Fiesta Nacional del Teatro, La Rioja

Hace más de un año, cuando la Fiesta era sólo un anhelo para los teatreros riojanos, cuando recién se empezaban a bocetar las acciones para llevarla a cabo, nadie, ni el más optimista, imaginaba que todo iba a terminar así.

A fines del año pasado, cuando se iniciaba la cuenta regresiva, el optimismo se apoderó de los organizadores locales y nacionales del evento. Todo marchaba sobre rieles. La debacle política de marzo –con la destitución del gobernador Angel Maza por supuestos casos de corrupción y
la transición en todas las áreas de gobierno- hizo que los nubarrones se cernieran sobre el teatro riojano. La incertidumbre pasó a ser la sensación más potente.

La llegada de una nueva administración institucional –que garantizó los recursos dispuesto originalmente– reimpulsó el sueño y, el 12 de abril, la Fiesta Nacional del Teatro abrió el telón por primera vez en La Rioja. A la distancia de aquellos días, la sorpresa, la alegría y el entusiasmo que despertó la Fiesta quedarán grabados para siempre en el corazón de los miles de riojanos que colmaron las salas durante los once días del festival más federal del país.

Cuando hablamos de sorpresa, nos referimos a un cúmulo de experiencias por las que pasamos los que estuvimos en la organización del evento, tanto los que vivimos en esta provincia como los que llegaron desde distintos puntos del país a dar forma a esta vigésimo segunda edición de la Fiesta. Ni nosotros, los organizadores; ni los teatreros locales; ni la prensa local y sobre todo nacional; ni los propios artistas que llegaron a la ciudad, imaginaron una convocatoria de público tan masiva como la que se dio.

Desde Raúl Brambilla (Director Ejecutivo del INT) o Ana Lía Fuenzalida (representante local de la entidad); hasta los periodistas especializados de todo el país que llegaron a La Rioja coincidieron en destacar la participación del público riojano.

El cálculo que realizara antes del inicio de la Fiesta Miguel Palma (coordinador general) estimaba como un éxito alcanzar los 8.000 espectadores. Es que, habitualmente, estas Fiestas convocan principalmente a los propios participantes y al público consumidor de teatro. Pero los 13.000 espectadores que arrojaron las cifras finales sorprendieron a todos. Más aún si se tiene en cuenta que, de esa cifra, más del 40 por ciento corresponde a público general. Y aquí se puede trazar una estrategia a futuro:

MARCOS JUÁREZ / desde La Rioja

Entre el 12 y el 22 de abril se llevó a cabo en la ciudad de La Rioja la XXII Fiesta Nacional del Teatro cuya organización corrió por cuenta del Instituto Nacional del Teatro y la Agencia Provincial de Cultura del gobierno de La Rioja. Cuarenta y un espectáculos dieron forma a la grilla y en ella se destacaron experiencias de teatro para adultos y niños, títeres y teatro danza.

Un encuentro para emocionarse y para celebrar Fiesta Nacional del Teatro La Rioja 2007 el público necesita este tipo de propuestas, los riojanos quieren teatro, y hacia ese objetivo se deberá apuntar. No solamente los organismos regentes de la actividad teatral o los entes gubernamentales de cultura deberán garantizar este objetivo, sino también los elencos locales, porque cada vez que presenten una obra estarán rindiendo examen ante un público ya calificado.

La calidad y el nivel de las 41 puestas que contuvo esta Fiesta fueron muy parejos, aunque siempre existe un puñado de obras o de elencos que sobresalen. Ingrato sería referirlos aquí, pues el espíritu de la Fiesta es la muestra de teatro, la presentación de obras ganadoras de todo el país.

Sin embargo, pueden inferirse algunas pautas o carriles por los que va transitando el teatro argentino. Hablamos, en primer lugar, del montaje de obras intimistas, para escenarios reducidos, donde el público juega un rol importante. Estéticamente, el grotesco, el absurdo y un descarnado realismo fueron los caminos más elegidos por los directores que llegaron a La Rioja, con altas cuotas de humor, creatividad, riesgo e impacto en sus obras.

Los especialistas destacaron también la dramaturgia argentina (en todas las obras) y el gran porcentaje de piezas propias (creaciones individuales o colectivas de cada elenco). Quedarán ahora todos estos puntos para analizar, para aprender, para aplicar. Pero es momento de celebrar. Celebrar la eficacia de la organización, aprendiendo de lo que dejaron los especialistas nacionales en este tipo de evento y felicitando a los entes provinciales que aprobaron sobradamente el examen: la delegación local del INT y la Agencia de Cultura en su nueva etapa, sin dejar de mencionar el invalorable aporte del área de Cultura del municipio capitalino.

Celebrar la llegada de tantos elencos de todo el país, que llenaron de magia a la ciudad con sus propuestas, y la destacada participación de nuestro representante Cite-Arte, con la obra Kubikiana. Celebrar la decisión del público riojano, que dijo sí a esta muestra, colmando las salas, peleando por lograr una entrada, comentando las obras, disfrutándolas, sufriéndolas,
emocionándose.Y celebrar que, en medio de una crisis que golpea a todos los ámbitos de la vida social, la cultura haya emergido para decir, para pensar, para atrapar.
De arriba hacia abajo:

- Escena de “Madama Butterfly”
- Escena de “Formas de hablar de las madres de los mineros...”
- Escena de “Tricircus”
- Escena de “Hecho a mano”

Fuente: picadero 14

La violencia según Veronese

Ginés G. Millán y Blanca Portillo, en una escena de la obra de Veronese

El autor argentino estrena 'Mujeres soñaron caballos' con elenco español

El autor y director argentino Daniel Veronese se estrena en el CDN con Mujeres soñaron caballos. La obra, que estará en el Teatro Valle-Inclán desde el 12 de abril, es una dura aproximación a la violencia de la sociedad. Con motivo de este estreno, el autor Juan Mayorga escribe para El Cultural sobre el boom que vive en estos momento el teatro argentino.

“Hay un nuevo tipo de violencia en el aire”, dijo, estupefacto, Rudolph Giulani, cuando tuvo ante sí los restos de las Torres Gemelas el 12 de septiembre de 2001. “Hay un nuevo tipo de violencia en el aire”, había escrito en 1997, un joven autor argentino, Daniel Veronese, para que lo dijera un personaje de una de sus obras, sin saber que su frase acabaría siendo desdichadamente profética. Y eso que el dramaturgo, fundador y miembro de una de las principales e imaginativas formaciones de su país, Periférico de Objetos, no albergaba ninguna intención de que esas palabras salieran de la escena, pero sí que le sirvieron para reflejar una violencia que se respiraba en su tierra. Una violencia que había impregnado casi todos los ámbitos y estamentos de una sociedad que mantenía encendidos los rescoldos de la no tan lejana dictadura militar, como puede verse en Mujeres soñaron caballos, un nuevo montaje de la obra que estrenará el 12 de abril en la sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán de Madrid.

El montaje es una producción del Centro Dramático Nacional que dirige el propio Veronese. Para el trabajo, el dramaturgo argentino cuenta con un reparto formado por actores españoles y de su tierra. Blanca Portillo, Susi Pérez, Ginés García Millán, Celso Bugallo y Andrés Guerrero conforman el elenco del lado europeo del Atlántico, mientras que María Figueras es la única representante de la otra orilla del Atlántico. Los seis intérpretes habitan un minúsculo escenario, de tres por tres metros, donde sólo caben una mesa, una banqueta, un sofá de dos plazas y cuatro sillas. En ese espacio intentan convivir tres hermanos con sus parejas femeninas, pero la suma de todos los obstáculos con los que chocan, tanto los humanos como los causados por los muebles, convierten el escenario en un ring en el que diferentes tipos de violencia no permiten celebrar una cena familiar que recuerda -años después- la mujer más joven de los personajes de la obra.

Dureza no gratuita. Veronese no cree que la dureza de la obra sea exagerada o gratuita. Para el creador de Mujeres soñaron caballos, el montaje sólo es “una caja que encierra parte de la violencia que hay en la sociedad”. El autor piensa, es obvio, en su país, en el pozo de desprecio hacia los demás que dejó la dictadura militar que aún perdura a pesar de los años pasados desde su fin. Desde entonces, las vejaciones a las que se enfrenta una persona cualquiera han aumentado considerablemente, empapando todos los ámbitos de Argentina, aunque Veronese cree que la situación trasciende al resto del mundo. Hasta llegar a invadir todas las relaciones humanas, sin limitarse sólo a la que ejerce el poder sobre los gobernados, sino que incluye “la del hombre sobre la mujer y la de la mujer sobre el hombre”. Por eso, la obra se centra en una familia, ya que para el autor “hablar de ella es hablar de la sociedad”.

Mujeres soñaron caballos le permite también a Veronese reflexionar sobre la respuesta de las víctimas de las agresiones, ejercida de manera privada o pública. El dramaturgo argentino cree que “la violencia no cura la violencia”, pero reconoce que siempre le ha llamado sobremanera la atención las“pocas ocasiones en las que las víctimas han devuelto la agresión recibida”, aunque les haya causado y les cause unas heridas que convocan a fantasmas casi imposibles de exorcizar. Hasta que en un momento dado, una circunstancia imprevista arranca un motor muy difícil de frenar y aparece una violencia diferente a la conocida. Entonces todo encaja, todo el mundo descubre lo que permanecía oculto ante sus ojos y cae en la cuenta de la existencia de una herida que ya no aguantaba más sin salir de forma más fea aún a la luz.

La indagación de Veronese en ese mundo supone su debut con el Centro Dramático Nacional. El autor es uno de los principales representantes del vigoroso teatro argentino que ha llenado la escena de su país, especialmente la de Buenos Aires, de productos nuevos, arriesgados y de gran nivel artístico desde hace más de una década. Justo ese tiempo es el que ha pasado desde que el dramaturgo escribiera Mujeres soñaron caballos “con prisa porque tenía que entregar un libro con siete obras”. Esa urgencia le llevó a seguir trabajando con el texto aún después de acabado y ha hecho también que para el nuevo montaje que estrena en Madrid haya introducido una buena dosis de“cirugía” correctora sobre el original. Aunque Veronese no es un director que necesite de excusas para hacer cambios en una obra. El autor argentino es partidario de meter toda la mano que pueda en los textos de otros autores, por lo que no es de extrañar que haga lo mismo con los propios. “Yo me metí a director porque veía que a mis obras que dirigían otros les faltaba algo que convirtiera el bello lenguaje literario en una contundente puesta en escena teatral”, confiesa sentado en la mesa con hule a cuadros del propio espectáculo mientras espera a los actores para un nuevo ensayo. Así que se puso la gorra de director y empezó por estrenar sus propios textos, algo que sólo hace él, aunque luego conceda los permisos necesarios a quien se lo pida y no le importe -“me invitan, pero no voy a verlas”- lo que hagan otros con sus textos ni, menos aún, el proceso que sigan para llevarlas a los escenarios.


Torbellino de emociones. En el caso de la producción del organismo público, Veronese “necesitaba armarla en función de las acciones para que llegue al público por medio del sistema nervioso y no por las emociones”. El autor argentino pretende desencadenar así un torbellino de emociones entre los espectadores que les haga sentir el montaje en vez de limitarse a entenderlo y así pueda pueda llegar hasta lo más profundo de cada uno de ellos. Como ocurrió con anteriores puestas en escena de la obra en Argentina. El director recuerda con agrado determinadas ocasiones en las que, al acabar la representación, hubo personas que le comentaron que lo que acababan de ver era “como lo que pasaba en su familia”. Y es consciente de que en esos casos, el teatro, por medio de su obra, ha sido capaz de ayudar a personas concretas a identificar un problema y ha permitido que les sirviera para “expiar los fantasmas íntimos” que tenían encerrados dentro de lo más profundo tan sólo con la palabra. Aunque eso sí, la palabra llegara arropada con una buena dosis de violencia escénica.

Rafael ESTEBAN

Fuente: elcultural

Un joven apasionado por el teatro y la música

Estaba entusiasmado porque había empezado con los ensayos de una obra de teatro que iba a dirigir en una sala de nuestra ciudad. Además, era un apasionado de la actuación y tomaba clases con distintos profesores para perfeccionarse. También integraba una banda de músicos, donde se encargaba de la percusión.

A pesar de sus múltiples actividades siempre tenía tiempo para estar con sus seres queridos. Francisco Arturo Lissa siempre se mantenía comunicado con sus amigos. Siempre los tenía al tanto de sus proyectos. Por eso a muchos de ellos les llamó la atención que, desde el martes pasado, nadie tuviera noticias de él.

El joven de 23 años, estudiante de cine y teatro, tenía apagado el celular y no estaba en su casa de la calle 47 entre 3 y diagonal 80, donde vivía solo. Su desaparición era un misterio. A algunos se les cruzó por la cabeza que había viajado. Otros incluso llegaron a pensar que podría haber sido víctima de un secuestro. Pero ninguno imaginó cuál había sido el destino del chico, cuyo cadáver fue hallado tirado ayer a la tarde a un costado de la calle 66, en Berisso. Había sido amordazado, maniatado y ahorcado.

Era el único hijo de un conocido farmacéutico de nuestra ciudad, Julio César "Pipo" Lissa, fallecido en el año 2000, ex presidente del Colegio de Farmacéuticos de La Plata y de la Caja de Previsión Social para profesionales de las Ciencias farmacéuticas de la Provincia de Buenos Aires. La madre del joven, Raquel Berthi, es una reconocida psicóloga.

Todos los amigos y allegados con los que EL DIA habló ayer coincidieron en señalar a "Fran" -así lo llamaban- como un "tipo fuera de serie", "un tipo maravilloso", "un flaco genial y culto".

Quienes lo conocían, aseguran que Francisco era un apasionado en todas las cosas que le gustaban: la música, el teatro, el cine. Y que no paraba de asombrar a todos con sus cualidades intelectuales. "Sabía un montón de música clásica. Era un tipo que a los ocho años ya era fanático de Les Luthiers, cuando todos los demás chicos ni siquiera los habíamos escuchado nombrar", contó a este diario una de sus amigas, con quien estudió en la Escuela Anexa.

Viajero incansable, conoció muchos países, y compartió la mayoría de esos paseos con su padre con quien mantenía una estrecha amistad. Por eso, quienes lo conocían, aseguran que para Francisco el fallecimiento de su padre había sido una pérdida que nunca pudo superar.

Ahora repartía su tiempo entre la carrera de Cine en la Universidad local, sus clases y ensayos de teatro y sus actividades con el grupo de música "Lumilagro", donde tocaba instrumentos de percusión.

"Era serio y una persona maravillosa. Las cosas que le gustaban se las tomaba en serio, era muy comprometido. Era un honor conocerlo", dijo uno de sus actuales compañeros de teatro.

Siempre buscaba superarse y perfeccionarse en la actuación. El martes de esta semana había tomado una nueva clase con el reconocido actor Pompeyo Audivert, en capital federal. También fue alumno de Norman Briski.

El año pasado integró el elenco de la obra "Las razones del bosque", que entre septiembre y octubre estuvo en cartel en el teatro La Fabriquera, de calle 2 entre 41 y 42. También había actuado en otras obras de teatro en distintas salas de nuestra ciudad.

Actualmente, estaba trabajando en los ensayos para dirigir la obra "El Robot" de Eduardo "Tato" Pavlovsky que tenía previsto estrenar próximamente en el Teatro "La Hermandad del Princesa", ubicado en diagonal 74 entre 40 y 41.

El último ensayo había sido el sábado por la noche. Esa fue la última vez que lo vieron sus compañeros y amigos de teatro. Después de la intensa jornada de trabajo, todos tienen por costumbre juntarse a cenar en el mismo restaurante. Pero esa noche Francisco se excusó. Dijo que tenía que encontrarse con un amigo que "no veía desde hace tiempo". Nadie podía creer ayer que Francisco ya no va estar más junto a ellos.

Fuente: El Día

Mafalda ya es una adulta: festeja sus 45 años

La hija de Quino de cumpleaños

La enfant terrible que nació en 1962 para ilustrar la campaña publicitaria de una marca de electrodomésticos, está de fiesta. El recuerdo de la niña argentina más inolvidable.

Vaya uno a saber si esta noche invitará a su departamento del barrio porteño de Monserrat a sus amigos del alma, al dubitativo Felipe, al fenicio rockerfellista Manolito, a la combativa Libertad, a Susanita, con todos sus hijitos, al inocente Miguelito y al tierno Guille que seguro brindará con su chupete o n the rocks. O no, porque quizás hoy Mafalda esté trabando en la ONU, evitando con una traducción distorsionada que dos naciones entren en guerra. Porque claro, Mafalda está está tan viva como siempre.

Como sea, hoy a la enfant terrible, que nació el 15 de marzo de 1962, la podríamos imaginar ya un adulta, aunque también quedará en el recuerdo de miles y miles de lectores como esa niña despiadada y adorable que quedó tal cual como su papá, Quino, la dejó en 1973, cuando decidió no dibujar más la tira.

En 1962 Joaquín Lavado, Quino, creó a Mafalda para una campaña publicitaria de la empresa de electrodomésticos Mansfield. Una agencia de publicidad le encargó al dibujante una tira de una típica familia de clase media que debía contar con un personaje cuyo nombre tuviese dos letras de la marca: la "M" y la "A". Quino da el nombre de Mafalda a la niña de esta familia. El proyecto de esta campaña no se llega a realizar a causa del cliente y Quino conserva las pocas tiras realizadas.

Al año siguiente, después de un breve paso por el suplemento de humor de la revista Leoplán , la tira Mafalda se instala en Primera Plana, que le pide a Quino una colaboración fija, satírica pero “innovadora”. Trascurría el año 1964, gobernaba la Argentina el radical Arturo Illia; Los Beatles arrasaban en los rankings musicales; los palestinos fundaban la OLP; se extendía la adhesión de los países americanos al bloqueo estadounidense contra Cuba y la comisión Warner daba a conocer públicamente la versión oficial sobre el asesinato del presidente Kennedy. A la par, se otorgaba al líder negro Martin Luther King el Premio Nobel de la Paz mientras que el filósofo Jean-Paul Sartre rechazaba el suyo de Literatura.

Quino saca Mafalda del baúl, quien comienza a vivir a través del papel. Pasados algunos meses se vuelve una tira cotidiana. En 1968 desembarca en Italia y Europa. Es el inicio de una larga aventura para la pequeña respondona que llegará a ser uno de los personajes mas populares nacidos de la mano de un dibujante.

A pesar de que su autor dejó de dibujarla, Mafalda reaparece siempre fresca y renovada en libros y periódicos. Hace cine y televisión. Viaja en la imaginación colectiva de infinidad de naciones que son muy diferentes entre ellas culturalmente. Y llega a los lugares más insospechados, volviéndose familiar a chicos y chicas que pertenecen a generaciones que no tienen nada que ver con la que vio nacer a Mafalda.

En 1965, la tira se mudó a el diario El Mundo hasta que éste cerró dos años después, cuando la mamá de Mafalda estaba embazarada de Guille. La historieta llegó a Siete Días en 1968, con el bebé ya nacido y la impronta bien ganada de ser un registro minucioso de los tics de la clase media argentina de los años 60. Desde la Guerra de Vietnam y la carrera espacial hasta el movimiento tercermundista y los derechos humanos, el mundo entero se simboliza en un globo terráqueo que la protagonista cuida, igual que a un enfermo: lo acuesta en la cama, lo abriga y hasta intenta mejorarlo con las cremas de belleza de su madre. Con Mafalda la infancia perdió su inocencia, mientras el género de la historieta pasó de lo social a lo psicológico.

Hoy cumple 45, y nos sigue escrutando con su mirada punzante, porque como dijo el escritor Julio Cortázar: “No tiene importancia lo que yo pienso de Mafalda. Lo importante es lo que Maflda piense de mí”.

Fuente: www.quino.com, Perfil

El sexo según Luciano Cáceres

Un pasaje de la obra que se ofrece los jueves en ElKafka

SEX según Mae West , de René Pollesch. Con Ideth Enright, Dolores Ocampo, Cecilia Rainero y Héctor Bordoni. Apuntador: Sergio Aiello. Vestuario: Pepe Uría. Diseño escenotécnico: Agustín Garbellotto. Iluminación: Mariano Rugiero. Cámara en vivo: Garbellotto y Nacho Rodríguez de Anca. Dirección: Luciano Cáceres. Sala: El Kafka (4862-5439).

Nuestra opinión: muy bueno

René Pollesch es una especie de autor maldito de la escena berlinesa. Desde hace años programa el espacio más experimental de la Volksbühne. SEX según Mae West es el primero de sus trabajos que se estrena en estas tierras. En realidad, la obra ya hizo su "precalentamiento" con dos funciones en el Instituto Goethe y ahora se largó a hacer a una temporada formal y cortés. "Mis textos no se comprenden al amparo de las ideas y las concepciones que uno tenga presentes", escribe el autor sobre su producción. Una crítica germana apunta: lo suyo es un "teatro enfático, fanáticamente histérico y teórico; un teatro de los cortocircuitos intelectuales y del exacerbamiento intelectual".

Por ahí va la cosa. Tomemos una página de la versión castellana de SEX según Mae West . La sexta, ya que hoy es el día seis. Ahí se dice: "Yo, de alguna manera, no me puedo observar al vivir tan bien como al comprar. Entonces prefiero comprar sentimientos, y cosas así, o vivencias y cosas así, y entonces veo de alguna manera mejor lo que estoy haciendo. ¡Cuando estoy comprando! Y ésa es, sin duda, una revolucionaria idea comercial".

El texto lo dicen tres mujeres, tres prostitutas, pero podría ser una sola (o, definitivamente, una sola que está desdoblada). Las quince páginas siguientes tienen igual tono. Pollesch es un verborrágico que "vomita" durante una hora y media un texto engorroso, efectista, de fuerte contenido político, abrumador, controvertido, vertiginoso. Un teatro de ideas en el que, al rato de estar escuchando, las palabras pueden transformarse en un ronroneo lejano a cargo de tres desbocadas que no paran de gritar. El resultado es algo parecido a un extraño y atractivo distanciamiento. Claro que cuando el espectador está al borde del mareo, Luciano Cáceres, muy inteligentemente, para la pelota y hace cantar a las actrices: "Parole, parole, parole", aquel tema de Mina. Así quiebra, oxigena, subraya e ilumina el discurso de Pollesch. De alguna manera, lo manda a callar porque está harto de escucharlo.

Cállate que me desesperas

SEX según Mae West , según Luciano Cáceres, es una atractiva experiencia disparadora de sentidos, de imágenes, de conceptos que quedarán flotando en algún lugar del inconsciente esperando su momento para ser digeridos. Pero es más que eso.

SEX según Mae West, según Luciano Cáceres, es un estupendo mecanismo de engranaje en el cual las tres actrices -Edeth Enright, Dolores Ocampo y Cecilia Rainero- son perfectamente funcionales a la idea del director. Pero no están solas. Héctor Bordoni es el único hombre en escena que hará de sí mismo como si fuera el procedimiento de un biodrama (igual mecanismo aparece al comenzar la obra, cuando los intérpretes son entrevistados por Osvaldo Bazán en un video introductorio). Héctor casi no habla, casi no tiene opinión, casi ocupa el papel de las mujeres en las reuniones "dominadas" por los hombres. Hay otro hombre por ahí: un apuntador con pinta (sólo pinta) de sadomasoquista.

Toda la obra, aun las escenas que transcurren en lugares ocultos a la visual del espectador, será captada (con algunas deficiencias en el audio) por los camarógrafos Agustín Garbelloto y Nacho Rodríguez de Anca. Y todo será proyectado en una enorme pantalla que domina el espacio escénico como si fuera otra posibilidad de desdoblamiento.

¿Que se hace largo? Sí, claro. ¿Que hay momentos en que lo que se conceptualiza es demasiado críptico? También: si hasta una de las actrices confiesa no entender lo que acaba de decir aunque se lo haya explicado el mismo Pollesch cuando estuvo en Buenos Aires. Pero de todo eso se hace cargo el montaje. Y ahí es cuando SEX según Luciano Cáceres gana a puro vértigo.

Alejandro Cruz

Fuente: La Nación

Historias adolescentes

22 PARA 15. Efron tiene 22 años pero encarna personajes más jóvenes. En "XXY", de Lucía Puenzo, es la hija, de 15 años, de Darín y Bertuccelli. (M. Genlote)

Surgió en teatro y desde entonces se dedicó al cine. Dos de sus películas se estrenan este año

Laura Gentile

Su cara aún no es conocida pero lo será pronto. Es que su siembra cinematográfica está comenzando a dar frutos. A los 22 años, Inés Efron es como una joyita de actuación fluida y rica, una presencia neta que llama la atención cualquiera sea la trama en la que aparezca.

Fue la inefable y superada Ruth en la película Cara de queso, protagonizó la premiada Glue (Historias adolescentes en medio de la nada) junto a Nahuel Pérez Bizcayart (aún no estrenada comercialmente) y se la podrá ver en mayo en la opera prima de Lucía Puenzo, XXY, interpretando a la hermafrodita, hija de Ricardo Darín y Valeria Bertucelli.

Pariente lejana de Paloma Efron (la mítica periodista Blackie) "creo que es la prima de mi papá", Inés nació en México, donde sus padres se exiliaron durante la última dictadura militar. Volvió a los cuatro meses de edad. Vive en San Martín con sus padres (él mecánico dental, ella "hace sacos").

Inés empezó a estudiar teatro a los 14 porque "no sabía bien qué hacer y además quería tener amigos y en la escuela me costaba mucho integrarme", explica. Ajá. "Bueno —aclara— había etapas en las que me integraba y etapas en las que estaba media sola y me refugiaba en el estudio".

Por entonces tenía amigos por cartas, calcula unos 30 alrededor de todo el país. "¿Viste la Zeta 10, una revista de los 90 que hacía la propaganda Julián Weich?, bueno tenía una página llamada Amigos por cartas".

A los 16 empezó en el taller de Nora Moseinco donde estudió hasta los 20. A los 19 debutó en teatro en una obra de Lola Arias Poses para dormir. Allí hacía de Tao, una soldado de un país post nuclear. "Y a partir de ahí —reconstruye— todas las películas que me salieron es porque me vieron en esa obra".

Lucía Puenzo, en cambio la llamó luego de verla en Glue (película ganadora del BAFICI 2006). "Hicimos una prueba pero yo le daba grande —recuerda—, ella tenía en su mente una chica de 14, hice dos castings más, costó pero quedé y subió la edad del personaje a 15".

¿Fue difícil componer a una hermafrodita? "Sí, me costó —reconoce, aunque no desde un lugar psicológico, sino más bien físico—, tengo una voz muy aguda y tenía que masculinizarla un poco, yo soy más delicada y tenía que ser más rea..."

¿Y la televisión?. "No sé —duda, piensa—, no tengo un deseo fuerte, solo si se da... Pero si lo podría evitar, mejor. No me gustaría tener que ir todos los días a un mismo lugar". Aparentemente el estilo "sé natural" o actuación express no es para ella. Quizás tampoco como espectadora: hace tres meses se quemó su televisor y hasta ahora no lo repusieron. "Es que en el lugar de la tele solo entra una de 14 pulgadas y no se consiguen de ese tamaño", explica.

No lo extrañan, están mejor así: "Cuando mi papá volvía de trabajar —cuenta—, comía y se tiraba a ver tele y se automatizaba. Y ahora llega y tiene ese momento ahí vacío y puede ver lo que realmente le dan ganas de hacer".

Fuente: Clarín

PERROS DE LA CALLE

LA PLATA.- La productora de cine de terror Paura Flics acaba de filmar un video con el nuevo corte de difusión de Estelares: "Un día perfecto", el clip de la banda de rock & pop platense que en una semana comenzará a girar en los principales canales de cable dedicados al género con la intención de promocionar el último disco del grupo, Sistema Nervioso Central.

El video fue filmado en La Plata, dirigido por Adrián García Bogliano, con referencias varias para cinéfilos. Participaron de la filmación los cuatro integrantes de la banda y la actriz local Melisa Fernández, quien interpreta a una femme fatale.

El cantante y compositor Manuel Moretti y García Bogliano discutieron la idea de grabar un video que se convirtiera en una suerte de remake homenaje a "Once a la medianoche", el clásico del rat pack dirigido por Lewis Milestone. Las horas de debate y la aparición de la imagen de Frank Sinatra, que es nombrado en la canción, sumaron nuevas referencias y decidieron hacer una especie de gran homenaje a las películas de robos.

"Hay influencias de A bande apart de Godard, Erase una vez en América de Leone, Simple Men de Hal Hartley, Perros de la calle de Tarantino o Bonnie & Clyde de Arthur Penn, pasando por otras referencias estéticas que surgieron por el camino, como las películas de Russ Meyer o la estética del director McG", describió el director.

Según reconoció García Bogliano, el proyecto resultó en un "un cambio drástico e interesante" para la productora, dedicada al cine de horror y violencia, ya que debía "encontrar la esencia de una canción luminosa", como "Un día perfecto".

"En el video, los cuatro integrantes de Estelares aparecen, como los Perros de la calle, antes y después de un robo que nunca se ve. En paralelo, transcurre una historia de amor, entre Moretti y una femme fatale, interpretada por Melisa Fernández. Nunca queda claro si ella los sigue y se les une después del robo o si es de alguna manera la instigadora. Queríamos que las dos lecturas fueran posibles", contó García Bogliano.

Fernández ya trabajó con el director platense en "36 pasos" - su última película- y en la ópera prima "Habitaciones para turistas", filme que en estos días fue seleccionado para ser proyectado en el Instituto de Artes Contemporáneas (ICA) de Londres, proyecciones que marcarán un antecedente inédito para un filme argentino.

También Estelares ha trabajado ya con García Bogliano. La banda platense grabó con el director un clip con la canción "En la habitación", tercer corte de difusión de Ardimos, su tercer disco, antecesor de Sistema Nervioso Central. El tema, además, forma parte de la banda sonora de la película "Habitaciones para turistas" y es un extra en el DVD que se editará en octubre en Estados Unidos.

"Un día perfecto" demandó dos jornadas de grabación, entre las que se dividieron una escena romántica y el banco, por un lado, y el aguantadero y los exteriores por el otro, con ambientaciones, coreografías, locaciones y planos que remiten a películas de robos, con algunas referencias muy directas y otras para cinéfilos.

Fuente: No publicable

Justo homenaje al teatro popular

ESCENARIO DE TIERRA. La obra en Carlos Tejedor, ante 800 personas.

TEATRO : CRITICA : "JUAN MOREIRA, UNA LEYENDA"
La creatividad de Halac y la seducción de Palomino ayudaron a una muy buena recepción del público.

Los más de 800 espectadores que asistieron el sábado al estreno de Juan Moreira una leyenda argentina, en Carlos Tejedor (localidad de 6.000 habitantes), equivalen a una hipotética función teatral porteña ante 400.000 personas. Claro que Buenos Aires tiene unos 200 espectáculos teatrales por fin de semana y Carlos Tejedor tuvo sólo el mencionado. Sería como si en una misma noche a cada una de esas 200 salas hubiesen concurrido 2.000 personas.

Reducir a cifras un hecho artístico sería una insolencia. Los números apenas reflejan un aspecto menor del acontecimiento, pero no por eso menos asombroso: el que se puede contabilizar. Pero lo que produjo la representación montada por Eva Halac en interacción con la subjetividad del público tejedorense no sólo excede cualquier intento contable sino que entraña significados complejos, en los que incluso el resultado estético forma parte sustantiva pero no excluyente de la totalidad.

Ver a Juan Palomino, al elenco de la provincia de Buenos Aires y a vecinos del pueblo sobre un escenario de tierra y contra el fondo de la antigua estación a la que ya no llega el tren desde los años '90 tiene de por sí un valor reivindicatorio. Este espectáculo, programado para recalar en distintas localidades de la provincia, parece desafiar aquel aislamiento y tender vías a las distintas maneras de entender la realidad.

La creatividad de Halac sumó inspiración y audacia en una representación que no temió la cruza de lenguajes. Palomino aportó seducción y ferocidad a su tocayo Moreira y el elenco de la Comedia de la Provincia estuvo a la altura de una exigencia que, entre otros desafíos, implicó actuar —incluso en escenas de violencia física— sobre piso de tierra, montados a caballo y aceptando con soltura la espontánea irrupción en escena de algún perro callejero. La participación de jinetes y vecinos no-actores de Carlos Tejedor en las escenas de masas o de los pobladores del vecino pueblo de Timote —en las imágenes filmadas que recrean la situación de Moreira en el cepo o la persecución policial— tuvo una doble eficacia. Resultó un aporte de frescura y vigoroso realismo que la dirección administró con destreza. Y generó identificación y deslumbramiento en la platea, que se sintió protagonista.

Incluyendo los desajustes propios de un hecho vivo y una recepción cuyos silencios emocionados, risas y aplausos respondieron a la genuina peculiaridad de los allí reunidos, Juan Moreira... honra al teatro popular. Es de una ambición casi operística por la sintonía de recursos, entre los que destacan las imágenes y los climas aportados por la banda Me darás mil hijos, la cuidada iluminación y hasta la intensidad casi irreal del cielo estrellado y sin luna, abovedando en el mismo abrazo el misterio del mundo y su simulacro. -

Fuente: Clarín

María Alche: "En teatro, todo se puede mezclar"

Foto: alejandrovannelli

Surgió en "La niña santa" en cine, y prepara dos obras: "Los padres terribles" de Cocteau, y otra con textos de Alfredo Zitarrosa.

FORMADA. Estudió, entre otros, con Helena Tritek, Julio Chávez y Pompeyo Audivert. Fue nominada a los Premios Clarín Espectáculos.

Juan José Santillán ESPECIAL PARA CLARIN

María Alche envuelve todo lo que la rodea con un perfume cítrico. Un aroma que se disuelve mientras recuerda un tramo de su vida en un antiguo caserón de Barracas. Allí, vivió sola durante un tiempo. "Fue raro —rememora, entre la nostalgia y lo freak— porque estuve en ese lugar que, según dicen, perteneció a los fundadores de Casa Cuna. Un espacio lleno de leyendas donde, encima, supe al tiempo que uno de los inquilinos, que vivía antes de que yo llegara, se suicidó en una de las habitaciones".

Alche, tuerce levemente el rostro en cada reflexión. Es uno de los gestos que esgrime a modo de comodín. Ahora, vive cerca del bar donde se hace la entrevista, entre Barracas y La Boca. A pocas cuadras de aquel caserón que podría haber salido del mejor Hitchcock. La actriz, que interpretó a los 19 años el personaje de Amalia en La niña santa, de Lucrecia Martel, piensa con lentitud. Habla en un tono lánguido agudizado por la lluvia y un entorno ideal para la siesta.

Cuenta Alche, mientras bebe con módicos sorbos un lungo capuccino, que llegó a ese protagónico mediante un casting. Algo de la mirada, un sesgo extraño y por momentos inclasificable, atrajo a la directora de La ciénaga para convocarla a interpretar una adolescente en plena ebullición mística-hormonal. Vale recordar la secuencia de la película donde el personaje interpretado por Carlos Belloso, es decir, el doctor Jano, se apoya en ella en medio de un tumultuoso grupo de curiosos que se aglutinan frente a un thereming.

La niña santa, fue su primer trabajo en cine. "Después de la película —continúa— decidí que iba a tomarme todo con mucha calma. De golpe, participé en el Festival de Cannes y tuve propuestas para hacer otras cosas. Esa experiencia fue riquísima, trabajar con Urdapilleta, Belloso, Morán; todos actores que me ensañaron mucho. Pero necesitaba respetar mis tiempos".

De modo que se sumergió en el teatro, donde empezó a trabajar a los once años cuando una amiga, que integraba el grupo Catalina Sur, la convocó para realizar un número de trapecio dentro de una obra que se presentaba en el Teatro de la Ribera. "Nunca tuve un planteo demasiado armado para definir mi rumbo como actriz. De chica me gustaba imitar a mis amigos, disfrazarme. Mi mamá fue actriz y algo de ella seguro que tomé." Se formó con Guillermo Angelleli, Raquel Sockolowitz, Helena Tritek, Julio Chávez y Pompeyo Audivert (con quien prepara, actualmente, un espectáculo basado en los recitados de Alfredo Zitarrosa).

El año pasado trabajó en dos espectáculos. La partida de caza, una versión dirigida por Andrés Mangone de la obra de Thomas Bernhard; y en Rodocrosita, una creación colectiva dirigida por el cordobés Paco Giménez. Por estas dos participaciones estuvo ternada como Actriz Revelación en la última edición los premios Clarín Espectáculos.

En Rodocrosita, se desarrollaban muchos elementos biográficos de los actores. "Conté mi vida de chica. Nací y viví muchos años frente a la avenida 9 de Julio. Mi papá es geólogo y el nombre de la obra salió a partir de una de sus experiencias con la rodocrosita, denominada piedra nacional, con la que trabajó en una mina de La Rioja".

Por ahora, María Alche continuará en ese repliegue teatral. Por estos días ensaya Los padres terribles, una pieza de Jean Cocteau que estrenará el 17 de abril en El Cubo, espacio Cultural. En este proyecto también estarán Mirta Busnelli, Luis Machín, Noemi Frenkel y Nahuel Pérez Biscayart. "Pienso que el teatro es un lugar donde todo se puede mezclar. Hay actores y directores que hacen cosas en el circuito comercial, oficial y off. Cada vez hay menos espacios definidos y eso vuelve interesante lo que se produce en teatro. "

Fuente: Clarín

UNAS FICHAS A... Luciano Cáceres: El teatro en la sangre

PRECOZ. A los nueve años, Cáceres comenzó a estudiar teatro. Después armó una sala propia y dormía en la cabina de luces.

Consolidado en el off, donde dirigió a Leonor Manso y tiene su propia sala, será el hijo de Alcón en "La muerte de un viajante".

María Ana Rago

Muchacho de 29 años, nacido en el Bajo Flores y actual vecino de San Telmo. A los 20 años decidió dejar de vivir con sus padres para independizarse, pero en vez de alquilar una casa para vivir, alquiló una casa para convertirla en un teatro: la cabina de luces fue su habitación. Ese es Luciano Cáceres, un joven que ya tiene más de cumplida que de promesa. En él, muchos ponen sus fichas. Leonor Manso lo convocó el año pasado para que la dirigiera en 4.48 PsicosisLa muerte de un viajante —obra de Arthur Miller, que protagonizará Alfredo Alcón, desde el 15 de enero en el Paseo La Plaza—.

Alto, de ojos claros y saltones. Actor, director y con algunas incursiones en la dramaturgia. "Mi viejo fue actor. No se dedicó profesionalmente al teatro, pero tuvo una sala independiente en la calle Rincón, en la que yo hasta viví; en la época de los militares, se la cerraron", repasa Luciano. Su papá se llama Genaro, pero adoptó "Ernesto" como nombre artístico, "por el Che"; trabajaba como empleado municipal para mantener a sus seis hijos.

"Yo quería estudiar teatro y a los 9 años mis papás me llevaron al Sindicato de Farmacéuticos, donde dictaban cursos gratuitos para niños; como nunca le pagaron a la profesora, el curso duró poco... Entonces fui a estudiar con Alejandra Boero", cuenta Luciano. "Estudié diez años con la Boero y participé de la construcción de Andamio 90. Iba a picar paredes, fui boletero, acomodador, actué en las primeras obras que se hicieron en Andamio", sigue este joven que debutó a los 11 años en el circuito off de teatro. "Hice de hijo, de niño del pueblo... Ensayaba hasta la 1 de la madrugada y a la mañana siguiente iba a la escuela".

Se anotó dos veces en Abogacía y tres, en Historia; pero no pasó nunca el CBC. Tenía ganas de estudiar en la universidad, pero los proyectos de teatro lo absorbían. A los 19 "empecé a hacer de todo: teatro físico, circo... las cosas más raras que te puedas imaginar. Y a los 20, puse mi propio teatro: Quintino Espacio Cultural. Y ahí hice mis primeros trabajos como director", dice. Todo, a pulmón. Para mantener la sala y para vivir, repartía volantes y atendía un kiosco. "Un día dije basta a esos laburos. Me cago de hambre, pero voy a tratar de vivir del teatro". Y se animó. Se presentó al casting de Rompiendo códigos, y quedó en el elenco de la obra que dirigió Alejandro Maci, en el Paseo La Plaza, con Arturo Puig, Gabriela Toscano y otros. "Ese fue mi primer trabajo comercial".

Era de los que piensan, con prejuicio, que no es bueno que el actor trabaje en la pantalla chica. "Le tenía fobia a la televisión, todo lo que era tele me parecía que estaba mal", reconoce. Con el tiempo, tuvo que admitir otra cosa. "Entendí que parte de la profesión tiene que ver con el laburo redituable. Es muy lindo hacer teatro, pero también tenés que tener plata para comer", asume. "Mis papás siempre me apoyaron y sabía que en cualquier momento podía ir a su casa e iba a tener para comer"; pero había que empezar a hacerse cargo.

Su primera aparición en la tele fue en Por el nombre de Dios, "donde compartí tres escenas con Alcón", recuerda. Hizo de malo en Amor en custodia; fue novio de Dolores Fonzi en El tiempo no para. Ahora es Ismael Hasan, en Doble venganza. En teatro, actuó, entre otras obras, en Bésame mucho y Nunca estuviste tan adorable, ambas de Javier Daulte. En octubre estuvo en Alemania, becado por el Instituto Goethe. En febrero se estrenará Sex, según Mae West de René Pollesch, bajo su dirección, en ElKafka. Va a actuar en la película Encarnación, de Anahí Berneri, con Silvia Pérez. Y en marzo se estrena Garúa, de Gustavo Corrado, filme en el que es protagonista.

La sala de la calle Quintino Bocayuva cerró. Luciano se asoció con otros para abrir el teatro Del Otro Lado, que luego pasó a llamarse ElKafka (Lambaré 866). "Tengo en el cuerpo la necesidad de crear espacios", confiesa. Vive con su novia, también actriz, Laura López Moyano. Prefiere abstraerse de la realidad y vivir de sus sueños. "Soy bastante fóbico", confiesa. "Me siento más cómodo en el teatro que en la calle".

Fuente: Clarín

Julio Chávez: "La locura del actor es tan obvio"

VARIAS BATALLAS. Al actor le parece natural abrir las puertas de los varios frentes que ofrece el oficio del teatro. Es actor, maestro, dramaturgo y director. Además, en los pocos ratos libres, pinta.

A treinta años A treinta años de su protagónico en "No toquen a la nena", Julio Chávez se atreve a su primer unipersonal: la multipremiada "Yo soy mi propia mujer". La obra cuenta la vida del célebre travesti y coleccionista de antigüedades Charlotte von Mahlsdorf. Lo dirige su primer maestro, Agustín Alezzo.

Treinta años atras, este hombre era Willy, un hippie que en No toquen a la nena de Juan José Jusid decía —un poco borracho y deslenguado— que él tampoco era el padre de la criatura. Ahora, habla en voz baja, en un rincón del Multiteatro, con Agustín Alezzo, uno de sus maestros. Entre una y otra cosa, el joven se ha convertido en un actor de más de cincuenta años que ha tocado todas las cuerdas y que se ha vuelto, él mismo, también maestro. Parece distendido a pesar de lo que se le viene encima: su primer unipersonal, Yo soy mi propia mujer, la vida del célebre travesti y coleccionista de antigüedades Charlote von Mahlsdorf, una obra de Doug Wright que, entre muchos premios, ganó el Tony como Mejor Obra y el Pulitzer como Mejor Drama en el año 2004.

Te has probado como actor, director, dramaturgo, maestro. Ahora viene este unipersonal: tiene su lógica preguntarse por qué tantas cosas...

Es mi ocupación. El teatro es el espacio que he elegido para crecer, desarrollarme, pensar. Este oficio, por suerte, no tiene una sola puerta, ofrece muchas vías de acceso. Y los que estamos ocupados en navegar en este espacio autónomo, creo que tenemos el derecho de utilizar todas las herramientas para contar, traducir la realidad. Por eso, que un actor investigue sobre el espacio escénico, no me parece nada raro; que pretenda averiguar ciertos secretos de la dramaturgia, no puede ser extraño. En mi rol de entrenador, además, debo estar despierto en todas esas cuestiones. Más que peligroso, todo eso me parece un derecho del oficio. El derecho a indagar, a equivocarme.

¿Es lo primero o lo último en que pensás cuando encarás un trabajo?

El temor a la equivocación es inevitable. No se puede aprender y estar siempre bien. Hay espectáculos en que no estás muy bien pero que te ayudan a aprender. Otros en los que te podés lucir y no aprendés nada. Incluso, (se ríe) hay algunos en los que no estás bien y no aprendés nada. No todo depende de uno. Estamos expuestos ante la mirada de los otros: las estrellitas u hombrecitos que aparecen en una crítica. La tensión es inevitable. Me gusta la imagen de Séneca: es imposible expresarse y al mismo tiempo pretender que el otro esté siempre de acuerdo. Mientras tanto, templanza y algún día serás un guerrero.



¿Cómo surgió el proyecto de la vida de Charlote von Mahlsdorf?

Es un material sumamente particular. El personaje real, que murió en el año 2002, era un travesti con características muy diferentes a lo que tenemos en la cabeza. Porque un personaje que se travestiza para parecer una tía abuela de casi ochenta años no es la idea de un travesti que, para nosotros, es alguien que vuelve excesivos los atributos femeninos. Pero además tiene otra particularidad: el autor, Doug Wright, presenta a un sujeto y escribe una obra. Pero sobre todo lo presenta para que el espectador comprenda por qué se enamoró. No es que en el escenario aparezca Charlotte sino que, por un juego de espejos, aparece el personaje que presenta el autor. Un autor enamorado. Y como además cuenta su vida, aparecen —desde Charlotte— las personas que rodearon su existencia.

¿Pero cómo te llega el material?

Buscaba algo para hacer en teatro y me llama Ricky Pashkus, que es como mi hermano, desde Nueva York. "Hay una obra que es para vos", me dice. Lo más gracioso es que Ricky nunca la vio, pasó por el teatro y tuvo un golpe de intuición. Leí el texto y me gustó mucho pero faltaba algo...

¿Qué?

Un conductor paciente sereno, conocedor, con oficio y con espíritu joven al mismo tiempo: apareció entonces el nombre de Agustín Alezzo. Para mí, tiene las características de una persona joven.

¿Cuáles son?

Tiene siempre en la paleta colores nuevos y eso que tiene más de cincuenta años de teatro. Es alguien que sabe resguardarse para que la vida lo toque, lo conmueva. No era fácil. Hacía mucho tiempo que él no dirigía, estaba muy interesado en seguir en su estudio, pero leyó la obra y por suerte estamos trabajando juntos. Lo conozco desde hace más de 30 años. Tenía 16, casi 17 años y era mi primer día en el Conservatorio. Me acuerdo perfecto: Alezzo subió las escalera y yo estaba ahí, sentadito, y me dijo: ¿De qué año es?. "De primero", le dije. ¿Y cuántos años tiene?. "Dieciséis", respondí. El me miró y me dijo: Falta mucho....

Mirando el archivo, parecería desde el medio que el cine te ofreció personajes que aún el teatro te debe...

No es mi experiencia. Lo que sucede es que el teatro tiene otro tipo de repercusión que el cine. El medio nunca me ha limitado, ni restringido, ni menos me ha negado algo que, sentía, me he merecido. Jamás. Al contrario. Intento ser un artista en el interior de un espacio que tiene algo que se llama el medio, pero hay cosas que han sido importantes para mí y que no dependen del medio: mis lecturas, mi posibilidad de pensar. Y no me quejo de nada porque hasta yo mismo me he detenido cuando en ciertos momentos el medio se llenaba de voces: aprovechá, es tu gran gran momento.

Tu primer trabajo unipersonal...

Y vamos a ver cómo sale. En ese sentido, me interesa lo que dice Umberto Eco: hay dos maneras de hacer un safari. Está el de Africa: puede salir el hipopótamo, o puede no salir; podés cruzarte con una tribu o no; podés encontrar el cementerio de elefantes o no encontrarlo. Esa es una posibilidad. La otra es ir a Disneylandia, porque a las doce y cuarto el hipopótamo sale.

Seguís pensando que los locos, más que en el teatro, están en la calle...

No hablo —cuidado— de la locura grave. Pero sigo pensando lo mismo respecto al lugar común de los actores, qué locos. No, en absoluto. Loco es el taxista que se baja del coche y le revienta con un palo el auto al de adelante porque le sacó un pasajero. Una escena extraordinaria, acerca de lo que el hombre es capaz de hacer. Loca es la chica que sale a la calle con una minifalda, tapándose todo el tiempo, enojada porque le dicen cosas. Ese es un suceso extraordinario. Uno piensa: mirá todas las historias que produce el ser humano. Armamos situaciones increíbles, en el que un mantel de mejor calidad lleva a que un café cueste tres pesos más. Por eso, al contrario, el teatro es el lugar para reflexionar acerca del drama del ser humano. Además, la locura del actor es tan obvia, tan ingenua. Es hasta inofensivo. El actor es un ser de lo más normal: es el especialista en observar la escena humana.

Eso transmitís como maestro.

Más que transmitir, acompañar. Siempre pienso, al final de cada año, que si logro que tres alumnos terminen metidos en la pileta del problema, me doy por satisfecho. Si lograste preocupar a alguien, vas bien. Yo les digo a mis alumnos: dejen de mirar desde el borde de la pileta con un Martini en la mano mientras el otro chapucea por un poco de verdad.

Fuente: Clarín

Jessica Rabbit en Playboy

Viernes… día de femme fatales. Y esta vez le toca el turno a una femme fatal “animada”: JESSICA RABBIT… aunque, animada de modo realista. O no, si tomamos en cuenta sus medidas… pero A QUIÉN LE IMPORTA??!… Sé que los visitantes masculinos de 2clicks no quieren perder el tiempo leyendo lo que pueda poner sobre esta diosa de curvas pecaminosas, así que solo dará unos datos:

• Su voz se la puso Kathleen Turner (que no aparece en los créditos de la película, pero sí lo hace luego en los cortos animados que le siguieron).

• Su voz para la canción “Why Don’t You Do Right?” fue interpretada espléndidamente por Amy Irving (quien por aquel entonces fuera la esposa de Steven Spielberg -productor del film-.

• La muchacha de la portada es Laura Richmond (buena foto ¿no?)… Todavía recuerdo cuando vi esa tapa en alguno de los puestos polvorientos del viejo Parque Rivadavia (donde había una feria de revistas usadas). Sí, era pequeño… pero ya sabía cuando una mina estaba buena! (el detalle era que por aquel entonces no sabía PARA QUÉ estaba buena.. ^_^ )

• La portada es de la Playboy de Noviembre de 1988.

• Y la chica de la foto de abajo, se llama Heidi.

Fuente:todopor2clicks.com.ar/

Si somos una familia muy normal

La familia como tema es recurrente en las obras teatrales de los últimos quince años. En este momento coinciden seis en la cartelera de teatro porteña, sin contar las que tienen los conflictos familiares como eje o metáfora de otras temáticas. Claves para entender este fenómeno.

Susana Villalba ESPECIAL PARA CLARIN

Hay de todo, como sucede en la época: ocultamientos varios, padrastros, cuñados amantes, secretos deschavados, paternidad y maternidad ausentes, cruces incestuosos, una deriva por donde despunta algún afecto. En el teatro de estos tiempos, hay algo de cuestionamiento y a la vez de nostalgia respecto de la familia tradicional. Ya desde los '90 la familia es un tema recurrente en teatro: La escala humana (Spregelburd, Daulte y Tantanian), Cachetazo de campo (Federico León), Mujeres soñaron caballos (Daniel Veronese), La escuálida familia (Lola Arias), Zooedipus (El periférico de objetos), Lengua madre (Mariana Oberztern), Trío para madre, hija y piano de cola (Ignacio Apolo), por nombrar sólo algunas. Además de los Biodramas, como Nunca estuviste tan adorable; variantes como La chira (Ana Alvarado) y actualmente El montañés (Guillermo Arengo), cuyas familias son preguntas por los desaparecidos y exiliados; o Los hijos de los hijos (Inés Saavedra) sobre nuestras raíces inmigratorias.


La patria es la familia

Ricardo Bartís irradió la idea de "la anécdota como excusa para generar teatralidad, fuerzas en acción más que personajes". No atarse a un texto es para él como no someterse al discurso establecido sobre la realidad. Aun así, sus obras siempre dejan pensando. En De mal en peor, una familia patricia se endeuda para no perder sus privilegios, entrega una hija y roba la indemnización a una de las maestras traídas por Sarmiento. Adictos, jugadores, golpeadores e incestuosos, los personajes mantienen las tradiciones patrias y las apariencias. Así como antes recreó a Shakespeare, Discépolo y Roberto Arlt, ahora Bartís partió de Florencio Sánchez, "el Strindberg rioplatense", de sus núcleos y procedimientos más que de la letra. "Como él, llevamos los conflictos de clases al seno de una familia y los hacemos estallar en su patetismo", dice. Aunque también aclara que "siendo once actores en un ámbito cerrado, nos convenía una estructura familiar para dar rápidamente anclaje a la improvisación".

Flia es producto de un año de improvisaciones del grupo La Fronda. Su directora, Ana Sánchez, detalla que "no se trataba de representar vínculos y roles sino de tomarlos como punto de partida y llevarlos al límite en que se revelan múltiples, confusos y movibles. Probábamos hasta dónde aguanta un vínculo sin virar a otra forma de relación. Y cada actor pasaba por todos los roles. Lo familiar se fue imponiendo porque es lo más primario y porque acota y da un marco a lo acumulado en ensayos. Además, cuando ya había que definir personajes, se perfilaban mejor dentro de una estructura". El título —Flia— es también por el achicamiento, "ya no hay esos familiones que eran red de contención, en este caso ni siquiera hay madre. A pesar de haber tres mujeres en el grupo, ninguna eligió encarnar una madre —cuenta Sánchez—. Es un signo, es difícil cubrir ese rol porque también se ocupan otros; incluso las abuelas ya no pueden suplirlo".


La hora del replanteo

Para Claudio Tolcachir, director de La omisión de la familia Coleman, "siempre conformamos redes de tipo familiar. Por un lado es necesario pero a la vez nos estereotipa: replantearse los vínculos es replantearse la vida, elegir". La omisión se generó a partir de improvisaciones, con la familia como consigna pero "con el foco puesto en cómo se relaciona cada uno. Empezar a improvisar se parece a la familia en que no se sabe para qué esa gente está ahí junta —dice Tolcachir—. Pedí a los actores que no forzaran conflictos ni situaciones interesantes, en la obra lo único que sucede son esas relaciones. Y es uno de los problemas, que no pasa nada, esta familia no tiene proyecto. También desarrollamos contradicciones, ningún rol es lineal. El hermano más marginal es a la vez el protector, el más loco dice la verdad, la más legal es adúltera". También los actores de Flia definieron los personajes por sus contradicciones, "nadie es un rol solo ni de una sola manera", dicen en grupo.

Santiago Gobernori es dramaturgo además de actor y director y anteriormente montó textos propios; sin embargo tuvo necesidad ahora de partir de improvisaciones, de lo que surgió otra familia disfuncional: Reproches constantes. Un viaje de regreso a la infancia para encontrarse en un país en el que, de adulto, se es extranjero. Pero Gobernori encuentra diferencias con la generación que lo antecede: "las obras de Spregelburd o de Daulte tienen estructuras e hilaciones complejas, una obra mía se va completando y corrigiendo en la siguiente, además intento lograr lo máximo desde una puesta despojada y una situación mínima". En sus obras se repite una pregunta por la paternidad responsable y por el paso del tiempo que se expresa en los cambios de una familia. Gobernori recurre a Chejov para decir que "hay que escribir sobre lo que uno sabe"; y confirma que parte de la búsqueda es sobre el lenguaje teatral, en su caso poner en cuestión los axiomas de la dramaturgia ortodoxa. "Los procedimientos me interesan más que los resultados", dice. En cuanto a no encarar "los grandes temas sociales", la familia es la mínima expresión de la sociedad, la parte por el todo, "Chejov armaba el mundo desde lo que parecía nimio", dice, pero agrega que su generación viene de padres militantes y es reactiva a lo que vivió como padecimiento o imposición. Sánchez coincide en que lo social se deduce, los personajes están impregnados de un entorno, que en Flia tratan de salvar con emprendimientos absurdos y herencias magras. En La omisión...



La parte por el todo

La pregunta por la familia es también por la historia y el futuro. Una tragedia argentina se montó en base a un texto escrito por Daniel Dalmaroni. Es una obra dura, un enchastre de sangre logrado con mecanismos de prestidigitación. "Clavamos un cuchillo y luego pedimos perdón, no nos hacemos cargo de consecuencias irreversibles, individualmente y como sociedad. Me interesa el humor negro y la sátira roja, el gran gignol de esta mezcla de razas pasionales, con pasados aventureros, de rapiñas o exilios —agrega Casavalle—. Es bastante sintomática la pregunta que se hace el público al salir de la sala: ¿cómo van a limpiar tanta sangre?"

En La medida de la normalidad la falta de códigos se suple con Las bases de Alberdi, que una familia repite sin comprender. Graciela Camino dirigió al grupo Denei en improvisaciones que se basaban en vínculos más que en situaciones. Se inspiraron en textos literarios fundacionales que "con una mirada nacional-sanitaria diseñaron una política familiar higiénica como la del Estado". La familia surgió una vez más "porque es el primer lugar de identificación y porque hay edades y vínculos distintos en un ámbito cerrado", dice Camino, y agrega que "la familia es como un patria, un lugar tanto de asilo como de conflicto, con mitos y sobreentendidos que hay que discutir". Coincide con Casavalle en la diferencia entre el país que somos y el que decimos ser y en la violencia para encajar en ese imaginario. En la obra, la mujer es india y sierva o una madre que deja de serlo cuando la gana su erotismo, mientras los varones sacrifican al que no da la talla de la normalidad. por ejemplo se percibe que los Coleman derivan en un naufragio general y circundante. hace evidente la pertenencia a una clase, es una parodia que podríamos llamar Schoklender o García Belsunce, la violencia política y económica, secretos y perversiones familiares que reproducen conductas del poder. "Más que una metáfora —prefiere su director, Alejandro Casavalle— la familia actual es un signo. Siempre armamos clanes, si uno va a Florianópolis, vamos todos; y expulsamos al diferente. Pero no tenemos códigos o los rompemos constantemente".

Fuente: Clarín

Cuando el escenario se vuelve cabaret

TEATRO › JOSE MARIA MUSCARI Y “KAGARET”

La puesta fue realizada junto al grupo La Cochera, que dirige Paco Giménez.

Por Cecilia Hopkins

A partir de su exitosa Shangay, de su participación en la anteúltima Fiesta Nacional del Teatro, el trabajo de José María Muscari se está haciendo conocer en las provincias. Allí, cada vez con mayor frecuencia, actores y directores lo solicitan como docente en talleres de actuación, aunque sea por unas pocas jornadas. El año pasado, en cambio, de Córdoba capital recibió la propuesta de producir un montaje a lo largo de todo 2006. Los intérpretes serían quince actores de La Cochera, el grupo que desde hace dos décadas dirige el inefable Paco Giménez. Como la idea consistió desde el vamos en montar un espectáculo de cabaret –un género que el actor y director cordobés conoce al detalle–, Muscari no debió partir de cero, ya que su anfitrión había comenzado a producir material por las suyas para que contase con una base previa. Kagaret –pulsión por exhibirse–, la obra resultante de esa experiencia de cruce, se presentará en El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034), en doble función este sábado y el domingo 3, a las 21 y 23, el primer día, y a las 19 y 21, el siguiente.

–¿Desde qué ideas concretas se inició el trabajo actoral?

–Paco Giménez convocó a actores de su grupo y les dio pautas concretas de trabajo relacionadas con la idea de entretener, de ser divertidos o de presentar alguna particularidad escénica determinada. Me mostraron casi seis horas de material. Sin embargo, a mí lo que menos me interesó fue la zona del humor o el virtuosismo. El trabajo, en cambio, me despertó un universo muy concreto sobre el patetismo que implica la exposición del actor cuando tiene la necesidad de entretener. Entonces, con el grupo fuimos generando ficciones muy contundentes, pero sin componer personajes. Todos jugaron a exponer las propias debilidades, sus zonas oscuras, perversas, relacionadas con lo sexual.

–¿Por qué se pensó en un cabaret?

–Porque siempre me pareció una zona hostil, donde los cuerpos son expuestos para calentar y entretener. Esa relación que se entabla con un público que mira como un voyeur siempre me resultó muy decadente. Entonces jugué con ese vínculo entre el que muestra y el que mira, profundizando en la pulsión por el exhibirse y en todo tipo de fetichismos escénicos. Así, los actores se convirtieron en iconos del sexo patético. Por otro lado, de entrada, lo musical atravesó los trabajos de los actores. La música siempre forma parte neurálgica de mis puestas.

–¿Cuál es el tratamiento del erotismo que propone el espectáculo?

–Divertido, en primer lugar. Siempre que uno tiene la posibilidad, la decisión y la inteligencia de reírse o de tener una mirada un poco distorsionada de la simple representación de la realidad, el humor aparece casi sin proponérselo. Por otro lado hay una intención deliberada de búsqueda entre sexual, erótica, patética y desfachatada del cuerpo y la desnudez de los actores. Durante una hora se mantiene en vilo al espectador, fluctuando entre la decisión de mostrarle todo y no mostrarle nada, sin recurrir a un relato escénico “convencional”. Lo que buscamos fue generar un instante fugaz, mágico, particular y erótico de encuentro con el espectador.

–¿Qué rasgos estéticos o temáticos acercan su trabajo al de Paco Giménez?

–En primer lugar, tengo por él una admiración que comenzó de adolescente, por haber visto al grupo La Noche en Vela (grupo que dirigió Giménez en Buenos Aires, viajando periódicamente desde Córdoba). Desde entonces descubrí una concepción desacartonada del teatro.

–¿Cómo se puede definir esa idea?

–El hecho escénico puede ser un momento único y festivo a la vez. Y el trabajo actoral puede basarse en la arbitrariedad y en lo metafórico. Se puede indagar en un tema, pero sin la necesidad de relatar una historia. Estéticamente, el trabajo de Paco y de La Cochera siempre tuvo que ver con el desmadre, con lo explosivo, lo expansivo y lo poco “clasificable”. Creo que Kagaret revisita esos lugares y tópicos escénicos, pero con una violencia mayor que la que suele manejar el grupo. No en vano fue la violencia escénica que recorre mis propuestas una de las razones por las que Paco decidió convocarme para generar esta cruza.

Fuente: Página 12

Publicidad Coca Cola filmada en el Estadio Unico de La Plata

De Santo para Coca Cola: "Invasión" la mayoría de los extras son ciudadanos de la ciudad de La Plata y alrededores.

TEATRO : COMIENZA HOY Un paneo del teatro porteño

CRAVE La obra de Sarah Kane se presenta mañana


Se elegirán tres obras para la próxima Fiesta Nacional de Teatro que se desarrollará el año próximo.

Juan José Santillán ESPECIAL PARA CLARIN

Con El aprendiz, una obra de Pablo Shilton, arrancará hoy la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires. Se trata de una función homenaje para familiares y amigos del director fallecido recientemente en un accidente automovilístico.

De esta fiesta —que se extenderá por distintas salas de la capital hasta el 3/12— se elegirán tres obras para representar a la capital en la próxima Fiesta Nacional de Teatro. Además, los mismos trabajos seleccionados integraran la grilla del VI Festival Internacional de Buenos Aires, que comenzará en setiembre del año que viene. La selección estará a cargo de Nelson Castro Alvarado, Beatriz Labatte, Jorge Ricci, Kado Kostzer y Víctor Bruno.

La fiesta es una oportunidad para revisitar el panorama de la actividad teatral porteña de este año. La grilla contempla tres obras por cada día; es decir, quince espectáculos que darán cuenta de las variadas búsquedas de los directores porteños.

Hoy, a las 21 en ElKafka (Lambaré 866), será el turno de 4.48 Psicosis, una obra de Sarah Kane protagonizada por Leonor Manso y dirigida por Luciano Cáceres. Luego, a las 23 en Espacio Callejón (Humahuaca 3759), se verá Kuala Lumpur, de Gustavo Tarrío y el Grupo Sanguíneo.

Mañana, a las 19 en Patio de Actores (Lerma 568), Mariano Moro presentará su unipersonal Quién lo probó lo sabe, basado en textos de Lope de Vega. Mientras que a las 21 en el Estudio La Maravillosa (Medrano 1360) Inés Saavedra y Damián Dreizik están al frente de Los hijos de los hijos. A las 23, en Elkafka, Cristian Drut otra obra de Sarah Kane: Crave.

El viernes se abrirá la jornada a las 19 en el Camarín de las Musas (Mario Bravo 960) con Opera Anoréxica de Andrés Binetti. Luego, a las 21 en el Teatro del Abasto (Humahuaca 3549), habrá función de Un amor Chajarí, de Alfredo Ramos. Mientras que Beatriz Catani y Mariano Pensotti presentarán, a las 22.30 en el Camarín de las Musas, Los muertos.

El sábado, a las 19 en el Teatro Payró (San Martín 966), habrá función de Un mismo árbol verde, dirigida por Manuel Iedvabni. A las 21, en el teatro La Carbonera (Balcarce 998), se verá Todos hablan con dirección de Gabriela Izcovich. Mientras que a las 23, en el C. C. de la Cooperación (Corrientes 1543), Enrique Dacal cerrará la jornada con Procedimientos para inhibir la voluntad de los individuos.

El domingo, a las 18.30 en el C.C. San Martín (Sarmiento 1551) Teresa Duggan realizará Cuatro poemas. A las 20 en Corrientes Azul (Corrientes 5965), Hugo Alvarez dirige una versión de El jardín de los cerezos, de Antón Chéjov. La despedida será con Del otro lado del mar, de Omar Pacheco, a las 23 en La Otra Orilla (Urquiza 124).

Fuente: Clarín

Kagaret de Muscari

Agenda Teatro 2006

Programación de Noviembre Salas de teatro independiente asociadas a ATEPLA ASOCIACIÓN TEATRISTAS DEL PLATA http://www.atepla.org/ / atepla@yahoo.com

Centro Cultural El Núcleo ( calle 6 n°420)

VIERNES 10, 17 Y 24, 21 HS. SÁBADO 18, 21 HS Grupo Barataria presenta "LOMBRICES" (Estreno) de Pablo Albarello Humor negro "Dos "inocentes viejecitas" que harán llorar...(de risa)" Consuelo..........Omar Musa Martirio.........Nicco Vanni Vestuario: Nina Rapp Escenografía: Maxi Panizza Dirección general y puesta en escena: Nina Rapp Entradas $8 y $6. SÁBADOS 4, 11 Y 25, 21 HS. Compañía Hermanos Luro presenta "EL FANTÁSTICO VIAJE DE CARLITO EN LA ISLA SIN MAR" Con Roberto Maroscia, Carmela Rucci y Luciano Valle Escenografía y vestuario: Carolina Vinocur Diseño gráfico: Verónica Mateu Diseño y puesta de luces: Gustavo De Marcos Idea, producción, lubro y dirección: Compañía Hermanos Luro Entradas $8 y $6 SÁBADOS 23 HS. Grupo Barataria presenta "CORAZÓN DELATOR" Versión libre de Gabriel de la Canal sobre el cuento homónimo de E. A. Poe "Un ojo de buitre, un ojo celeste" Con la actuación de Nicco Vanni Secuencias coreográficas: Cecilia Arreseygor Maquillaje: Ana Sargentoni Luces: Gustavo De Marcos Dirección general y puesta en escena: Gabriel de la Canal Entradas $8 y $6 DOMINGOS 21 HS. Pisando Piegos presenta "LA CONTRADICCIÓN DE LAS LÁGRIMAS" de Jorge Zanzio y Mercedes Falkemberg "...a la verdad no se la esconde, porque el mar siempre la devuelve a su orilla..." Intérpretes: Solange Gañet y Adriana Falkemberg Gráfica y fotografía:Jorge Zanzio Escenografía e iluminación: Máximo Panizza Dirección: Mercedes Falkemberg Entradas $8 y $6

Teatro La Hermandad del Princesa Diagonal 74 N° 874 entre 3 y 4 Te: 4835464 http://www.teatroprincesa.com.ar El GRUPO DE TEATRO INDEPENDIENTE BUSCALUNAS presenta "SOBRE EL PECHO DE UNA MUJER". Dramaturgia y dirección Olga Anzolini. Con las actuaciones de María Inés Uro, Fernanda Alessandro, Luz Andrade y Germán Reimondo. Música en vivo a cargo de la cellista Marina Arreseygor, la pianista Natalia Salinas y el percusionista Pablo Santos. La escenografía y el vestuario están a cargo de Laura Melgar. La iluminación, de Alfredo Nuñez. La música está compuesta por Alejandro Dinamarca, con la inclusión de obras de Saint Saens, Mendelssohn y Dvorak. Viernes 10, sábado 11 y sábado 18 de nov, a las 22 hs. en el teatro La Hermandad del Princesa., dg. 74 e/3 y 4.

Teatro La Fabriquera calle 2N°477 - 0221 421 2575/ fabriquera@sinectis.com.ar http://usuarios.advance.com.ar/fabrique Domingos 20,30hs. Sodería Espósito. creación colectiva Federico Aimetta, José Pollo Canevaro, Diego Cremonesi, Gustavo Parola, Gustavo Senese, Hernán Tomeo Dramaturgia: Hernán Tomeo Iluminación - Escenografía - Vestuario: Luis Manuel Mendiburu Elicabe Fotografía: Enzo Brutti Asistencia de dirección: Elián Gallese Dirección: Lucas Finocchi, Hernán Tomeo, José Pollo Canevaro Sábado 25 de noviembre 21hs/ Domingo 26 de noviembre 19 hs. Naturaleza Artificial - Danza Contemporánea Bailarines Intérpretes: Sofía Diotto, Esteban Irigoyen, Salomé Dascón, Soledad Belén y Yamila Cruz Valla. Colaboradores: Gabriel Liverani, Ana J. Diaz. Coreografía y Dirección: Yamila Cruz Valla. Asistente coreográfica: Fernanda Ranguileo. Video: Eduardo Camera Fotos: Guillermo Genitti Diseño de iluminación: Yamila Cruz Valla Dirección coreográfica: Yamila Cruz Valla sábado 4 y 25/23,30hs Solos, Alejandro Catalán Sábado 4 de Noviembre- 23:30hs: Estrella - Malena Moffatt El Service - Julia Catalá In Corpus Christi - Patricio Aramburu Llamá - Mauricio Morando El Oso Peralta - Verónica Bustos Fiebre - Eduardo Pérez Winter Sábado 25 de Noviembre - 23:30hs: Odette - Natalia López Mario Rodriguez - Edgardo Castro Thelma - Irene Sexer Asesinas - Federico Liss Bajo el Par - Felipe Llach O Tío - Gabriel Zayat Viernes 10 función despedida/ 23hs Copetines deliciosos COPETINES DELICIOSOS II - AUTORES DE POR ACÁ. Sobre textos de Julio Cortazar, José Hernandez, Samuel Eichelbaum, Roberto Arlt, Laura Valencia, Luz Rubio, Sara Gallardo y Luis Gusmán Presentación gral: Mariana Paccotti Transmutación, Luz Rubio El secreto, Mónica Fernandez y Delia Aguinaga Cosas extraordinarias, Adriana Causa Casa de Tucumán, María Laura Albariño Exupery, Delia Aguinaga La Frontera, M. Amelia Pena, Patricia Rios Las gemelas, Laura Valencia y Luz Rubio María Kodama; Adriana Ibarra El ancla, Laura Valencia y Chiche Salerno Un guapo del 900, Graciela Bertero y Guillermo Vicente Dirección: Omar Fantini Sábado 11 - 21hs: - P U N T U A L Música - Mister América presenta su sexto disco: "Superacion", una obra intima y profunda con el sello inconfundible de Mister America sábado 18 LETRAS DE MEDIANOCHE Ciclo destinado a la difusión de textos y autores de escasa difusión en los ámbitos tradicionales. Textos literarios diversos, teatro leído y semimontado 24: 00 es la hora/Bono Contribución $2

Salas de la Asociación Amigos Taller de Teatro UNLP Calle 10 Nº 1076 entre 54 y 55 Asociación Amigos del Taller de Teatro U.N.L.P. PRENSENTA: Teatro Poquelin El espectáculo teatral ANITA GARIBALDI, un unipersonal sobre la vida de la mujer de Giussepe. Martes 21 de Noviembre a las 20,30 Hs Unica funcion SELECCIONADA PARA REPRESENTAR A MISIONES EN LA FIESTA REGIONAL DE TEATRO NEA- Noviembre 2006. EL PROCESO de Franz Kafka – Adaptación Alberto Mediza 40 actores en escena – Dirección: Norberto Barruti NUEVO HORARIO – SABADOS 21:00 Hs 8 ULTIMAS FUNCIONES Taller de teatro U.N.L.P Calle 10 N 1076 e/ 54 y 55 Entrada General: $ 5 Reservas ( desde el miércoles a las 14 hs): 423-2283 /425-7203 Biblioteca Teatral Alberto Mediza presenta: RAPIDO NOCTURNO, AIRE DE FOXTROT- Una obra de Mauricio Kartun Con: Walter Zuleta, Laura Laxague y Pablo Pawlowicz Escenografia: Agustina Bianchi Dirección: Norberto Barruti SABADOS – 23:30 Hs – Entrada general $ 5 Reservas a partir del Jueves de 14 a 19 hs.: 423-2283 / 425-7203

EL ALTILLO DEL SUR CASATEATRO 1 nº 1693 esquina 67 La Plata SÁBADOS 22 HS. "NO HAY QUE LLORAR" de Roberto "Tito" Cossa Elenco: Daniel Almirón, Gloria Antonelli, Martín Beluardo, Silvina Librande, Osvaldo Stagnaro y Mimi Torreta Dirección: César Palumbo Entrada general $ 6, estudiantes, docentes y jubilados $ 4.-

Sala 420 Calle 59 Nº 886 entre 12 y 13 Reservas: De lunes a viernes de 10 a 14 hs. al tel.: 483-1952. De lunes a viernes de 17 a 21 hs. al tel.: 489-3636 DOMINGO 19 hs y 21 hs. (dos funciones) NARCISO Obra de Danza Teatro basada en el cuadro de Salvador Dalí titulado Viernes – 23 hs. MENOS PAUSAS. Espectáculo de humor escrito y dirigido por Ruben Monreal. Elenco Carolina Katz (Bebé) María Virginia Naón (Akira) Alejandro Orduna (Orduna) Actores invitados: Teby Giménez Belén Soldi Agostina Zagaglia Equipo Técnico: Edición musical: Sebastián Aceto Diseño escenográfico y luces: David Figueroa Vestuario: Eugenia Kubli, Olivia Grioni, Mayki Hatrick Fotos: Mario Ruiz / Gráfica: Planeta 6 no more_drama Funciones: Viernes 17 de noviembre – 20.30 hs. Sábado 18 de noviembre – 20.30 hs. Domingo 19 de noviembre – 20.30 hs. Obra de carácter experimental que propone un espectáculo dramático y emotivo que articula dos temáticas: el Teatro como oficio y su rol social. Dramaturgistas: The Federal Company (Chile). Una obra abierta, que se enriquece en su propio devenir. De carácter experimental, no more_drama propone vivenciar el teatro como experiencia ritual. Las escenas se suceden a través de un desarrollo fílmico y fotográfico en el que el público es vital. Espectáculo dramático y emotivo que articula dos temáticas: el Teatro como oficio y su rol social. Dramaturgismo: Compañía “The Federal Company” de Chile. Intérpretes: Daniela Miranda Daniel González Christian Zamora Composición Musical: Álvaro Pacheco Diseño Integral: The Federal Company Giselle Angellotti

Fuente: Diario El Día