De cómo traducir los excesos

MUJERES SOÑARON CABALLOS. Foto de la versión de la obra de Veronose cuando se dio en Buenos Aires.

TEATRO : "BUENOS AIRES IN TRANSLATION", EN NUEVA YORK
asón Zinoman THE NEW YORK TIMES Y CLARIN

Women Dreamt Horses (Mujeres soñaron caballos) de Daniel Veronese, es una de las cuatro obras del festival Buenos Aires in Translation (Buenos Aires en Traducción) que se desarrollará en el P.S.122 de Nueva York hasta el domingo. Una mujer de aspecto frágil (April Sweeney) abre la boca para hablar y vomita, ensuciándose de arriba abajo. Los otros cinco personajes con ropa informal que están en escena la miran inexpresivamente mientras se recompone y vuelve a vomitar. Después de correr al baño, se lava la boca, vuelve y repite el mismo repugnante proceso unas doce veces.

Este tipo de exceso absurdo debería preparar al espectador para el resto del festival, que incluye tres familias disfuncionales, dos relaciones incestuosas, múltiples asesinatos, una chica retardada con los pechos al aire, hermanas que forcejean, hermanos que se pegan trompadas, algunas llaves de cabeza y al menos dos personajes que pierden el almuerzo.

Se despliega una variedad de estilos, que van de lo burlesco (Panic, Pánico) al ensueño melodramático (Women Dreamt Horses), de un drama multimedia en donde el pasado se inmiscuye una y otra vez en el presente (Ex-Antwone) a un cuento de hadas futurista (A Kingdom, a Country or a Wasteland, in the Snow, Un reino, país o baldío, en la nieve). Estas obras tienen en común una visión del mundo oscura y a menudo violenta expresada en una puesta agresiva, cruda y con fuerte acento en lo físico. Jean Graham-Jones tradujo las cuatro piezas, y su verboso trabajo en ocasiones puede sonar fuera de tono. Uno tiene la sensación de que los directores a menudo tratan de superar las barreras del idioma y la cultura con puestas desenfrenadas. La idea sería: no se necesita un traductor para explicar el vómito.

Women Dreamt Horses es una obra cáustica sobre tres hermanos y la fracasada empresa familiar, que se desarrolla durante una cena que termina mal. En manos del director Jay Schreib, se convierte en una noche de box. Y los agresivos (y agredidos) actores no juegan a boxear con su propia sombra precisamente. Sus golpes dan en el blanco. Bettina (Zishan Ugurlu) abofetea tantas veces la cabeza calva de su marido, Roger (Jorge Alberto Rubio), que suena como un aplauso, y este le devuelve el favor con una embestida de toro que le debe haber cortado la respiración.

A Kingdom, a Country or a Wasteland, in the Snow, de Lola Arias, drama pos-apocalíptico so bre un terrible secreto familiar, también empieza con una sesión de lucha cuerpo a cuerpo. Las hermanas Lisa (Andrea Moro Winslow) y Luba (Hayli Henderson), que viven en un fría tierra baldía con sus padres, se lanzan por el aire una a la otra por todo el escenario con desenfreno. La rivalidad entre ellas sube de tono cuando, mientras cazan conejos, encuentran a un huérfano a quien ambas ven como posible marido. Este acontecimiento preocupa al padre (James Lloyd Reynolds) cuya cara de culpa indica que sabe algo sobre el huérfano. Arias introduce imágenes de fetos y débiles mentales que se ahogan para prepararnos para los horrores que vendrán.

Ex-Antwone, el sueño fragmentado de una obra de Federico León, a quien en el programa se califica de protegido de esa leyenda del teatro experimental que es Robert Wilson, transcurre en el presente, pero apenas. Antwone, interpretado caprichosamente por Miguel Govea, parece no poder deshacerse de sus sueños, que irrumpen contínuamente durante el día mientras está con su novia, Stella (interpretada con ingenua calidez por Liz Dahmen), que constituye su único consuelo en la vida. Ninguno de estos dos personajes cobra vida en la misma medida que la mujer que aparece en la pantalla del televisor que cuelga sobre ellos, la madre de Antwone (Corrine Egerly), regañona y paranoica.

La pieza quizá más decepcionante fue Panic de Rafael Spregelburd, una tediosa farsa de dos horas producida con el Theater of a Two-Headed Calf (y dirigida por Brooke O'Harra), sobre una familia inculta que revuelve toda la casa buscando la llave de una caja fuerte que perteneció al patriarca que acaba de morir. Comienza como una prometedora parodia de una película de terror, con violines y austera iluminación de rigor, pero rápidamente amplía su mira a prácticamente cualquier cosa en pos de la extravagancia. Podría haber una sátira mordaz sobre los valores familiares burgueses pero, si la hay, se ha perdido en la traducción.

Traducción: Elisa Carnelli

Fuente: Clarín

El aprovechamiento del espacio

DIRECTORES. Lola Arias hace "El amor es un francotirador" y Luciano Cáceres, "Agua 1/407". Luciano Suardi, ausente con aviso.
TEATRO : "INVERSION DE LA CARGA DE PRUEBA"
El ciclo del C.C. Rojas hace trabajar a tres directores distintos sobre un mismo espacio.

Juan José Santillán ESPECIAL PARA CLARIN

Inversión de la carga de prueba" es un término extraído del derecho penal que se vierte como estrategia de una representación teatral. En esta segunda entrega del proyecto curado por Mariana Obersztern, el espacio escenográfico es el punto de partida desde el cual se desarrollan los trabajos dirigidos por Luciano Cáceres, Lola Arias y Luciano Suardi. Cada pieza reelabora el sentido de una instalación —que sirve como soporte escénico de las tres obras— realizada por el artista visual Leandro Tartaglia. En este proyecto, los directores no pueden agregar ni quitar ninguno de los objetos distribuidos en el lugar; deben desarrollar una instancia de experimentación surgida desde el espacio y sus dispositivos.

La primera entrega del Proyecto "Inversión de la carga de prueba", organizado por el C.C. Rojas, se llevó a cabo en setiembre del año pasado. El ciclo, además, formó parte de la grilla del Festival Internacional de Teatro. Participaron los directores Matías Feldman, Guillermo Arengo y Ariel Farace, quienes trabajaron a partir de una escenografía realizada por el artista plástico Miguel Mitlag. Este año el ciclo comenzó con una obra de Luciano Cáceres que realizó en colaboración con el Grupo TintoBa. Se trató de Agua 1/407 (ver recuadro). El director de 4.48 Psicosis y Criaturas de aire, desarrolló la obra a partir de la palabra agua, escrita en una de las cuatro láminas que ubicó Tartaglia en el espacio. "Tuve varios problemas —cuenta Cáceres—, porque me costó muchísimo desarrollar algo a partir del espacio sin un texto previo. Entonces trabajé con las habilidades y los recuerdos que cada actor tenía en referencia a la palabra agua. Es la primera y no sé si la última vez que hago una experiencia de este tipo. "

El ciclo continúa mañana con El amor es un francotirador, co-dirigida por Lola Arias y Alejo Moguillansky. En esta pieza, Arias retoma la actuación y se suma al derrotero sentimental de un grupo de personajes, cuya construcción se entremezcla con componentes biográficos de los actores que los interpretan. "Es una especie de ruleta rusa de corazones rotos —explica Arias—, donde seis personajes se reúnen con una nena de siete años que organiza un sistema de azar. Cada actor pone muchos componentes biográficos para construir su personaje." Arias, que acaba de viajar a Nueva York para presentar su obra La escuálida familia dentro del programa Buenos Aires in Translation, inicia con El amor... una trilogía que estrenará el año que viene.

Luciano Suardi filma entre Madrid y San Luis Tres corazones, la próxima película de Sergio Renán basada en el cuento El taximetrista, de Juan José Saer. Por esta razón el director no estuvo en la sesión de fotos. Suardi, a principios de diciembre formará parte del proyecto con Jálei. "La morfología del espacio —explica el director— me llevó a pensar en una trama policial, a un crimen y su reconstrucción ligado a la manipulación de la verdad. En mi primer contacto con el dispositivo, pensé que era sencillo atravesarlo, pero en el proceso me di cuenta que te impone sus propias reglas, y adaptarse a ellas fue un gran ejercicio". Para Jálei —inspirado en el cometa— Suardi convocó a Mariana Chaud, Elvira Onetto, Fernando Rubio y Laura López Moyano.

Fuente: Clarín

Alejandro Tantanian: "No quería especular con la violencia"

A los 40 años, el autor y director se lució en el teatro oficial con dos obras. Dirigió a Alfredo Alcón y Elena Tasisto en "Recital Ibsen" y acaba de estrenar "Cuchillos en gallinas" en el San Martín, con una tonelada y media de juncos y una alfombra de 200 kg de maíz...

Susana Villalba ESPECIAL PARA CLARIN

En el principio fue el verbo: la luz apareció cuando Dios dijo "hágase la luz". Luego el hombre conquistó —o un Prometeo puso a su alcance— esa posibilidad del lenguaje que es lo que lo hace un hombre: ese animal que también puede ser un semidios. Sofía, la sabiduría intuitiva, oral, se unió al conocimiento racional y masculino, y generó la ley escrita. Pero a medida que se establecieron jerarquías que cifraron y organizaron la distribución del conocimiento, otra mujer, la transgresión, tuvo que bucear en los misterios del lenguaje para volver a encontrar las fuentes que fluyen para todos.

Cada vez que se hace insoportable la tensión entre la ley de una lengua en común y las sensaciones individuales que la desbordan, surge la poesía. De esto habla o calla Cuchillos en gallinas. Un labrador, su mujer, y el molinero, una fábula simple, tan simple como decir la vida, el amor, la muerte, todos sabemos lo que es eso: eso de lo que no sabemos nada.

Podemos hundir el cuchillo en la gallina y no encontraremos el secreto de los huevos de oro, sólo sabremos que lo que parecía estar ahí no está. "La obra cuenta la formación de una poeta —dice Alejandro Tantanian—; el personaje femenino, al heredar la palabra escrita empieza a ser la creadora de las cosas y entonces a separarse de Dios. El autor cuenta una historia y a la vez no, no es un thriller pero lo es; el acento está puesto en el poder de la palabra y qué le pasa a cada personaje con ese descubrimiento. Al final los tres devienen otro, el labrador se hace uno con la naturaleza y el molinero se aleja del lugar cristalizado en que lo habían puesto."



Hay algo bíblico.

Puede ser una parábola bíblica sobre la expulsión del Paraíso, ella es como Eva comiendo del árbol del conocimiento del bien y el mal. Cuando pierde la inocencia y toma conciencia de sí y del otro, ya no es una costilla de su marido. Si la obra pegó en tantos países distintos es porque hay algo de nuestro mito fundante occidental, por eso buscamos cómo respetar la forma original del texto que parece ser de alguien que empieza a hablar.

La obra se conoció como semimontado, dirigido por Paul Miller, cuando fue seleccionada para el programa de intercambio del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires 2003, por el cual dos autores argentinos traducían a dos ingleses y dos franceses, y viceversa. En ese marco vino Harrower a nuestro país a dar un seminario y trabajar en la versión final en castellano con Beatriz Catani, basándose en una primera traducción de Rafael Spregelburd. Ahora Alejandro Tantanian y Martin Tufró realizaron modificaciones sobre el trabajo de Catani.

"La leí en inglés en 1998 —dice el director— y me impactó porque tanto podía haber sido escrita en el Renacimiento como hacía dos días, y además porque era un tema diferente a lo que abundaba en los '90, acá y afuera: conflictos urbanos y con lo urbano, conflictos vinculares y de familia. La decisión de Harrower de ubicarse en el campo permitía una mirada sobre lo humano más desnuda, universal y trascendente. Y se ocupaba de temas que de alguna manera siempre me obsesionaron: la formación de un espíritu artístico, el lenguaje, la individuación. A partir de preguntarse por los nombres, el personaje empieza a ser ella misma y a obrar en consecuencia, incluso con consecuencias terribles."



Un crimen...

Que yo elegí no mostrar en escena, a la manera de la tragedia griega, como también hice en Los mansos, porque esas muertes son más que nada metáforas y para no especular con la violencia. Además, hay muchas cosas que Harrower elige no aclarar, prefiere abrir preguntas y yo respeté eso, echar luz sería tomar partido por uno u otro.



¿En el original también ella canta, como en esta puesta?

No, hay tres monólogos, el primero de oraciones muy sencillas, "El conejo corre", que se van complejizando en el segundo y tercer monólogo porque ella va encontrando la poesía. Yo elegí que comenzara como se inició la tragedia, como cantos a la tierra, luego va hacia la palabra hablada y hacia la escrita. En el momento en que escribe tiene una iluminación, ella mueve el mundo y la naturaleza con las palabras. Por eso también elegí actores con una fuerte formación en lo físico, porque siento que hay algo de masa corporal atada a la tierra, en contraste con sus palabras que aspiran a ir al cielo.



También es marcado el tema de salirse de lo que dicen de uno.

Sí, del molinero se dice que hay que odiarlo; de Williams, que es zoófílo. Ella intenta ver qué hay detrás de lo que se dice, ya que detrás del nombre Molinero hay un hombre. Al final se dicen cosas sobre ella porque ha transgredido.



¿Por qué se elige no decir nunca el nombre de ella?

Es uno de los misterios más lindos de la obra. Cuando ella le escribe su nombre al molinero es un momento límite, un pacto con el demonio del conocimiento; por eso le queda la mancha de tinta grabada. Pero ella se salva y salva al monstruo de la aldea que entonces se transforma en un hombre. Estamos en una época de individualismo pero de poco individuo. Y de poca preocupación por lo espiritual, por eso también me interesa tanto que la gente se acerque al texto, más allá de que guste o no mi puesta. En la obra hay frases que no tienen verbo, como "Cuchillos en gallinas", el eje principal no son las acciones. Nuestras conversaciones en los ensayos giraban en torno a lo místico y creo que mi convicción espiritual es tan fuerte que impregnó la puesta y las actuaciones.



¿Discutió la obra con el autor?

Conocí a Harrower cuando vino y cuando fui yo a Inglaterra, pero no quise preguntarle mucho, lo que monté es mi impresión de la obra, se podrían hacer lecturas diferentes y también estaría bien. Además, él está un poco cansado de que sólo le pregunten sobre ésta y no sobre obras posteriores. Recién con la última, Blackbird, la crítica y el público volvieron a responder con la misma intensidad. Sí lo mantuve informado, le mandé fotos y el blog.

En efecto, en knivesinhens.blogspot.com se pueden ver fotos de los ensayos, del montaje de la escenografía, comentarios, reflexiones, el texto, la teoría de Leibniz que habla del molino como el comienzo de la máquina, párrafos de Las palabras y las cosas de Foucault, y hasta la historia de San Ordano, onomástico que coincidió con la fecha de estreno. Tantanian dedicó esta obra a Inda Ledesma, porque dice que se decidió definitivamente por el teatro ante las puestas de aquella directora y a Roberto Villanueva, recientemente fallecido, que dirigió su obra La tercera parte del mar y a quien recuerda con mucho afecto.

Fuente: Clarín

"Sobre el pecho de una mujer": Bella historia de amor

Por IRENE BIANCHI

"Sobre el pecho de una mujer", de Olga Liliana Anzolini, a cargo del Grupo de Teatro Independiente "Buscalunas", integrado por los actores María Inés Uro, Germán Reimondo, la bailarina Fernanda Alessamdro y la cantante Luz Andrade. Músicos en vivo: Marina Arreseygor en violoncello, Natalia Salinas en piano y Pablo Santos en percusión. Diseño de escenografía y vestuario: Laura Melgar. Realización de escenografía: Indio Sánchez. Realización de vestuario: Gonzalo Cicchino. Maquillaje: Claudia Piquet. Música incidental: Alejandro Dinamarca. Iluminación: Alfredo Núñez. Dirección: Olga Liliana Anzolini. Teatro La Hermandad del Princesa, sábados 21 hs.

Antes de aventurar cualquier tipo de análisis o vivisección de esta obra escrita y dirigida por Olga Liliana Anzolini, es lícito destacar que se trata de un espectáculo bello por donde se lo mire o escuche. "Sobre el pecho de una mujer" seduce con una belleza cautivante y misteriosa. El salto al vacío que implica atreverse a combinar actuación, danza, acrobacia, canto lírico y música en vivo, constituye un riesgoso desafío ("sólo para locos", diría Herman Hesse), desafío del cual los integrantes de "Blancaluna" salen airosos.

La trama de la obra parece salida de la pluma de un gótico Edgar Allan Poe: Consuelo, anciana dama viuda de un General, publica un aviso para dar con un joven que escriba las Memorias de su difunto esposo, a partir de unos amarillentos y vetustos manuscritos celosamente guardados en un arcón. La paga es suculenta pero la condición "sine quanon" es que el muchacho permanezca en la vieja casona hasta concluir su labor. El tiempo apremia: la salud de Consuelo es frágil y la Muerte acecha implacable.

El lugar es lúgubre y tenebroso. Unas pocas velas alumbran el altar en el que la anciana reza en latín, como preparándose para el tránsito. El joven escriba - Felipe Montero- se resiste a permanecer en un ámbito tan sombrío, hasta que conoce a Aura, la supuesta sobrina de Consuelo, que lo hechiza con sus encantos. La muchacha opera en él un efecto similar al de las sirenas en los marineros en alta mar. Felipe no puede evitar zambullirse en los brazos de tan bella mujer, que lo atrapa para siempre y se adueña de su voluntad.

La pregunta es: ¿quién es Aura? ¿Se trata de una mujer de carne y hueso o de una alucinación, de un fantasma, de un recuerdo corporizado, de un holograma? ¿Cuál es el verdadero vínculo que la une a Consuelo? ¿Por qué aparece y desaparece de la nada? Esas - y otras tantas -son cuestiones que cada espectador deberá dilucidar por sí mismo.

Lo atrapante de la propuesta de Anzolini es la mezcla de géneros y lenguajes a la que hicimos referencia. La música de Charles Camille Saint-Saens, de Antonin Dvorak y de Félix Mendelssohn, irreemplazablemente interpretada en vivo por Marina Arreseygor, Natalia Salinas y Pablo Santos; la soberbia voz de Luz Andrade (una suerte de cantante-relatora); la sugestiva danza de Fernanda Alessandro en el rol de Aura; la intensidad en las actuaciones de María Inés Uro (Consuelo) y Germán Reimondo (Felipe), todo ello reforzado por el valiosos aporte de escenografía, iluminación, vestuario y maquillaje, suman un producto inquietante, atractivo e interesante, que habla a las claras de un trabajo mancomunado, de una labor de equipo interdisciplinario, de un espíritu de cuerpo, que seguramente debió sortear innumerables obstáculos hasta arribar a buen puerto.

"Sobre el pecho de una mujer": para deleitar ojos, oídos y corazón.

Fuente: Diario El Día

Letras de Medianoche

sábado 21 de octubre/06

Ciclo destinado a la difusión de textos y autores de escasa difusión en los ámbitos tradicionales. Textos literarios diversos, teatro leído y semimontado
24: 00 es la hora/Bono Contribución $2

Presentación general: Mariana Paccotti

Tránsito, Fabián Fernandez Barreyro
Con: Soledad Belén. Dirección: Fabián Fernandez Barreyro

Los Marsupianos, Mariela Anastasio
Con: Ernesto Meza

Se mira y no se toca, Santiago Serrano
Con: Vanesa Giacci y Sebastián Bertolot

Terapia on the rocks
Con: Adriana Causa y Chiche Salerno

Así las cosas, Luz Rubio

Fragmento muestra taller “El Otro Cuerpo”
Con: Micaela Suarez Dirección y Puesta en escena: Marina Asseretto
Adelanto Copetines II función despedida
La frontera, sobre textos de Luis Gusmán, con: María Amelia Pena y Patricia Ríos. Dirección: Omar Fantini

Iluminación Pollo Canevaro/ Musicalización: DJ Brahman Funk Cero
Coordinación: Patricia Ríos

Próximo Letras de Medianoche
En noviembre es el sábado 18/ presentación de materiales hasta el viernes 10/11

Música/tragos/comidas
La Fabriquera, calle 2 Nº 477/ Te 4212575/ e mail: fabriquera@sinectis.com.ar/
http://usuarios.advance.com.ar/fabrique/

Fuente: elespaciovacio

Letras de Medianoche

sábado 21 de octubre/06

Ciclo destinado a la difusión de textos y autores de escasa difusión en los ámbitos tradicionales. Textos literarios diversos, teatro leído y semimontado
24: 00 es la hora/Bono Contribución $2

Presentación general: Mariana Paccotti

Tránsito, Fabián Fernandez Barreyro
Con: Soledad Belén. Dirección: Fabián Fernandez Barreyro

Los Marsupianos, Mariela Anastasio
Con: Ernesto Meza

Se mira y no se toca, Santiago Serrano
Con: Vanesa Giacci y Sebastián Bertolot

Terapia on the rocks
Con: Adriana Causa y Chiche Salerno

Así las cosas, Luz Rubio

Fragmento muestra taller “El Otro Cuerpo”
Con: Micaela Suarez Dirección y Puesta en escena: Marina Asseretto
Adelanto Copetines II función despedida
La frontera, sobre textos de Luis Gusmán, con: María Amelia Pena y Patricia Ríos. Dirección: Omar Fantini

Iluminación Pollo Canevaro/ Musicalización: DJ Brahman Funk Cero
Coordinación: Patricia Ríos

Próximo Letras de Medianoche
En noviembre es el sábado 18/ presentación de materiales hasta el viernes 10/11

Música/tragos/comidas
La Fabriquera, calle 2 Nº 477/ Te 4212575/ e mail: fabriquera@sinectis.com.ar/
http://usuarios.advance.com.ar/fabrique/

Fuente: elespaciovacio

Las últimas fotos de Marilyn Monroe para Vogue

Hoy, la revista del diario Clarín publica una interesante historia sobre las últimas imágenes de Marilyn Monroe, en vida. Con una prosa que da vertigo, el secretario de redacción del diario, Norberto Angeletti, sostiene el flash para iluminar la última sesión de fotos que Bert Stern le arrancó a una Norma Jean Baker, ya quebrada.
La nota coincide no sólo con un libro que está por salir sobre la revista que encomendó las fotos a Stern, escrito por Angeletti, sino también con una exposición que se exhibe en el Museo Maillol de París, con 59 de estas fotos.
La eterna sesión de fotos que tuvo que padecer Monroe superó las 2500 imágenes y formó parte de un número de la revista Vogue que apareció en 1962, a los pocos días de la muerte misteriosa de la rubia.

Según el relato de Angeletti, en la revista de Clarín, el fotógrafo no sólo utilizó las típicas palabras que suele imponerse en este tipo de circunstancias para lograr los primeros desnudos de la actriz, sino que se valió de varias botellas de Dom Perignon, para apurar el trámite.
Con una apertura muy interesante de revista que se abre en otra revista, la entrega de imágenes sensuales de Marilyn Monroe brillan por su ausencia.
A continuación te mostramos las fotos de las que se habla en la crónica de Angeletti, pero que no se publican. Todas forman parte de un especial que aparece en el excelente portal francés PixelCreation, del genial Thierry Le Boité.

Fuente: visualmente

CHICOS : II FESTIVAL ATINA Una panzada de teatro

CUENTOS DE NIÑOS REALES. Por la compañía Le Carrousel, un prestigioso grupo canadiense, país que se destaca en obras para chicos.

Desde el lunes y hasta el domingo 22 se hará este encuentro teatral para niños y adolescentes. Hay elencos locales e internacionales.

Laura Gentile

Desde el lunes y hasta el domingo los chicos porteños podrán darse una panzada de teatro nacional e internacional. Es que la Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (ATINA) organiza el II Festival Nacional e Internacional de Teatro para Niños y Adolescentes ATINA 2006.

El Festival contará con la presencia de elencos extranjeros, porteños y del interior del país.

En cuanto a los elencos extranjeros, su selección se centró en una premisa: "que lo de afuera mostrara trabajos y estilos no habituales para la cartelera porteña". Así lo afirma el Director Artístico del Festival, Juan Garff, encargado de la selección.

Entre los espectáculos extranjeros elegidos figuran Cuentos de niños reales, por la Compañía Le Carrousel, un prestigioso grupo canadiense (país especialmente destacado en teatro para niños), que suele montar obras de Suzane Lebeau. "Una autora —explica el propio Garff— que se mete mucho en los conflictos más fuertes de la vida infantil, como la muerte, separaciones en general, la violencia". Para chicos a partir de los 8 años.

Tanto Ha Hamlet, de Markus Zohner Theater Compagnie, Suiza como La Vaca RosamaríaHa Hamlet está dirigido al público adolescente, La Vaca Rosamaría

Por su parte Paracaidistas, de la Compañía Mala Scena, de Croacia es una interesante obra para chicos de dos años en adelante "que muestra cómo se puede hacer algo muy sutil y complejo y ser, sin embargo, perfectamente apto para los más chiquitos". Con una escenografía muy ingeniosa la obra sin palabras se centra en distintas variaciones alrededor de cómo caen las cosas, un concepto que suele "maravillar" a los más pequeños.

Finalmente se podrá ver Circo de Sombras de la Compañía Cachiporra, Uruguay, un grupo fundado en 1973 que "muestra con qué profesionalidad se trabaja también en el tercer mundo".

Entre los espectáculos y elencos nacionales seleccionados están: Cosas de payasos, por el Grupo Papón y Tonino; Elemental, de la Compañía Clun; Calidoscopio, del Grupo Kukla; Cuatro noches, de Puro Grupo; La fila, por la Compañía Mumu Lavac; El soldadito de plomo, de la Compañía Omar Alvarez Títeres; Opereta prima, por el Grupo La Pipetuá; El redondel, por la Compañía El Redondel; Historias con caricias, de Héctor Presa; y Brisas enaguas, del Grupo Jícara.

También habrá espectáculos de Córdoba, como Con bombos y platillos, por el Grupo Cirulaxia Contra Ataca Teatro. De Neuquén La niña invisible, por el grupo Atacados por el art.

Durante el encuentro se realizarán talleres dictados por profesionales argentinos y extranjeros, mesas redondas y debates, que permitirán el intercambio de experiencias.
de la Compañía Paideia, de Brasil, son obras en las que se trabaja mucho sobre el texto. "Algo que no suele suceder tanto en el teatro local —afirma Garff—. Acá hay poca palabra dicha en el teatro para chicos. Sí hay un gran desarrollo de lo lúdico, pero se perdió la dramaturgia más textual". Mientras que es para chicos desde los seis años.

Fuente: Clarín

Variaciones Meyerhold en La Plata

El Domingo 1 de Abril a las 20hs., se presenta - por única vez en La Plata - Variaciones Meyerhold, de Eduardo Pavlovsky. Este espectáculo formó parte del evento: V Festival Internacional de Buenos Aires. Las entradas estarán a la venta a partir del jueves 15 de marzo de 9 a 11 y de 19 a 21hs en La Fabriquera (no se reservan entradas).

Meyerhold es sin duda uno de los nombres claves de la dirección de escena y la teoría teatral de todos los tiempos. Ligado en un primer momento al Teatro de arte de Moscú dirigido por otro grande del teatro ruso: Stanislavki. Abandonó pronto la vía naturalista para indagar en su propia concepción dramática - que denomino "teatro de la convención conciente" (1913) y sus trabajos experimentales le permitieron desarrollar la teoría de la Biomecánica (1922) un riguroso método de preparación del actor que intenta explotar al máximo sus posibilidades físicas y psíquicas. Meyerhold elaboro a si mismo una dramaturgia revolucionaria e instauro los principios del moderno concepto de puesta en escena. Tardo un tiempo en comprender la revolución pero cuando lo hizo su ardor y su entusiasmo fueron enormes e ingreso en el partido comunista - llegando a ser una figura prominente como militante cultural durante la revolución.

"Variaciones Meyerhold" intenta captar la forma en que este extraordinario hombre de Teatro nos "afecta" a nosotros hoy. Lo que mas nos involucra. Lo que mas nos conmueve. La lucha ardorosa de ciertos principios de su teatro que supo defender hasta el final y que expuso en el primer Congreso de Directores (1939) donde fue extensamente criticado por no adaptarse al realismo socialista - estética que predominaba en esa época.

Lo recordamos: como uno de los hombres mas importantes de teatro del siglo y por su brutal asesinato y el de su mujer, durante el stalinismo.
Allí nos sentimos afectados e involucrados como argentinos: nuestra dictadura también supo sembrar el crimen y la tortura en los defensores de la imaginación y la critica en nuestro país. Allí Meyerhold deviene argentino y allí nosotros devenimos Meyerhold.

Cada función será distinta - no hay texto escrito - Improvisamos sobre las ideas que él defendió y sobre su martiriloquio y crimen final - defendiendo la improvisación creadora en cada función - defendiendo la imaginación creadora como arma revolucionaria en su máxima expresión.

Actúan: Susana Evans, Eduardo Misch, Eduardo Pavlovsky, Martín Pavlovsky
Diseño de vestuario: María Claudia Cure
Diseño de luces: Leandra Rodríguez
Diseño sonoro: Martín Pavlovsky
Asistencia de dirección: Eduardo Misch
Prensa: Adriana Schottlender
Dirección: Martín Pavlovsky

Fuente: Cultura La Plata

Teatro abierto

PERSONAJES > EL TEATRO SEGUN MARIANO PENSOTTI
Con tres obras en cartel –Vapor, Laura y Los muertos–, Mariano Pensotti se perfila como uno de los directores y dramaturgos más interesantes y prolíficos del momento. Y esto a pesar de que, en sus inicios, quiso ser cineasta. Aunque quizá por eso su trabajo sea tan diferente.

Por Margarita Hernández

Mientras habla, Mariano Pensotti intenta, sin éxito, sacar con la cucharita una ínfima hebra de té que flota en su taza. Aunque no interrumpe su discurso, el movimiento permanece hasta que, segundos más tarde, deposita victorioso la briznita a un costado del plato. Este gesto obsesivo –casi de señora, podríamos decir–, de búsqueda de la pureza en la infusión, no tiene nada que ver con su obra, tan volcada a la mezcla de disciplinas, tan bastarda como el mismo teatro. Mariano Pensotti es un director raro. Tiene una formación en cine y todos sus trabajos en teatro lo dejan ver. Sin embargo, hoy está completamente dedicado a las artes escénicas y es uno de los jóvenes directores-dramaturgos más interesantes y productivos de Buenos Aires; tanto es así que tiene simultáneamente tres obras en cartel: Los muertos, que codirige con Beatriz Catani y fue subsidiada por el Hebbel am Ufer de Berlín; Laura, que codirige con el coreógrafo Luis Biasotto –ambas estrenadas este año–, y Vapor, que ya va por su tercera temporada.

Comenzó estudiando cine, hizo un largometraje en video, varios cortos en fílmico, otro largo que fue subsidiado por Antorchas y que quedó inconcluso, y puso un freno. Ahora cuenta de aquel tiempo: “Hasta los 24 más o menos estuve tratando de hacer cine. Ahora tengo 33. Y la verdad, en un momento se me hizo tan cargoso esto de la plata y gente que necesitás para hacer cine que a partir de ahí empecé paralelamente a hacer cosas en teatro. Cuando me empecé a meter me di cuenta de que en el teatro había un imaginario mucho más amplio”. Y claro. No sólo con precariedad y fans de Bertolt Brecht se encontró Pensotti sobre el escenario. “Entendí que ahí había una posibilidad de construir mundos más atractivos, textualidades de mayor complejidad y un imaginario más amplio y poético de lo que suele ser el lenguaje audiovisual más clásico. Lo que me gustó del teatro fue eso, un lugar de cruce de disciplinas, de la literatura, las artes visuales y elementos narrativos del cine, todo junto.” Y una vez instalado en territorio teatral, a Mariano Pensotti no le fue tan mal. Viajes, becas y subsidios confirmaron su decisión. Primero a Italia becado por la Unesco para estudiar dramaturgia. Más tarde a España, subsidiado por Casa de las Américas. A la vuelta de esos destinos comenzó su trabajo en Buenos Aires.

UNA, DOS, TRES

Poco tienen en común el trío de obras que Pensotti tiene en cartel simultáneamente. Tal vez lo único que se podría decir es que las tres, como en una estructura de mamushkas, encierran historias pequeñas dentro de una mayor. El dice que se trata de sinopsis de películas. O de trailers de futuras películas que aparecen infiltradas en la narración. Y hay algo de eso. Vapor, por ejemplo, es una sucesión de monólogos que se dicen en un lugar no muy determinado, una ruta, un hotel bajo un cielo estrellado, espacios abiertos. Ahí, un cowboy, una mujer tan patética como fatal y un joven en traje, son los personajes que alternadamente van contando cosas que les pasaron y que no consiguen olvidar. Entonces se cuenta la vida de una mujer que trafica droga dentro de su pierna ortopédica, un joven que es aficionado a visitar moribundos en los hospitales y un cowboy que sueña con ñandúes incendiados corriendo por la pampa, aunque él, claro, nunca haya estado ahí. Relatos que poseen un sustrato cinematográfico, que recuerdan el cine americano de los ’70, las road movies, Wim Wenders en esa época.

En Los muertos, la relación con el cine marcha por otro carril. Esta obra, que codirigió con Beatriz Catani, se propuso desde un comienzo reflexionar sobre las formas en que se representa la muerte en la Argentina. Una vez elegido ese tema y puestos a buscar información, surgió un actor, Alfredo Martín, que había hecho en su juventud una obra donde adaptaban el cuento de James Joyce, “Los muertos”. Entonces decidieron incluir la reconstrucción de esa obra del pasado donde muchos de los actores están (y sí) muertos, y Alfredo Martín, básicamente, tiene que interpretar todos los papeles. Al mismo tiempo, o de forma alternada, un televisor proyecta imágenes documentales de distintos cementerios de Buenos Aires, hay entrevistas, imágenes de muertes en el cine argentino, entre otras cosas. En su aspecto de “semimontada”, la obra intenta comparar la muerte con el teatro. Así equipara, por ejemplo, el trabajo de los sepultureros con el de los utileros de una sala teatral. ¿Qué significa la muerte y cómo se representa en una cultura de cuerpos ausentes como la nuestra? Es la pregunta que la obra intenta responder. Curiosamente, Pensotti define Los muertos como un “documental en vivo”.

La tercera puesta de este joven director es Laura, un trabajo para el que fue convocado por el IUNA (Instituto Universitario Nacional de Artes) para dirigir la residencia de los alumnos de teatro que egresaban este año. La dirección está compartida con Luis Biasotto, coreógrafo y bailarín de la compañía Krapp. Mariano aceptó sin conocer al grupo de alumnos y cuando llegó el primer día, para su sorpresa, se encontró con un varón y nueve mujeres. Después de improvisar durante algunos meses, entre coreógrafo y director decidieron utilizar esa asimetría a su favor y contar la historia de un hombre obsesionado con el recuerdo de quien fue su novia –Laura– y que contrata a actrices para intentar representar los momentos felices de la relación. “Nos quisimos hacer cargo de que ellos están empezando a ser actores al final de la carrera; a mí me interesaba que quede presente que son mujeres que están actuando”, explica. Laura es el relato de un hombre que quiere convertirse en flashback. Algo que sólo en un escenario puede suceder.

LA GENERACION

Es probable que lo único que tengan en común las tres obras sean la pluma y el ojo de donde salieron esas historias y esas imágenes. Un chico que piensa el teatro con palabras del cine o de la plástica o inclusive del rock. Algo que él entiende casi como una marca generacional. “Veo que hay una camada de directores y dramaturgos de los que me siento cerca. Pero no sé si hay una estética común, más bien creo que no. El concepto de generación no está tan metido en nosotros. Creo que ésos son nombres casi de marketing, como lo fue ‘nueva dramaturgia’ hace unos años. Lo que nos hace diferentes es que nuestra generación pasó por todos lados; antes era gente que venía de la dramaturgia o eran actores que se ponían a escribir. Ahora hay personas que vienen de las artes visuales, o de la danza, o de la poesía, o del cine como es mi caso; hay una mezcla más rara. Nuestro punto de partida o nuestros intereses son mucho menos teatreros de base”, define, y es exactamente eso lo que vuelve su mirada interesante.

Como si quisiera confirmar estas marcas autorales, generacionales, Pensotti cuenta que la obra que está preparando para el año próximo será más bien musical y la codirigirá con Ana Frenkel, bailarina, coreógrafa, hermana del cantante de La Portuaria y una de las fundadoras del grupo de danza-teatro El Descueve. ¿Qué saldrá de esta nueva mezcla? Pensotti se ríe y no agrega nada más. Un poco de misterio para esa fusión tan impura. Todo lo contrario del té, ya sin hebras, pero helado, que no deja de tomar.

Los muertos, en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, viernes a las 22.

Laura, en El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034, domingos a las 20.

Vapor, en Espacio Callejón, Humahuaca 3759, sábados a las 22.

Fuente: Radar

Mister America - Nada Bueno

Del dvd Mister America Develado .Grabado en vivo entre el 23 y 30 de Setiembre de 2006 en el teatro La Fabriquera de la ciudad de La Plata - Argentina. http://www.misteramerica.com.ar

Mister America - Superacion

Recital de Mister America interpretando el tema Superacion.Grabado en um recital Setiembre 2006 en La Fabriquera.Del Dvd Mister America- Develado. Ciudad de La Plata.www.misteramerica.com.ar

Lisístrata, en versión muy festiva

Paula Rasenberg, como Lisístrata, y sus mujeres atenienses

Lisístrata , de Aristófanes, en versión de Rodolfo Roca. Con Paula Rasenberg, Inés Cejas, Inda Lavalle, Tamara Kiper, Rita Armani, Ana Scannapieco, Vanina Montes, María Colloca, Magdalena Grondona, Malisa Hermida, Manuel Vignau, Lautaro Perotti, Lisandro Penelas, Diego Faturos, Gonzalo Ruiz, Máxime Seuge, Juan Manuel Camara y Jonathan Zak. Colaboración artística: Rita Armani. Diseño de luces: Omar Posemato. Vestuario: Florencia Lamanna. Música original: Federico Marrale. Coreografía: Marcelo Cartes. Asistente de dirección: Laura Tentori y Joana Rija. Dirección: Claudio Tolcachir. Funciones: los viernes, a las 21.30 y a las 23.30, en Timbre 4, Boedo 640. Teléfono: 4932-4395.

Nuestra opinión: muy bueno

A Lisístrata, a Calónice, a Mirrina, a Cinesias y toda la banda de espartanos y atenienses, el barrio de Boedo le sienta bien. Sí, no hay con qué darles. Allí, al fondo de un largo pasillo donde está ubicada la sala Timbre 4, Claudio Tolcachir, el mismo que el año pasado montó La omisión de la familia Coleman , ahora se largó con una inteligente vuelta de tuerca de Lisístrata , el texto de Aristófanes estrenado, según dicen y deducen algunos estudiosos, hace 2418 años.

En esta versión a cargo de Rodolfo Roca, el mismo de Paraísos olvidados , la trama planteada por este gran poeta cómico de la antigüedad explota en sentidos. En la puesta de Tolcachir y en la actuación de cada uno de los intérpretes, la obra toma constantes giros que hacen que nunca disminuya su ritmo. Por eso podrán estar hablando de algo lejano en el tiempo, pero, sin embargo y sin necesidad de las típicas traslaciones a la actualidad, la trama es sumamente efectiva.

Veamos un poco. La obra cuenta la historia de una tal Lisístrata (o Lisis, como la llaman en este montaje). Ella, cansada de lidiar con los males de la guerra, reúne a otras mujeres de su pueblo y a las mujeres de los pueblos beligerantes y las compromete a abstenerse de mantener relaciones sexuales con sus maridos hasta que no se declare la paz. Simultáneamente, estas chicas de armas tomar se apoderan de la ciudadela y del control del dinero. Claro que, con el control en sus manos y con el desafío de mantener la abstinencia sexual, el descontrol acecha en un bando como en el otro y hace estragos.

Trasladado a escena por esta gente, por momentos el espectáculo apela a gags al mejor estilo inocentón de Pepe Biondi. Claro que, de buenas a primeras, Lisis y sus chicas se parecen a Roxie y Velma, las protagonistas de Chicago , cuando bailan según las directivas de Bob Fosse. En otros momentos, tiene algo de El gato de Verdaguer en la versión más guarra de Roberto Pettinato. Por la energía que contagia, cierto delirio constitutivo de la obra y la resolución en lo que hace a la producción, bien podría ser un montaje del cordobés Paco Giménez. Todo esto, imaginemos, con la estética de un café berlinés decadente que acecha por ahí.

En otras escenas, el montaje es un thriller en los que las idas y venidas no disminuye en intensidad con personajes que todo el tiempo están lidiando con sus propias contradicciones, sus deseos sexuales más primarios y grandes ideales escritos en mayúscula. Todo muy licuadito, con tonos contrastados para marcar más la cosa.

El, ellas y ellos

Para que el cóctel tome cuerpo, Claudio Tolcachir, el mismo que el año pasado arrasó con los premios que están en oferta, juntó a algunos actores de los que integraron La omisión de los Coleman (trabajo que los sábados y domingos se presenta en la misma sala) y convocó a otros. Así armó una troupe de 18 intérpretes que da para todos los gustos. Coralmente, el trabajo es sumamente compacto y cada uno de ellos se suma al juego propuesto con convicción, delirio, desparpajo y talento. Y como hace unos dos meses que la obra comenzó su ruta, Lisístrata ya superó el típico proceso de ablande.

Entre el elenco es justo destacar las actuaciones de Paula Rasenberg, como Lisístrata; Inda Lavalle, como una de las chicas incontrolables, y Lautaro Perotti, como Cinesias. Estos dos últimos ya habían brillado en La omisión... y acá demuestran que aquello fue mucho más que una pegada.

El combo se completa con el diseño de luces de Omar Posemato, el vestuario de Florencia Lamanna, la música original de Federico Marrale y la coreografía de Marcelo Cartes. Cada uno de ellos hace que esta vieja casona del barrio de Boedo se convierta en la mejor caja de resonancia para este texto clásico que, a priori , puede generar cierta distancia. Por suerte, la rigurosa dirección de Claudio Tolcachir y la versión de Rodolfo Roca toman con mucho rigor y libertad la obra y montan una verdadera fiesta.

Alejandro Cruz

Fuente: La Nación

Centro de salud de prostitutas en la ciudad de La Plata

Inauguran en La Plata
Centro de salud de prostitutas

LA PLATA.- Las prostitutas de la ciudad de La Plata podrán atenderse desde hoy en un centro de salud que orientado específicamente la problemática de las trabajadoras sexuales.

Se trata del Centro Provincial Integral “Sandra Cabrera”, ubicado en las calles 1 entre 63 y 64, en plena “zona roja” de la capital provincial, que fue inaugurado hoy con la presencia del ministro de Salud bonaerense, Claudio Mate, y la secretaria general de la Asociación de Mujeres Meretrices de la Argentina (AMMAR-CTA), Elena Reynaga.

El centro, sin antecedentes en el país, nació a partir de una encuesta realizada por el Ministerio de Salud bonaerense a 740 trabajadoras sexuales (TS) de la capital provincial que reveló que más del 90 por ciento de las prostitutas no acceden al sistema de salud.

Horarios especiales

Las razones de esta inaccesibilidad están en el desfasaje entre el horario de trabajo de las prostitutas -por las noches- y la grilla de atención de los centros de salud del primer nivel, que por lo general permanecen abiertos de día. A ese problema se agrega que las meretrices tienen miedo a sentirse discriminadas.

El centro funcionará todos los días, especialmente en el horario nocturno, y estará atendido por un equipo de salud compuesto por un médico generalista, un especialista en ginecología, un especialista en infectología, un psicólogo y una trabajadora social.
El ministro de Salud bonaerense, Claudio Mate, justificó la creación del centro en la necesidad de “no tolerar la exclusión en ningún ámbito y menos la exclusión en salud”.

“Es difícil romper la rigidez del sistema sanitario. Es la primera vez que abrimos al centro de la discusión que es el sistema sanitario el que debe cambiar y preguntarse cómo hacer contacto con la gente”, reclamó. Elena Reinaga, presidenta de AMMAR, sostuvo que “es la primera vez en 12 años de existencia de AMMAR y en miles de años que existen las trabajadoras sexuales que hay una respuesta seria a este sector”.

“Cuando nos llamaron para participar del proyecto (de organizar un centro) creíamos que nos tomaban el pelo, hasta que tuvimos 2 o 3 reuniones y nos presentaron otra gente, empezamos a creer y dijimos que íbamos a ponerle toda la fuerza”, recordó.
Susana Martínez, titular de AMMAR La Plata, se mostró emocionada y destacó que “somos trabajadoras y tenemos que tener derecho como todas las trabajadoras a la salud”.

Tantanián en el Sarmiento

Alejandro Tantanian Foto: Gustavo Seiguer

Hoy se estrena Bestiario Grimm

El actor, el cantante, el director y el autor Alejandro Tantanian realiza una precisa radiografía de sí mismo. "Me gusta cruzarme de géneros. Me gusta forzarme a cierta adrenalina, creo que eso está bueno. Por ejemplo, de mi generación creo que soy el que más colaboró con un montón de gente: Luis Cano, Javier Daulte, Rafael Spregelburd, El Periférico de Objetos, Daniel Veronese, Luciano Suardi... Esa situación es lo que me mantiene en movimiento", reconoce.

Y tiene razón. Porque ha demostrado ser un excelente coequiper, un magnífico conductor de sus propios montajes y un trabajador incansable. De hecho, en estos momentos tiene en cartel Los mansos , que lleva más de un año en cartel; hoy estrena, en el Centro Cultural Ricardo Rojas, Bestiario Grimm , proyecto del cual es coordinador/curador; ensaya Cuchillos de gallina , de David Harrower, con Gaby Ferrero, Juan Minujín y Diego Velázquez, y Recital Ibsen , con Elena Tasisto y Alfredo Alcón (ambos proyectos en el Teatro San Martín). O sea, de lo alternativo al circuito oficial, desde trabajos con teatristas emergentes hasta lo más granado entre los actores de prestigio, pasando por lo experimental.

Por eso, en situación de entrevista, es complicado hacerle un reportaje porque siempre tiene tanto entre manos que es complejo focalizar en algo. Pero, por suerte, él la hace fácil y comienza hablando del estreno de hoy: Bestiario Grimm .

"La cosa lleva dos años y surgió de un curso de nueva dramaturgia que doy en la Escuela de Arte Dramático. Con los alumnos comenzamos reflexionando sobre Brecht para hacer eje en el tema del miedo. A partir de ciertas necesidades del grupo, empezamos a pensar si podíamos encontrar un objeto sobre el cual seguir pensando. Entonces se me ocurrió pensar en la idea de una serie que pudiera dividirse en tantas partes como gente. Lautaro Vilo, uno de los que hizo el curso, propuso trabajar a partir de los cuentos de los hermanos Grimm que, si bien no conforman una serie, son más de 150 y la gran mayoría está vinculada con el miedo".

Repasemos. Cuando Tantanian habla de los hermanos Grimm se refiere a los alemanes Jacob (1785-1863) y Wilhelm Grimm (1788-1859), quienes desempeñaron un inmensa labor en la filología alemana. Claro que, como pocos, también rescataron las leyendas, las historias de tradición y transmisión oral transformándolas en cuentos de consumo masivo. De última, a ellos les debemos cuentos como Caperucita Roja o La Cenicienta .

Tantanian, como la mayoría, tomó contacto con esas historias cuando era adolescente. Y en la obligada revisión que hizo para este proyecto, descubrió otras capas en la producción de estos hermanos. "Sus cuentos son tremendos. Eran una suerte de personajes muy raros, tenían una voluntad enciclopedista que era bastante afín a la época, fueron una especie de bisagra entre el iluminismo y el romanticismo", cuenta.

A partir de leer una y otra vez sus libros, tomaron medidas necesariamente caprichosas para darle a forma a esta colección de animales performática. Lo explica él: "Lo que se verá son nueve microsituaciones que no llegan a construir un relato. La cosa dura casi dos horas. Comienza con dos obritas en la sala Pujato, luego se pasa por una instalación en el hall del Rojas para terminar en la sala Batato Barea, en donde se presentarán las últimas seis obras".

Cada obra fue realizada a partir de quince textos "grimmianos". "El chiste es que si uno ve el espectáculo entero estarías viendo los 150 y pico de cuentos de los Grimm. Lo cual es falso pero da un idea de totalidad", apunta. Los responsables de cada una de estas situaciones son Paula Bartolomé, Ximena Espeche, Milagros Ferreyra, Ariana Harwicz, Pablo Iglesias, Bea Odoriz, Sol Pérez, Mónica Salerno, Lautaro Vilo y Susana Villalba. Ellos harán estas ocho únicas funciones del Bestiario Grimm en el Rojas.

De un recital y un cuchillo

Mientras ese proceso de investigación llega a su fin, Alejandro se encierra en el Teatro San Martín porque allí ensaya dos montajes. Cuchillos en gallinas , obra de David Harrower, un proyecto suyo que, como dicen los canales, se estrenará "próximamente". Por otra parte, Recital Ibsen (fragmentos, cartas y misceláneas) es un espectáculo dedicado al dramaturgo noruego en el año del centenario de su muerte. Tantanian pone especial énfasis en poner en caja a este último proyecto que se estrenará el 3 de octubre. "Como Un enemigo del pueblo no pudo hacerse por cuestiones presupuestarias -explica-, Kive Staiff, director del Complejo Teatral, me convocó para hacer algo en relación a Ibsen. Será algo casi informal. Para la dramaturgia llamé a Nicolás Schuff, que tiene especial debilidad por el trabajo de Ibsen, y armamos algo. Como Ibsen no es muy conocido, buscamos también materiales periféricos, algunas cartas, escenas emblemáticas de sus obras y construimos un texto. Va a ser una lectura de esos materiales con la presencia y la magia que tienen Alfredo Alcón y Elena Tasisto. Eso alcanza".

Amante de los actores, Tantanian suele convocar a intérpretes de enorme talento. Es lo que hizo en Los mansos y lo que planea hacer en Cuchillos en gallinas , producción que ya tuvo algunos cambios en los planes originales. "Inicialmente, la actriz iba a ser Analía Couceyro, pero como la producción tuvo muchísimos problemas, ella no pudo. Ahí apareció Gaby Ferrero, que es un actriz que adoro."

-Con ninguno de ellos habías trabajado, ¿por qué los llamaste?

-Tenía ganas de probar. Por lo pronto, los admiro. Diego Velázquez y Juan Minujín tienen un acercamiento a la actuación muy distinto a mis formas. Ellos son muy físicos y yo hago algo que pasa por otro lado, por eso me gustaba el desafío de hacer algo juntos. Y está bueno porque, para mí, la obra está exactamente en tensión entre una fuerza profundamente material, como de tierra, y algo muy espiritual, como de aire. Por eso necesitaba a esos actores.

-¿Cómo es estar dirigiendo a dos elencos tan distintos entre sí en lo generacional, la formación y sus implicancias en el medio?

-Teniendo en cuenta que son experiencias muy diferentes, Cuchillos... es algo más complejo por el tipo de material. Pero cuando trabajo ocupo un lugar muy horizontal. Cada vez llego al primer ensayo sabiendo un montón de cosas sobre la obra pero pensando casi en nada en lo que voy a hacer. Claro que cuando Alcón o Tasisto leen un relato lo increíble es que empezás a ver absolutamente todo lo que está en el texto. Claro, son ellos... Pero tampoco pasa por quedarme mirándolos y aplaudir. Hay una zona en la que tenés que cruzar cierta barrera que uno tiene con uno mismo. Y cuando sentís que empezás a probar, empezás a jugar. Y eso es siempre igual, no hay con qué darle.

Y sean sus compañeros de Bestiario Grimm , el mismo Alcón, sus tres actores de Cuchillos en gallinas y el intenso terceto de Los mansos , él, Alejandro Tantanian, juega sus mejores cartas y hace más fácil aquello que parece sumamente complejo.

Por Alejandro Cruz

Fuente: De la Redacción de LA NACION

DIEGO TORRES FILMÓ UN VIDEO CLIP EN BERISSO.

Diego Torres Abriendo Caminos (C) 2006 SONYBMG Music Entertainment (Argentina ) S. A.

“Abriendo Caminos” de Diego Torres y Juan Luis Guerra

Letra de la cancion “Abriendo Caminos” de Diego Torres y Juan Luis Guerra

Voy abriendo caminos para dejarte
Las cosas buenas que aprendo mientras camino mis calles

Me llevare
Las buenas luces que tiene la gente
Que me iluminan la vida y me regalan mi suerte

[Como un rio que camina hacia el mar]

Quiero ver la risa del sol por las mañanas
Que venga siempre a golpearnos la ventana
Yo quiero un sol, yo quiero un sol que me acompañe
Hablando siempre de frente, tirando todo lo malo

Voy abriendo caminos para encontrarte
En este mundo perdido tambien hay buenos amigos

Y me llevare
Las buenas luces que tiene la gente
Y cuando me sienta solo me cuidaran para siempre

[Como un rio que camina hacia el mar]

Quiero ver la risa del sol por las mañanas
Que venga siempre a golpearnos la ventana
Yo quiero un sol, yo quiero un sol que siempre me acompañe
Hablando siempre de frente, tirando todo lo malo

[Como un rio que camina hacia el mar]

Saca el dolor afuera, y no te quedes a esperar

[Como un rio que camina hacia el mar]

Ríe, llora
Que aun queda mucho por andar.

Y anunque en el mundo hay personas tan grises
Hay otras que no paran de brillar.

En esta vida que se me termina
No quiero ya dejarte de cantar

[Como un rio que camina hacia el mar]

Saca el dolor afuera
Y no te quedes a esperar

[Como un rio que camina hacia el mar]

Ríe, llora
Que aun queda mucho por andar

[Como un rio que camina hacia el mar]

Ojala que llueva cafe en el campo

[Como un rio que camina hacia el mar]

Saber que se puede, querer que se pueda, sacarlo todo pa’ fuera.

[Como un rio que camina hacia el mar]

Cuando tu cantas conmigo Juan Luis, ay me sube la bilirrubina a mi

[Como un rio que camina hacia el mar]

Pero deja Diego que tus sueños sean olas que vienen y van

[Como un rio que camina hacia el mar]

Quisiera ser un pez y no perderme en este mar

[Como un rio que camina hacia el mar]

Y a pesar de los errores tratare de estar mejor

[Como un rio que camina hacia el mar]

Visitá cualquiera de estos links y vas a encontrar un video de Diego Torres con Juan Luis Guerra filmado en la Calle Nueva York de Berisso.

http://www.youtube.com/watch?v=YijW-BQh7qY&feature=fvst

http://www.diegotorres.com/video/abriendo_camino.html

BERISSO, Julio 27, 2006 (PUNTO CERO) La tradicional calle Nueva York de la localidad de Berisso será escenario de un nuevo video clip del artista Diego Torres, que llegará este jueves (27 de julio) para filmar algunas escenas de las imágenes que incluirá el video de su último corte “Abriendo caminos”. Los lugares fueron elegidos por la productora Mashinima Grupo Audiovisual, con la coordinación de logística y la tramitación de permisos para rodar por parte de BA Film, la Comisión de Filmaciones del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Entre las 7 y las 18, siete locaciones berissenses verán alterada su vida cotidiana con un gran despliegue de cámaras, técnicos y equipos audiovisuales. Las escenas que se filmarán, dirigidas por el realizador Facundo Españon y encabezadas por Diego Torres, buscan retratar con una estética documental, imágenes costumbristas de barrio. Por eso se eligieron, entre otros sitios, el Bar Open, el Bar Inglés y distintas veredas y frentes de domicilios privados de la zona, que se destacan por su colorido y tipo de construcción.

El video clip llega a rodarse en Berisso como resultado del contacto entre la productora y BA Film, la Comisión de Filmaciones del Instituto Cultural, que brinda asistencia gratuita a las producciones que se asientan, o pretenden hacerlo, en el territorio bonaerense y promueve las potencialidades paisajísticas y productivas de sus locaciones y de la Provincia.
El rodaje del video clip, como ocurre en todos los casos asistidos por BA Film, generará, además, un inversión directa en la zona a través del alquiler de lugares, contratación de equipos técnicos, servicio de catering y convocatoria de extras.

En este caso, la productora que realizará el video clip, fue asistida por BA Film en la elección de los mejores lugares del territorio bonaerense, de acuerdo a las imágenes y locaciones que se buscaban, y además, en la logística de producción. Las asistencias, la principal característica de las comisiones de filmaciones de todo el mundo, son una herramienta de gran importancia para todos los productores audiovisuales ya que facilita el proceso realizativo.

La Comisión de Filmaciones de la Provincia de Buenos Aires fue creada en 2003 y ya asistió a más de 60 producciones cinematográficas y audiovisuales, trabajando con las más importantes productoras y directores de la Argentina y el exterior; entre ellas, el film “Tatuado”, de Eduardo Raspo; “Maradona”, de Emir Kusturica; “Familia Rodante”, de Pablo Trapero y publicidades como la reciente de la empresa Coca Cola para el Mundial Alemania 2006. (PUNTO CERO).

Fuente: puntocero

Ciclo de Nueva Dramaturgia

Nadar perrito - Andrea Garrote

TEATRO SEMIMONTADO

Presentado por el Goethe-Institut y las Embajadas de Austria y Suiza, con el apoyo de Pro Helvetia.

desde el lunes 28 de agosto hasta el martes 3 de octubre
lunes y martes 20hs.
Goethe-Institut | Corrientes 319
entrada gratuita | se podrán retirar hasta dos entradas por persona desde una hora antes de cada función

El Ciclo de Nueva Dramaturgia busca continuar con la línea de investigación de su antecesor, 4x4. Como su nombre lo indica, no es tanto el montaje final lo que importa sino más bien la exploración por parte de directores argentinos de textos que se inscriben en la nueva dramaturgia contemporánea de habla alemana. En esta primera edición, que el Goethe-Institut organiza en conjunto con las Embajadas de Austria y Suiza, y que cuenta con el apoyo de Pro Helvetia, se presentarán en formato semimontado las siguientes obras:

Programa
*lunes 28 y martes 29 de agosto
Nadar perrito de Reto Finger por Andrea Garrote
charla abierta con Reto Finger al finalizar la función. Presentado por la Embajada de Suiza y Pro Helvetia

"Nadar perrito no es la manera más segura, efectiva o estética de nadar para un ser humano. Es lo que hacemos cuando aún no hemos a aprendido ningún estilo o cuando ya no damos más", dice la actriz y directora Andrea Garrote, "toda la obra es atravesada por un triste humor que nos plantea alguno de los siguientes interrogantes: ¿Es la indiferencia una estrategia efectiva para anestesiar todo lo que se supone que nos podría doler? ¿Y la huida del mundo? ¿De la preocupación por el sustento, por el cuerpo, por la propia vida, es una opción?"

Nadar perrito (S. Fischer Verlag) es una pieza del dramaturgo suizo Reto Finger (1972), quien llegará en agosto a Sudamérica para participar del Festival de Nueva Dramaturgia Europea en Santiago de Chile. De paso por Buenos Aires, asistirá al montaje de su texto en el Goethe y dialogará con el público.


*lunes 4 y martes 5 de septiembre
SEX de René Pollesch por Luciano Cáceres

Dice Luciano Cáceres: "Según René Pollesch, Sex no es una obra de teatro. Es un texto que debe ser usado como instrumento. Fue escrito para Sophie, Caroline e Inga, tres actrices de su compañía que compartían este discurso desde el deseo. Nuestro trabajo es que Dolores (Ocampo), Ideth (Enright) y Cecilia (Rainiero) deseen decir este texto. Con esta premisa el Instituto Goethe nos convoca a trabajar en un proyecto en tres etapas: una primera instancia de intercambio entre el autor y el equipo argentino en Buenos Aires, la realización de este semimontado que nos permita poner a prueba procedimientos que se consolidarán en la tercer etapa: un montaje definitivo programado para el mes febrero de 2007 en ELKAFKA espacio teatral."

La obra Sex, según Mae West (editorial Rowohlt) es una adaptación libre del alemán René Pollesch (1962), quien a tiene a su cargo nada menos que la sala Prater del teatro Volksbühne de Berlín y que en mayo pasado visitó por primera vez la Argentina.

*lunes 18 y martes 19 de septiembre
Tiempo para amar, tiempo para morir de Fritz Kater por Mariana Chaud

"Pienso que el texto da cuenta de una dramaturgia muy personal que resulta a la vez triste y graciosa. Hasta ahora el encuentro con esta obra me genera bastante desconcierto y diversión al mismo tiempo", confiesa Mariana Chaud acerca de esta historia grotesca y dialéctica que da cuenta de una preocupación recurrente de su autor, el alemán Armin Petras: la división de Alemania.

Con esta obra publicada por Henschel Schauspiel Verlag, el alemán Petras (1964) -alias Fritz Kater- se llevó en 2003 el famoso premio de Nueva Dramaturgia del Festival de Mühlheim, el más reconocido de Alemania.

*lunes 25 y martes 26 de septiembre
Queremos al mesías ya, o la familia acelerada de Franzobel por Matías Feldman. Presentado por la Embajada de Austria

"En la obra de Franzobel conviven la claridad y la simpleza en el relato con un grotesco y barroco uso de los diálogos. Esta combinación es la que más me interesó a la hora de elegirla", asegura Matías Feldman (...), "Mesías en un principio nos pareció hecha para ser montada en los grandes teatros europeos, con enormes presupuestos, pero poco a poco descubrimos sus posibilidades y virtudes en el transcurso de los ensayos. Decidimos trabajar en pos de esa simplicidad del relato, esa claridad casi infantil: frontal, legible, pero a la vez oscura y brutal", dice Matias Feldman sobre esta obra publicada por el Passagen Verlag.

Galardonado con numerosos premios como el Ingeborg Bachmann en 1995 y el premio al humor grotesco de la ciudad de Kassel en 1998, la medalla Brecht en 2000 y el premio Adalbert von Camisso en 2005, el austríaco Franzobel (1967) es uno de los autores jóvenes del momento en Europa.


*lunes 2 y martes 3 de octubre
Las neurosis sexuales de nuestros padres de Lukas Bärfuss por Fernando Rubio. Presentado por la Embajada de Suiza y Pro Helvetia

"Las neurosis sexuales de nuestros padres" ( editorial Hartmann & Stauffacher) despliega, a partir de una situación trágica, un concadenado de abusos y costumbres silenciados por una idiosincrasia del poder que habita todos y cada uno de los espacios de relación y filiales", dice Fernando Rubio sobre el texto que tiene a su cargo. Nacido en Zuiza, el autor Lukas Bärfuss (1971), fue elegido por la revista Theater Heute "autor dramático del año" en 2003. En el mismo año, la puesta europea de Las neurosis... fue invitada al Festival de Teatro de Mülheim. En la edición 2005 de ese festival, Bärfuss se llevó el primer premio por su última obra Der Bus.

Obras que forman parte del evento

>	Sex Autor: René Pollesch - Director: Luciano Cáceres

Web: http://w.goethe.de/buenosaires
Fuente: alternativateatral

El actor y director argentino, residente en Francia, presentó tres espectáculos que giran en torno a Copi.

EN AVIGNON. Marcial Di Fonzo Bo supo lucirse en el festival con obras de su admirado Copi. El argentino es un personaje en Francia. (AFP)

Marcial Di Fonzo Bo está sentado en un jardín de Avignon y enseguida uno se da cuenta de que este muchacho, con su extraña dulzura, su elegancia, su parte de niño inmediatamente perceptible, personificó por sí solo al Festival de Avignon 2006, abierto este año a los vientos de todos los países.

Marcial Di Fonzo Bo y la troupe des Lucioles (Compañía de las Luciérnagas) presentaron en el Festival tres espectáculos en torno al escritor argentino Copi, en una vertiginosa exploración del tiempo y el espacio del teatro que lleva al público tras los pasos de una misteriosa cosmonauta llamada Loretta Strong, lanzada al vacío intersideral.

Viajes y exilios: como Copi, el argentino de París, muerto en 1987 a los 48 años, la vida de Marcial Di Fonzo Bo quedó definida por la partida de su Argentina natal. Esta se produjo también en 1987. Tenía 19 años y un pasaje sin retorno. Llegó a París un día de diciembre, unos días antes de la muerte del autor, a quien no conocía. Como si la vida le hubiera dado una pequeña señal, que recordaría más tarde.

“El exilio es un período de la vida en el que el hombre se abre a la libertad” le gusta decir a Marcial Di Fonzo Bo citando a Copi, siempre Copi, que lo acompaña desde entonces. Casi como una brújula que indica el rumbo, el de una imaginación viva y sutil.

“Este año, me di cuenta de que había pasado la mitad exacta de mi vida en la Argentina y la otra mitad en Francia: diecinueve años en cada una” señala el joven actor con aire soñador. “Pero parece —dice— que los años de infancia cuentan doble”.

La infancia es la Argentina, y más exactamente Buenos Aires, una ciudad abierta al mundo por excelencia. “Es un puerto —la define— que se fundó sobre una mezcla de culturas, con una inmigración importante entre las dos guerras”. Dice que, en los recuerdos de su niñez, siempre hay algo vinculado a otra cultura, en todos los aspectos de la vida cotidiana, “ya se tratara de la comida o de la atmósfera tan diferente de los barrios de la ciudad”. Marcial creció en Palermo, un barrio popular y de clase media, en el piso 18 de una torre. El padre es algo crápula, algo poeta: la familia, de origen italiano, a veces debe mudarse en medio de la noche.

El teatro es su madre, que se va cuando él tiene 6 años. El tío y la tía maternos, Facundo y Marucha Bo, habían emigrado a Francia en 1968, el año de su nacimiento. Marcial se reencontrará con todo ese pequeño mundo, que vive y trabaja en el grupo TSE de Alfredo Arias, en 1987. Entretanto, es un chico que sueña frente a las fotos, los afiches o los discos que llegan de París. “Era mágico. Recuerdo sobre todo las imágenes de Luxe, uno de los espectáculos cultos del grupo TSE”.

Un chico que sueña y tiene ganas de pelear. El fin de los años 70 y el comienzo de los 80 son también la época de “la guerra sucia” y aunque nadie de su familia sufrió directamente la dictadura, Marcial Di Fonzo Bo guarda el recuerdo de un “clima de plomo”, con una presencia militar y policial obsesiva en la ciudad, con detenciones incesantes y miles de exiliados. “Yo era un adolescente bastante vital, bastante deslenguado. Crecí con la idea de partir”.

Entretanto, empieza a hacer teatro, desde los 14 años, como algo que no podía ser de otra manera. “Nunca imaginé hacer otra cosa” se sonríe. Para él, el teatro siempre fue “un lugar de resistencia”. Formó parte de una familia teatral muy comprometida políticamente, afín a las ideas del Living Theatre, grupo experimental estadounidense creado a comienzos de la década del 50. “Nos dejaban más o menos tranquilos: nuestro trabajo era demasiado confidencial” para constituir una prioridad para la policía o los militares.

“No entré al teatro por las lentejuelas” agrega, él que, como Copi y con Copi, practica con una soltura desconcertante la subversión por las lentejuelas. Una manera de “mirar la vida desde lo alto de sus tacos altos”. Quizá bajo la influencia lejana de otro género del espectáculo típicamente argentino, el de las revistas encabezadas por grandes cómicos, muy populares y suficientemente poderosos para permitirse atacar en público a la junta militar.

En 1987, por fin la partida. Marcial Di Fonzo Bo se encuentra en París con la familia materna y empieza a trabajar con Alfredo Arias. Ejerce todos los oficios: asistente, iluminador, utilero e incluso vestuarista, como su madre. Después vienen el deseo de “cruzar otras familias de teatro”, la escuela de Rennes y la creación, por los alumnos de esa promoción, del Thé»átre des Lucioles, ni una troupe ni una compañía en el sentido clásico del término, sino una especie de plataforma que vuelve a colocar al actor en el centro del teatro.

Marcial invoca a Pier Paolo Pasolini. “En un artículo, Pasolini dice que, con el nuevo siglo, se predice la desaparición de las luciérnagas a causa de la evolución de las condiciones meteorológicas que, a su vez, se deben a la actividad de las multinacionales. Se pregunta sobre la utilidad de las luciérnagas y sobre la de las multinacionales. Nosotros queremos ser esas luciérnagas que lograrían sobrevivir al nuevo siglo…” Desde entonces, Les Lucioles se ha convertido en una de las aventuras teatrales más apasionantes de los últimos años en Francia, llevada adelante por la energía, el deseo de juego y de expresión de estos hijos de los años 70, que se sienten herederos del espíritu gozoso y libertario de aquella época. Para el actor Marcial Di Fonzo Bo, también hay grandes papeles con directores consagrados como Matthias Langhoff, Claude Régy o Luc Bondy. Papeles que sostiene con su presencia intensa y poética.

“El teatro sigue siendo para mí el lugar donde todavía se puede comentar el mundo” dice, tranquilamente instalado en su identidad de exiliado. Conserva su pasaporte argentino. Odia los trámites, las citas en la jefatura de policía, los enredos administrativos, pero se empeña en seguir siendo un extranjero.

La mirada única de Copi

Cuando comenzó a firmar sus trabajos, Raúl Damonte —nacido en Buenos Aires en 1939— decidió llamarse Copi, como lo nombraba su madre, que era la hija menor de Natalio Botana. En 1962, Copi se instaló definitivamente en París para formar parte del grupo Pánico, en el que también estaba Fernando Arrabal. Vendió dibujos en la calle y mucho después llegó a tener una tira semanal en Le Nouvel Observateur donde creó ese personaje célebre e inquietante, La Mujer Sentada. Escribió doce obras teatrales, incluido el sainete Cachafaz, pieza que se estrenó tras su muerte.

Fuente: La argentinidad al palo

Un "Tío Vania" conmovedor

"Espía a una mujer que se mata" . Autor: Daniel Veronese. Versión de "Tío Vania" de Antón Chéjov. Intérpretes: Osmar Nuñez, María Figueras, Claudio Quinteros, Fernando Llosa, Silvina Sabater, Marta Lubos, Julieta Vallina. Diseño de escenografía: Daniel Veronese. Diseño de luces: Sebastián Blutrach. Asistencia de dirección: Felicitas Luna. Dirección: Daniel Veronese. En El camarín de las musas.

Nuestra opinión: muy bueno

La nueva experiencia teatral del autor y director Daniel Veronese vuelve a tomar como punto de partida una pieza de Chéjov (su anterior investigación fue "Un hombre que se ahoga", a partir de "Las tres hermanas") y dos ejes dan forma a su trabajo. Por un lado coloca, una vez más, su mirada sobre seres que crecen en un profundo marco de indefensión y, por otro, reflexiona sobre la representación teatral haciendo especial hincapié en la actuación.

La escenografía de un espectáculo anterior "Mujeres soñaron caballos" sirve de marco para esta relectura del "Tío Vania". Los seres que juegan dentro de ella poseen algunas cualidades similares. Han pasado algunos años de aquel estreno (aunque la obra se ha repuesto y mantenido en cartel), pero los personajes no han terminado de superar sus dificultades. Ahora han mudado de nombres pero, cuando hablan, siguen dando cuenta de una profunda desesperanza.

Vania, Sonia, Astrov, Serebriakov y Elena han atravesado algo más de un siglo con sus conflictos y encajan perfectamente en esta contemporaneidad. Tal vez por ello Daniel Veronese necesite, por momentos, imponerles comentarios que tienen que ver con el teatro, con ese lugar donde los personajes -hombres y mujeres- expresan sus sueños, temores y esperanzas con el fin de ¿ayudar? a los espectadores en sus búsquedas de verdad.

Que extraño resulta que Serebriakov, el administrador, quien ha marcado con fuerza la conducta de Vania y Sonia a través de sus especulaciones, sea en esta puesta un profesional del arte que cita a Alexander Ostrovsky y a Constantín Stanislavsky, ambos influencia directa en el teatro chejoviano. El primero enseñándole, quizá, que puede abrevar en seres desprotegidos, pequeños en apariencia, pero cargados de un mundo que merece ubicarse en el centro de la escena; el segundo, mucho más tarde, ayudando a iluminarlos desde la interpretación.

Veronese observa y reflexiona sobre eso, cruza influencias, historias de países, personajes a los que aporta nueva carnadura, bucea en el teatro contemporáneo, también, y descubre en las dos criadas de Jean Genet un sabroso material por explorar y viste con algo de sus ropas a Vania y a Astrov, con muy destacados resultados. Lanza todo eso a su espacio. La síntesis, un espectáculo inquietante que deja muy en claro no sólo la conflictiva de Tío Vania, sino a un entorno también convulsionado que sobrevive sin certezas, sin sueños; sabiendo - y hasta lo experimentan- que existe la pasión, la rebeldía. Pero imposibilitados de que ellas los modifiquen verdaderamente. Cuánto les cuesta la vida entonces y cómo hacer desde un escenario para dar trascendencia a unos actos que los reflejen y desde la pura verosimilitud.

Un magnífico elenco toma a su cargo ese desafío. Los resultados son una acabada muestra dramática donde la teatralidad aflora de continuo. Algunas escenas son la precisa síntesis de esta investigación, como todas las que juegan Vania (Osmar Núñez) y Astrov (Claudio Quinteros), Serebriakov (Fernando Llosa) y Vania, Elena (Julieta Vallina) y Astrov. La desprotección de Sonia (María Figueras) resulta sumamente conmovedora, como las figuras de Teleguín (Silvina Sabater) - sus intervenciones aportan una rica cuota de humor - y María (Marta Lubos) un ser muy pequeño que la actriz impone con fuerte presencia.

Si por un lado esta investigación sobre el Vania chejoviano posee una profundidad que puede deparar fuertes análisis, sus resultados sobre el espacio son sumamente vitales y la historia fluye con una singularidad tal, esos personajes son tan ricos, que el espectador solo deberá dejarse llevar por ellos y saldrá de la sala con muchas ganas de soñar un mundo mejor.

Carlos Pacheco
Fuente: La Nación

No hay rumbo, laura valencia

Una casa... Una dérive, ceder a los impulsos y luego torcerlos...
Recorrer y develar lo que sea.
Un modo de homenaje a los narradores argentinos en cuyos libros, releídos una y otra vez hemos navegado sin rumbo fijo.
Universos únicos de los que nos resistimos a salir, sin dejar al menos una huella en cada una de estas paredes.
El recorrido invita a descifrar posibles lecturas.

Ficha técnico artística
Actúan: Delia Aguinaga, Anahí Carnevale, Luciana Lima, Cabe Mallo, Aurelia Osorio, Patricia Ríos, Marina Taconi, Roberto Tettamanti, Juan Pablo Thomas.
Música: Diego Madoery
Fotografía: Enzo Brutti
Asesoramiento literario: Cabe Mallo, Patricia Ríos, Esteban Rodríguez
Asesoramiento técnico: Diego Madoery
Asistencia general: Mariana Paccotti, Luz Rubio
Dirección: Laura Valencia

En el marco de los festejos de los 10 años de La Fabriquera
Noviembre y Diciembre 2005
Mayo, Junio y Julio 2006

Fuente: La Fabriquera

"Decibel": Mucho ruido y pocas nueces

Por IRENE BIANCHI

"Decibel", con Juan Bozzarelli, María Laura Albariño y Emilio Ruperez. Música original y sonido: Diego Madoery. Escenografía: Julieta Sargentoni. Vestuario: María del Carmen Butler. Asistencia artística y voz en off: Federico Aimetta. Asistente de dirección: Nélida Otero. Dramaturgia y dirección: José Canevaro. Sala Astor Piazzolla del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino, calle 51 entre 9 y 10.

El sistema nervioso de "Juan" (Bozzarelli) ha sido sistemáticamente minado por la implacable invasión sonora a la que parece haber estado sometido a lo largo de su vida. Ruidos de máquinas, de artefactos, de motores, de colectivos, de tornos, de turbinas, chirridos irritantes, odiosos zumbidos, que lo obligan a aislarse, a encerrarse, a protegerse de la hostilidad del entorno, que lo agrede sin prisa y sin pausa, impiadosamente.

Su vida es gris, chata, rutinaria, monótona, como un engranaje más de esas máquinas que lo atormentan. El subsuelo en el que vive con su mujer, y la oficina del taller donde trabaja, comparten esa monocromía deslucida, marchita, desabrida como la comida que ingiere, insípida e intrascendente como sus vínculos. El tecleo de su máquina de escribir resulta inofensivo comparado con los ensordecedores ruidos de su entorno.

Juan no vive; más bien vegeta, dura, o tal vez sueña que vive, y su sueño es tan sombrío como su existencia. Su mujer, Nina (Albariño) y su amigo, Besarión (Ruperez), son los personajes secundarios de su vida-sueño, víctimas y victimarios, como el propio Juan.

Más allá del germen interesante y prometedor que derivó en esta "creación colectiva", la idea de "Decibel" no se desarrolla plenamente, y queda en un boceto, un borrador al que le falta carnadura, progresión, "crescendo". Termina donde podría empezar. Todo resulta plano, pobre desde el punto de vista dramático, más allá de la lograda ambientación y algunos certeros efectos de puesta en escena. Al faltar una estructura, un marco bien delineado y potente que los contenga, los personajes deambulan sin rumbo y no evolucionan. La historia se estanca, y con ella, el interés que pueda suscitar.

Por otra parte, el ruido que aturde y tortura a Juan, hace lo propio con los espectadores, cuya tolerancia auditiva se pone a prueba sin necesidad alguna.

Al salir de la Sala Piazzolla uno podría apreciar la muestra de la Sala Pettoruti "Convivencia y Desarme" (esculturas realizadas con armas de fuego). Podría, digo, si los encargados del lugar no se apresuraran a apagar las luces prestamente, como sutil indicación de que el público debe hacer "mutis por el foro".

Al subir a tientas las escaleras (aunque siempre es más peligroso bajarlas), uno se pregunta si -en lo que respecta a las muy estrictas medidas de seguridad post-Cromañón vigentes -se medirá con la misma vara a las salas privadas y a las oficiales.

Pero mejor no distraerse. Lo importante es llegar sano y salvo a la salida.

Fuente: El Día