un postulado cínico y magnético, se las confundía durante buena parte de los planos. Fiel a la tradición de ambas, el tema hablaba de una traición de un hombre que estaba con dos mujeres y de cómo se daban cuenta de que ellas no debían pelear entre sí sino contra él.

Si con Shakira no termina de entenderse, al menos ahora, hasta qué punto quiere ser distinta del resto de las divas del pop (y viendo su video “Loba”, la respuesta pareciera ser hasta ninguno), en Beyoncé puede verse un interés en respetar ciertas convicciones. Ella, por ejemplo, sin ser un referente racial nítido, a lo largo de su carrera ha dado muestras de que el color de su piel le interesa más allá de cómo combina con sus ojos. En 2006 protagonizó una película mediocre pero no poco intensa llamada Dreamgirls, adaptada del musical homónimo que aludía al surgimiento de The Supremes, trío que daría fama a Diana Ross. Beyoncé interpretaba a una cantante negra que junto con sus dos amigas intentaban abrirse paso justo ahí, en un clima de prejuicios, pero también de quiebre cultural parecido al que narra Hairspray.

Además de haber cantado en la celebración de los Obama, Beyoncé es autora de una de las frases más elocuentes que elucubró el estrellato yanqui cuando, después de la efervescencia participativa, el primer presidente negro finalmente llegó al poder: “Ahora, cuando le diga a mi sobrino de cuatro años que puede llegar a ser cualquier cosa que se proponga, sabré que estoy diciendo totalmente la verdad”. Convincente.

Es facilongo y (por eso) tentador comparar la relación Obama-Beyoncé con la de Bush-Britney Spears, quien no sólo saludó con fidelidad las políticas exteriores de su país en el año 2003 (“Hay que apoyar al presidente en cada decisión que tome”, dijo) sino que parece haber abdicado su lugar en el podio del pop casi al mismo tiempo (y de manera tan escandalosa) como el ex mandatario. Pero éstas son suposiciones que poco tienen que ver, en definitiva, con lo que Beyoncé viene a ofrecer: un festival de canciones firmes, hipnóticas y tan espectaculares como ella misma.

Beyoncé actúa el 12 de febrero de 2010 a las 22

en el Hipódromo de San Isidro

Fuente: Página 12

La isla Martín García

Fuente: La Hueya

El próximo 13 de febrero durante una excursión a la isla Martín García se presentará el libro La isla Martín García, más de 500 años de historia rioplatense, de las historiadoras Susana Boragno y Cristina Miravelli.

Respecto de la investigación que se plasma en el libro, las autoras destacaron los “más de cien años” que tardaron uruguayos y argentinos en ponerse de acuerdo sobre los límites del Río de la Plata. Explicaron además que “debido a la sedimentación en una de las puntas de la isla en poco tiempo “vamos a tener una frontera terrestre con Uruguay”.

Los interesados en participar del evento pueden comunicarse telefónicamente al (011) 4641-9751 / 6592.

Fuente: Hoy

Un filme argentino será el único de Latinoamérica en el Festival de Berlín

El filme argentino "Rompecabezas", ópera prima de la realizadora Natalia Smirnoff, será el único representante latinoamericano entre los 26 largometrajes que tomarán parte de la Selección Oficial Competitiva de la 60ta edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, que se realizará del 11 al 20 del corriente.

La cinta argentina, protagonizada por María Onetto, Gabriel Goity, Arturo Goetz y Henny Trailes, que tendrá en Berlín su premiere mundial, competirá por el Oso de Oro en una Selección Oficial en la que habrá filmes de Roman Polanski, Michael Winterbottom y Zhang Yimou, entre otros.

En el filme de Smirnoff, María Onetto compone a una mujer de 50 años que enfrenta la situación en que sus hijos dejan la casa y que simultáneamente descubre un don propio.

"La película habla sobre un momento dramático en la vida de una persona, una encrucijada que la va a poner en una situación que la va a transformar totalmente y en la que no puede hacer nada para impedirlo, y lo hace en clave de comedia dramática", cuenta Smirnoff a Télam, días antes de la premiere mundial de la cinta.

"Ante este nuevo panorama hay varias alternativas: la depresión, más de lo mismo o un gran cambio -relata la realizadora- , y lo que le pasa al personaje es que descubre un talento totalmente desconocido en ella (armar rompecabezas), con el que se obsesiona y que la lleva a explorar un universo absolutamente novedoso".

Smirnoff, que fue asistente de dirección de filmes como "Nacido y criado", "Cama adentro" y "Valentín" y directora de casting de "La ciénaga" y "La mujer sin cabeza", señala que la película narra "el pequeño gran viaje que la protagonista realiza todos los días luego de que descubre su habilidad con los rompecabezas y cómo se va transformando al ser vista y valorada de otra manera".

Vecina de Temperley y madre de una familia de clase media baja del conurbano bonaerense, el personaje del filme es de algún modo descubierta por un especialista en rompecabezas y todos los días viaja desde Temperley a Zona Norte, ocultando a su marido (Goity) y a su familia su nueva pasión ante la desaprobación que generaría por parte del entorno.

"Cuando ella se ve capaz empieza a transformarse y se modifica entonces su relación con la familia y a partir de este hecho la familia empieza también a modificarse", cuenta Smirnoff dando una idea aproximada de algunos de conflictos que se suceden en el filme.

"Digamos que el personaje se descubre a sí mismo a partir de descubrir determinados talentos ocultos y de verse valorada y lo que se produce es un cambio interior que tiene consecuencias sobre el exterior", resume la realizadora.

Filmada en Buenos Aires en marzo de 2009, Smirnoff señala que "Rompecabezas" "es un intento de cine autoral pero con una película ágil que plantea un punto de vista tradicional".

"De algún modo, el juego que invade y toma la vida del personaje -describe- está llevado también a los aspectos formales de la película, que plantea determinados juegos estéticos".

La realizadora abunda al respecto que "al mismo tiempo hay también un juego entre el rompecabezas y la cantidad de piezas que pudiera tener nuestra vida que, acaso, también puede ser un rompecabezas que nunca terminamos de armar".

Luego de su paso por Berlín, donde se verá el próximo 18 de febrero, la película tiene fecha prevista de estreno en la Argentina para el 29 de abril.

Fuente: Télam

Saccomanno ganó un premio literario internacional

Una distinción de 30.000 euros

Su novela El oficinista fue distinguida por la editorial Seix Barral, entre 414 obras inéditas

Silvina Premat
LA NACION

El escritor argentino Guillermo Saccomanno fue distinguido ayer en Barcelona con el premio Biblioteca Breve de Seix Barral, por su novela El oficinista , en la que relata una historia que atrapó al prestigioso jurado, integrado entre otros por Rosa Montero.

El libro fue seleccionado entre 414 textos inéditos y será publicado en España el 23 de este mes.

Saccomanno, que recibirá 30.000 euros por este premio, no pudo estar ayer en la ceremonia de entrega porque se está recuperando de una meningoencefalitis, en un hospital porteño. En su nombre, lo recibió su amigo Rodrigo Fresán, que vive España y quien en esa ceremonia contó que Saccomanno escribió la primera versión de esta novela en un mes y la corrigió durante seis años.

Alegría en la familia

"Este premio es una alegría en medio de lo que estamos pasando; es una de cal y una de arena", dijo ayer a LA NACION Carolina Marcuci, mujer de Saccomanno. Contó que, además de la recuperación del escritor, ayer la familia se alegró porque la entrega del premio coincidió con el cumpleaños de Ornella, la segunda de los cuatro hijos del autor, a quien le dedicó la novela.

La obra cuenta la historia de un oficinista "dispuesto a la humillación con tal de conservar su puesto, hasta que se enamora y se permite soñar con ser otro".

Saccomanno, de 61 años, es el segundo argentino en recibir el Seix Barral. El primero fue Gonzalo Garcés, en 2000, por su novela Los impacientes . Saccomanno, que vive desde hace dos décadas en Villa Gesell, dirige un taller de narrativa y es colaborador del diario Página 12 y autor de una gran cantidad de cómics y guiones de cine y de TV, que fueron publicados en el país, en Italia y España. También escribió otras novelas y cuentos que recibieron diferentes premios.

Instituido en 1958, el premio Biblioteca Breve de Seix Barral fue suspendido en 1972 y relanzado en 1999. En todos estos años, ha acercado al público de habla hispana historias que dejaron su huella como La ciudad y los perros , de Mario Vargas Llosa; Cambio de piel , de Carlos Fuentes; Las afueras , de Luis Goytisolo; En busca de Klingsor , de Jorge Volpi, y El infinito en la palma de la mano , de Gioconda Belli, entre otras.

Fuente: La Nación

El carnaval más artesanal está en Lincoln

En la ciudad bonaerense de Lincoln se lleva a cabo cada año el famoso carnaval artesanal, en el cual se destacan los famosos “Cabezudos” realizados con la técnica de cartapesta y los “Autos Locos”, verdaderas joyas de la mecánica que sorprenden por su ingenio. Sin lugar a dudas, la creatividad puesta de manifiesto hace que este festejo sea distinto a todos. (Fotos: NOVA)

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Fuente: Nova

Reutilizar espacios del horror para el arte

Museo Penitenciario Antonio Ballvé (Humberto I Nº378, al lado de la Iglesia San Pedro González Telmo) San Telmo - Buenos Aires

Brasil inauguró ayer una biblioteca pública en donde por años funcionó la prisión de Carandirú. En Argentina ya se dieron experiencias similares como la cárcel de San Telmo y el Museo de la ESMA.

La libertad está de fiesta. Quizás no exista mejor destino para cuando se clausuran sucursales del horror que convertirlas en sedes de obras realizadas por el espíritu. Reivindicando el arte para reemplazar a los que antes fueron huéspedes de honor entre las rejas de las prisiones: los tormentos y el castigo. Una decisión así se tomó en el carioca país vecino, cuando las autoridades brasileñas inauguraron ayer una biblioteca pública en donde hasta hacía pocos años funcionaba la temible cárcel de Carandirú.

Inaugurada en 1956 y ubicada en una zona densamente poblada de San Pablo, Carandirú tenía una capacidad para cinco mil presos, pero llegó a alojar el doble. En Carandirú fue donde 111 presos fueron asesinados durante una represión en 1992, masacre que fue llevada al cine por el director argentino Héctor Babenco en 2002. También, en febrero de 2001 fue el centro de la mayor rebelión carcelaria en la historia del Brasil, cuando los detenidos de las 29 cárceles del estado de San Pablo se amotinaron en el horario de visitas, tomando a más de 10.000 personas como rehenes. Todo terminó con 20 presos muertos y 80 heridos.

La nueva iniciativa, llamada Biblioteca de Sao Paulo -un edificio modernista de más de cuatro mil metros cuadrados, con más de 30.000 libros- está ubicada en el Parque de la Juventud, en la zona Norte de la ciudad, que albergó hasta 2002 la cárcel más poblada de América latina, con 8.000 detenidos.

“Con mucha alegría vamos a ocupar este lugar de tan triste memoria”, dijo el secretario de Cultura, Joao Sayad, durante la inauguración de la institución que se erigió con fondos del estado paulista y del gobierno federal, y que será punto de entrenamientos para los bibliotecarios brasileños.

La biblioteca -que abrirá oficialmente sus puertas al público hoy- tendrá además de 30.000 libros, 80 computadoras de libre uso, CD’s, DVD’s, diarios y revistas, así como siete Kindle o “libros digitales”.

Experiencias argentinas

En San Telmo, el museo del Servicio Penitenciario funciona donde antes funcionaba la cárcel. El museo abarca siete salas, a lo largo de un pabellón al costado del patio. Desde 1860 funcionaron allí un reformatorio y una cárcel de deudores, pero su historia se remonta todavía más atrás. Los jesuitas habían levantado el edificio para instalar una casa de retiros espirituales. La idea no prosperó, los jesuitas fueron expulsados y el edificio fue usado como hospital y cuartel. Al parecer, su diseño era capaz de adaptarse a los más variados mecanismos de disciplinamiento. En 1890, por ultimo, se instaló la cárcel de mujeres. En el lugar pasaron sus noches, nada menos, que Victoria Ocampo y Norah Borges durante el primer gobierno de Perón.

Hoy en día, el museo que rememora su época carcelaria no cuenta una historia lineal. Más bien ofrece una colección de recuerdos, objetos y curiosidades. Se pueden ver vitrinas dedicadas a las armas de los agentes: granadas de mano, máscaras, revólveres (Smith & Wesson, Colt), carabinas y sables, y hasta una sala con objetos de los presos.

Otro emblema argentino de las torturas acaecidas en la última dictadura militar es la Escuela Mecánica de la Armada. En 2007, el centro clandestino de detención reabrió sus puertas para convertirse en un museo dedicado al ejercicio de la memoria para todos los ciudadanos.
La desocupación del predio, ubicado en el barrio porteño de Núñez, se cumplió en tres etapas desde que el presidente Néstor Kirchner anunció el 24 de marzo de 2004 su decisión de recuperar ese lugar como un espacio que recuerde el accionar del terrorismo de Estado y promueva la defensa de los derechos humanos. En esa fecha, al cumplirse el 28vo aniversario del golpe de Estado de 1976, Kirchner firmó el convenio para ceder el terreno, lo que puso en marcha la relocalización de los institutos de la Armada, que funcionaban allí según un cronograma divido en tres partes.

La última etapa se cumplió el 30 de septiembre de 2007, cuando el predio quedó totalmente desocupado con la reubicación del Liceo Naval Almirante Brown, la Escuela de Guerra Naval, la Biblioteca Central de la Armada, y el Centro de Estudios Estratégicos, los últimos organismos navales que todavía funcionaban allí. Sus puertas se abrieron en octubre, impulsando exposiciones que apunten a configurar una ciudadanía con memoria y reflexión crítica de lo ocurrido en los años de plomo.

Fuente: Hoy

La hija más cool hace su propia historia

Trabajo conjunto. Charlotte Gainsbourg y Beck, dentro y fuera del estudio de grabación. La tapa del disco IRM que se edita por estos días en la Argentina.

IRM, nuevo disco de Charlotte Gainsbourg

Después de un accidente que puso en peligro su vida, la actriz hija de Serge Gainsbourg y Jane Birkin, se encerró en un estudio con Beck para grabar nuevas canciones. El CD llega aquí esta semana.

“Ella es ella. Pero con dulzura, lleva nuestras voces en la cabeza”. Así de cariñoso era el resumen que hace pocos días hizo la mamá, Jane Birkin, de IRM, el nuevo trabajo de Charlotte Gainsbourg, la hija que tuvo con el gran Serge y que esta semana llega a la Argentina. Producido y escrito por Beck, el disco está en camino de repetir el éxito de 5:55, de 2006. Pero ya aparece como una consagración definitiva para una artista que, haciéndola propia, trasciende el peso del legado.

Por eso la frase de Birkin funciona como un aprobado de la madre artista para un examen difícil de su pimpollo de 38 años: despegarse y a la vez consolidarse como heredera del más celebrado autor pop de la segunda mitad del siglo XX francés. En inglés, las siglas IRM significan resonancia magnética. Tres letras que resumen un sacudón en la vida de la actriz cuando, en 2007 y durante unas vacaciones en Estados Unidos, sufrió una caída mientras hacía esquí náutico. Algún tiempo después, y como no cedían los dolores de cabeza, por uno de esos exámenes se descubrió que la actriz había sufrido una hemorragia cerebral y que estaba viva de milagro.

Dice Gainsbourg que la experiencia de la enfermedad fue el disparador para hacer un disco nuevo. Y que emergió de los hospitales con la idea de convocar a su admirado Beck para lograrlo. El resultado tiene la esperada carga introspectiva, arropada en trece canciones –sólo dos en francés– que bailan entre la chanson, el pop y el folk pasando por el indie rock casi deformista (“IRM”) o el tímido, siempre elegante, canto a la alegría de vivir, como en el single “Heaven can wait”, cantado a dúo “El cielo puede esperar y el infierno está demasiado lejos, en algún lugar entre lo que necesito y lo que sé”, canta Gainsbourg. En la caja, una foto de Nick Knight, desde la tapa, la muestra parecidísima a Birkin.

En una entrevista publicada en The New York Times hace pocos días, Gainsbourg habló del tema obligado cada vez que ella vuelve a un estudio de grabación: la herencia de su padre. “Yo sigo mi propio camino. Pero las comparaciones son constantes, y una carga pesada para llevar”. El mismo problema de Julian Lennon, o de Ziggy Marley. Pero con el agregado de su propia leyenda: un escandaloso debut como delicieuse enfant a los 13 años y junto a papá, gimiendo “je t’aime” en la canción “Lemon Incest”, seguido por el álbum Charlotte For Ever, con música de Serge y por un paréntesis de veinte años, hasta la edición del –sí– gainsbourgiano 5:55. Producido por Nige Godrich –Radiohead–, con la participación de Air y de Jarvis Cocker, ese disco fue un exitazo para la crítica y se ubicó, en su país, en el tope de los charts.

“No quería que Beck escribiera canciones por su lado y luego me diera la letra y la melodía para cantar. Quería que se involucrara en el proceso creativo. Así que terminamos haciéndolo todo, desde el boceto y la primera idea, y él siempre avanzó de acuerdo a mis reacciones y a lo que yo tenía para decir –cuenta en su web–. La primera sesión duró cinco días, pero tuvimos que dejarlo durante un largo tiempo porque yo filmaba en Alemania con Lars Von Trier. Nos reencontramos en Los Ángeles y continuamos durante tres semanas”.

En esas sesiones pasaron cosas raras, como la coincidencia de que, en una letra, la del tema “Master’s Hand”, Beck escribió versos sobre agujeros en la cabeza por los que se escapaban los recuerdos sin saber lo mucho que se parecía esa imagen a las de la enfermedad de su compañera, de la que no habían hablado.

La de Lars Von Trier es la película Antichrist, por la que Gainsbourg ganó el premio a la mejor actriz en Cannes 2009, además de unas cuantas polémicas. Un trabajo que se suma a los de los films de Michel Gondry, Todd Haynes o Alejandro González Iñárritu. Casada con el también actor, y director, Yvan Attal, y mientras se prepara para ponerse a las órdenes de Alfonso Cuarón, Gainsbourg se muestra como bastante más que una actriz que canta bajito. “En este disco, quería que mi voz sonara desnuda, muy clara. Tenía en la cabeza a las coristas del disco Gainsbourg Percussions de mi padre: voces abiertas”.

Ahora, uno de los críticos ingleses más prestigiosos, Nick Kent, asegura que, desde los días en que Iggy Pop colaboró con David Bowie, o Lou Reed escribió temas para Nico, no habían coincidido dos artistas en un estudio con resultados tan audaces.

Fuente: Crítica

Un polémico estreno de ópera en Ginebra

El realizador Olivier Py incluyó una escena porno en "Lulú"

Desde el pasado jueves, el ambiente lírico y los medios de Ginebra, Suiza, se han sumado a una polémica disparada por la provocativa puesta de la ópera Lulú, del compositor austríaco Alban Berg (1885-1935).

El realizador francés Oliver Py ambientó una escena del tercer acto de esta ópera en un cine pornográfico, con la proyección de un video con imágenes de alto voltaje erótico mientras suena la Canción del proxeneta de Wedekin. A raíz de esta arriesgada escena, los responsables del Gran Teatro de Ginebra tuvieron que colgar un cartel de advertencia en la entrada a la sala y también un aviso en su sitio web. En el texto se indica claramente que "para traducir las intenciones del compositor y de su inspirador Frank Wedekind, Olivier Py y su equipo han recurrido a imágenes que, si bien son cada vez más frecuentes, siguen siendo raras y poco habituales sobre un escenario lírico y podrían chocar a un espectador no advertido".

Vale recordar que el libreto del último gran opus de Berg está centrado en las escabrosas experiencias de vida de la joven Lulú (en esta puesta de Py encarnada por la soprano Patricia Petibon), su caída en la prostitución y su muerte a manos del temible Jack el Destripador. Con este punto de partida, Py vuelve a explorar en el erotismo para la puesta en escena, tal como había hecho con Thannhauser de Wagner en 2005 y en este mismo escenario. En aquella oportunidad, sus opciones también provocaron la polémica, especialmente con el momento en que aparece en escena un actor pornográfico con una máscara de toro y su pene en erección.

Para los amantes de la ópera, este tipo de transgresiones al canon representan toda una afrenta al aura mística que sostiene a la mejor tradición del género y a las buenas costumbres. Por esta razón, en los debates que se han multiplicado en Internet y en los periódicos de aquel país, el cruce de opiniones no se ha concentrado en los problemas artísticos o estéticos de la puesta, sino en las argumentaciones radicalizadas tanto a favor como en contra de Py. Algo parecido ocurrió en abril del año pasado en nuestro país, cuando la Orchestre des Camps- Élysées presentó en el teatro Solís un programa Berlioz -Sinfonía fantástica y Lelio- con una puesta en escena que incluía escenas eróticas y el desnudo casi total de cinco actrices. Buena parte del público manifestó su sorpresa y desagrado, invocando frases clásicas como "esto qué tiene que ver con Berlioz". La discusión más profunda quedó, sin embargo, otra vez abierta y sin que nadie recogiera el guante y colocara el tema en un terreno más racional y crítico.

Fuente: El País

Kate Moss y Naomi Campbell, desnudas en la revista LOVE

Kristen McMenamy Kate Moss Natalia Vodianova Naomi Campbell Nude Love Magazine

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Kate Moss, Naomi Campbell, Lara Stone o Natalia Vodianova son cuatro de las modelos que aparecieron en el número de la revista Love que salió a la venta el 8 de febrero de 2010.

Kate Moss y Naomi Campbell, dos de las protagonistas del número de LOVE.

Las ocho portadas de la revista 'Love'

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Un lanzamiento espectacular. No se puede calificar de otra manera el despliegue de medios del último número de la revista Love.

Y es que ocho de las mejores modelos del mundo aparecieron desnudas en la portada de la revista LOVE. La publicación apareció con ocho portadas diferentes, una por modelo. En su interior, además, se incluirá un amplísimo reportaje gráfico 40 páginas que lleva la rúbrica del fotográfo Mert Alas.

Estas fueron las modelos elegidas para el espectacular reportaje : Kate Moss, Naomi Campbell, Lara Stone (famosa por su relación con el cómico británico David Walliams, de 'Little Britain', Natalia Vodianova, Amber Valletta, Jeneil Williams, Kristen McMenamy and Daria Werbowy.

Todas las modelos aparecen exactamente en la misma postura. 'Vestidas' con unos zapatos y con dos trazos de Photoshop estratégicamente colocados como única vestimenta, y sujetan una cuerda con sus manos.

El resultado es muy llamativo. Una línea que caracteriza la vida de Love, que ya dio que hablar en el pasado con la rotunda desnudez de Beth Ditto en el número de febrero de 2009.

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Fuente: http://mikitrix.blogspot.com/, http://www.que.es/