La Casa Curutchet, un perfecto escenario artístico

El interior de la famosa vivienda platense sirvió para una producción de fotos con artistas locales.

La denominada Casa Curutchet está de moda, y no es algo malo, sino todo lo contrario. Famosa en la ciudad, y de importancia en la arquitectura mundial, también es cierto que, aunque la hayan oído nombrar, muchos platenses no tienen claro de qué se trata.

De hecho, hay quienes la asocian inmediatamente con el recientemente estrenado filme nacional El hombre de al lado, dirigido por Mariano Cohn y Gastón Duprat, y protagonizado por Daniel Aráoz, que se desarrolla en el interior de esta curiosa vivienda platense.

Ahora, es un reconocido fotógrafo local el que también se interesó en ella para rendir homenaje a la cultura de nuestra ciudad a través de un interesante producto estético en el que destacados artistas posan en distintos ángulos de sus instalaciones.

Cabe mencionar que la vivienda está ubicada en el boulevard 53 entre 1 y 2 de nuestra ciudad, y fue diseñada por el arquitecto suizo Le Corbusier, por encargo del médico cirujano Pedro Curutchet, que quería una casa en la que pudiera trabajar y vivir con su familia, y en la que los espacios y la luz natural se aprovecharan al máximo. El reconocido arquitecto mandó los planos a fines de la década del ‘40, y la construcción se realizó entre 1949 y 1953. La Casa Curutchet es su única obra en América Latina, y jamás vino a conocerla.

Su interior resultó un escenario perfecto para el fotógrafo y artista audiovisual José Luis Mac Loughlin, que convocó en las últimas semanas a poetas, músicos, escultores, pintores, dramaturgos y bailarines para que posen en distintos lugares de la vivienda, que, dicho sea de paso, será declarada el año que viene Patrimonio Mundial por la Unesco.

Un detalle de la producción es que las fotos fueron tomadas en blanco y negro con una cámara de la década del ‘50, para estar más cerca, temporalmente, del momento en que fue construida la casa.

Los artistas convocados son: el Mono Isaurralde (músico), César López Osornio (pintor), Pablo Ledesma (músico), Febe Chávez (actriz), Xavier Kriscautzky (fotógrafo), Tato Finocchi (músico), el Vasco Alzugaray (pintor), Raúl Andrioli (titiritero), Martín Raninqueo (músico), Diego Aroza (actor), Juan Pezzani (escultor), Rubén Monreal (actor), Cristina Terzaghi (artista plástica, muralista), Lido Iacopetti (pintor), Rocambole (ilustrador), Bernardo Teruggi (director de orquesta), Eduardo Zabalet (artista plástico, inventor), Horacio Gramaje (músico), Jorge Semilla (fotógrafo), Quique Roca (músico) y Ricardo Dalla Lasta (escultor).
Cada una de las imágenes será exhibida en el mismo lugar de la casa donde fue retratado el artista.

“Las fotos quedarán a modo de impronta, de huella que cada personaje dejó en la ciudad, porque la cultura es eso: cultivar, cosechar, arar la tierra. Y muchos hombres y mujeres han abierto surcos nuevos y han sembrado aquí su semilla”, señaló Mac Loughlin.

También, como cierre de la producción audiovisual, el fotógrafo proyectará las imágenes finales sobre la arquitectura de Le Corbusier, como una suerte de doble homenaje: por un lado, a quien fue uno de los máximos exponentes de la arquitectura; y, por el otro, a los grandes gestores de la cultura platense.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-111701

El beso mas icónico de la historia

El beso mas iconico de la historia: el 14 de Agosto de 1945 la segunda guerra terminó y en Estados Unidos salieron a las calles a celebrarlo, esta fotografía tomada por Alfred Eisenstaedt retrató este momento histórico y marcó la historia para siempre.

Fuente: http://globbos.com/10-besos-mas-importantes-de-la-historia/

Invisibles, una muestra fotográfica para pensar sobre la realidad que nos asedia

En el Centro Cultural Islas Malvinas

26-06-2010 / Se trata del primer trabajo de Clarisa Gogenola, que se exhibirá hasta el 22 de julio

El pasado viernes quedó inaugurada la muestra fotográfica Invisibles, un documental que retrata a la comunidad de trabajadores de una plantación, a sus hijos y a aquellos seres que, para gran parte de la sociedad, "no existen", según las palabras de su gestora, Clarisa Gogenola.

A través de la mirada de esta artista, el Centro Cultural Islas Malvinas (17 y 51) brinda el espacio hasta el 22 de julio para que más de 26 retratos sean exhibidos en sus instalaciones y otras tantas fotografías sean admiradas por los visitantes del MUGAFO.

"Esta selección de imágenes intenta ser una mirada particular sobre la cotidianeidad que nos rodea, volver perceptible lo imperceptible. Fue en la búsqueda de esa mirada original y arriesgada que me topé con Los Invisibles, aquellos hombres que transitan el día a día, que recorren las polvorientas calles del ámbito rural, que trabajan dejando las huellas del sol y del frío. Son aquellos hombres que levitan como seres espirituales, seres invisibles al egoísmo de sus hermanos latinoamericanos, que están llenos de afectos, de historia, de un complejo entramado de relaciones, que este trabajo busca plasmar", comentó Gogenola a Diagonales.

–¿Todos los retratados son de los "invisibles"?

–Sí, aquellas personas que he retratado pero que son invisibles para la sociedad, porque no tienen un rol importante para la comunidad, o mejor dicho, la sociedad los ignora. Invisibles por eso.

–¿Fue un trabajo paulatino o propio para esta ocasión?

–Siempre me gustó hacer retratos y ya en años anteriores, la directora de la escuela con la que también trabajé en Bavio, me había invitado a retratar a los quinteros porque ella tiene mucho contacto con la gente de las quintas. Habíamos estado mirando un poco el panorama y yo me había quedado enganchada con el tema. Cuando me decidí a hacer el trabajo empecé a ver si me gustaba, comencé a ir a las quintas, después me enganché para ir a la escuela, seguí compartiendo momentos con la gente y retratándolos.

En la muestra colgamos lo que es el trabajo en la quinta y pusimos cajones para la exposición con el resto de las fotos que quedaron sin colgar.

–¿Cómo artista qué buscó rescatar con este trabajo?

–Esta muestra intenta ser un reflejo de cómo resiste una institución, de cómo resiste la escuela pública, alejándola poco a poco de su rol educativo, para volverla cada vez más un centro de contención, un comedor, un lugar donde los niños encuentran los brazos de la solidaridad necesarios, para huir del mundo del trabajo de sus padres, donde la explotación y la marginación, los asechan. Además esta selección de imágenes busca construir un nuevo espacio para la memoria, para analizar, debatir y actuar con mejor criterio los actos comunes de nuestra realidad, esa realidad que compartimos con otros tantos ciudadanos y que muchos ignoran.

Los invisibles son aquellos hombres que diariamente vemos pero nunca nos detenemos a mirar. Y con esta muestra intento detener estas imágenes, el tiempo, congelar sus miradas y observarlos. Que podamos descubrir a partir de ello, miles de situaciones posibles como la historia de los pueblos originarios que llevan en sus espaldas.

–¿Y a nivel personal?

–Significa mucho a nivel personal. Conocer a esta gente, ver otra realidad, y además si yo se lo puedo mostrar a otra gente, hacerlo visible y a la gente le genera algo, es demasiado. Está buenísimo poder mostrar lo que yo hago.

–¿Cuántas fotografías expone?

–Hay veintiséis fotos colgadas y en los cajones hay alrededor de cincuenta. Las fotos son de 20 x 30 y están montadas en 37 x 50.

–¿Tiene pensado seguir con otro tipo de exposición?

–La muestra está pautada para estar abierta durante un mes. Y mi idea es seguir sacando fotos, porque es lo que me gusta, mi vocación. Me gusta mucho hacer retratos y tocar el tema de la pobreza y la exclusión y si se diera la posibilidad de seguir exponiendo, encantada, lo seguiré haciendo siempre y cuando las posibilidades económicas me lo permitan.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-96414-medios-122-Invisibles-una-muestra-fotografica-para-pensar-sobre-la-realidad-que-nos-asedia.html

El arte de la perfección

Patti Smith, 1976. © Robert Mapplethorpe Foundation. Used by permission

Mapplethorpe

08-06-2010 / Fotografías con reminiscencias clásicas de esculturas, cuerpos de hombres y mujeres, situaciones sadomasoquistas y flores. Todas juntas conforman un grupo de imágenes potentes y provocativas, que no da lugar a la indiferencia.
Por Cristina Civale

Eros and order se llama la muestra que exhibe ciento treinta fotografías del artista norteamericano Robert Ma-pplethorpe y que puede apreciarse hasta el 2 de agosto en el Malba.

Mapplethorpe, torpe y básicamente, se asocia en la memoria popular con retratos de cuerpos negros y desnudos, flores y puntillosas puestas de escenas sadomasoquistas.

Es curioso que el título elegido para nombrar esta muestra sea uno donde se asocian dos sustantivos en choque. “Eros” y su pulsión coordinado con la palabra “orden” ya producen un efecto de extrañamiento: se sabe, probablemente no haya nada más caótico que aquello que Eros nos impulsa a hacer. Quizá la pulsión por poner en orden en lo que Eros mandaba en la creación de Mapple-thorpe le dé un sentido al oxímoron elegido para llamar a esta muestra única. Única porque es la primera vez que en Buenos Aires se exhibe una retrospectiva de tal magnitud, sólo años atrás hubo una modesta exhibición realizada en la Fundación Klemm.

Eros and order está curada por Ann Tucker, responsable de fotografía en el Fine Arts Museum de Houston y es ella junto la Presidente de la Mapplethorpe Foundation, de donde provienen todas las obras expuestas, la que -en una breve conferencia en el auditorio del museo- abre la muestra con algunas consideraciones sobre la misma y sobre la vida el artista que nos presenta. Yo estoy bastante ansiosa y cuento los minutos esperando que deje de hablar y pueda mirar la muestra de una vez, en general no me gusta que me expliquen lo que voy a ver y mucho menos antes de haberlo visto. Conozco la obra de Mapplethorpe sólo desde libros y calendarios que fui comprando cada vez que me tope con uno. De modo que permanezco cortésmente sentada y apenas termina de hablar me levanto y camino rápido hacia la escaleras mecánicas que me llevan por fin a la gran sala donde por casi dos meses se alojarán las obras vivas de Robert Mapplethorpe.

Sus primeros trabajos fueron realizados con una cámara polaroid pero lamentablemente no hay ninguno de ellos en esta muestra, quizá nos mostrarían algo de caos previo al tesonero orden que se impuso el artista en la producción de su obra cuando pasó a fotografiar con una Hasselbad; con esta cámara sus fotografías muestran una meticulosidad casi obsesiva en las puestas, el uso de la luz y una estricta composición.

Empezando el tour por la exhibición –en inglés “muestra” también se puede decir “show” y me parece una palabra muy adecuada, aún traducida al español. En un recorrido circular, empezando por la derecha, además del texto curatorial estampado en la pared, se lee una frase del Mapplethorpe, la única clave interesante que tomo para apreciar su obra aquí expuesta: “Busco la perfección de las forma y lo hago con los retratos, lo hago con la pijas, lo hago con las flores”. Y, efectivamente, cada una de las obras delatan esta búsqueda insaciable y en esta frase es donde probablemente pretendan cobrar sentido los sustantivos en choque del título aunque pienso que en “eros” puede haber perfección pero no necesariamente en “orden”, es el gran problema de pretender traducir en palabras las imágenes, una empresa vana.

Entonces no voy a traducir nada, voy a contar algunas impresiones de lo que vi en esa primera visita, un recorrido que me pareció insuficiente. Creo que es una muestra que merece ser visitada y gozada más de una vez.

Nos recibe en Eros and order un retrato del artista italiano Franceso Clemente, junto al de otros artistas, parientes en la concepción estética y vital de Mapplethore, sus amigos: el escritor William Borroughs junto a su máquina de escribir, el pintor David Hockney recostado en el cuerpo de su amante, el torso desnudo de Paloma Picaso sólo vestido por dos joyas y por fin en una de los giros nos encontramos con lo más esperado, al menos por mí, los retratos de la poetisa y cantante Patti Smith, amante y musa del artista cuando ambos eran pobres y desconocidos. Su intensa relación, que se inició a mediados de los años 70, seguramente marcó la vida y la obra de ambos. Se conocieron casualmente cuando Patti trabajaba en una librería de New York y se ganaba también la vida posando para artistas. Mapplethorpe tenía diecinueve años y le pareció hermoso. A los pocos segundos de verse Patti ya sabía que iban a ser amigos, amantes y compañeros. Se fueron a vivir juntos en la habitación 1017 del Hotel Chelsea. Fue allí donde sellaron un pacto de sangre: seguir juntos hasta que los dos fueran suficientemente fuertes como para caminar por separado. Robert aún pintaba y Patti escribía pequeños versos en sus dibujos y collages. Fue ella quien lo animó a que hiciera sus propias fotografías y también fue ella la modelo de sus primeras fotos. Pero la pareja sexualmente no funcionaba, y Patti había comenzado una relación con el escritor Sam Sephard. Robert le lanzó un ultimátum: "Si me dejás, me hago gay". Y aunque volvieron a vivir bajo el mismo techo, ella se fue con Sam Shepard y él fue se relacionó con Sam Wagstaff, un coleccionista varios años mayor que él quien fue su sponsor, el que le compró su primera cámara y de quien también se encuentra un retrato en el Malba.

Las fotos de Smith que se exhiben en la muestra, más allá del original que fue luego la tapa de un disco emblemático, Horses, tienen la impronta de ese amor joven y eterno que se profesaron, una mirada amorosa que se ve en cada uno de esos retratos que hacen de Smith, un ser andrógino, etéreo y bello.

Esa mirada se tuerce y cambia en la dureza de su serie X, en esta exhbición obras sueltas puestas aquí y allá, los retratos sadomasoquistas donde impresiona un autorretato donde Mapplethore posa de espalda a la cámara, ligeramente inclinado, con su cabeza mirando el objetivo y con un largo látigo-soga que emerge natural y provocativamente de su culo. Un autorretrato del 88 que contrasta con otro de 1975 –la obra más antigua con que cuenta la muestra- en donde se ve a un joven fresco y feliz, fotografiado como en una crucifixión partida. Entre sus flores inocentes –sus icónicas calas y tulipanes se cuelan las cadenas, vinilos y penes de sus series masoquistas y los innumerables desnudos de cuerpos perfectos, captados como esculturas clásicas. El corpus de una obra siempre atravesada por la idea de género más que por el orden o el eros y por la belleza conmovedora en retratar una y otra vez pedazos de su identidad partida.

Robert Mapplethorpe murió a los 42 años de SIDA en 1989. Ningún Eros y ningún “order” en ese arrebato que el destino se cobró en la vida de uno de los grandes artistas del siglo XX. *

Fuente: Asterisco

Mac Loughlin presenta su "Identidad Fragmentaria"

“Copi -Héroes del silencio-. Músico. Zaragoza. España. 2010” (izquierda). “Lucía. Neuquén. 2010” (derecha).

"LAS DOCE TRIBUS DE BABEL"

En el Pasaje Dardo Rocha se puede visitar esta original muestra fotográfica

En el marco del Congreso Cultural y de la Reunión Anual de la Unidad Temática de Cultura Red de Mercociudades que se desarrolló en nuestra ciudad, y en conmemoración del Bicentenario, el fotógrafo José Luis Mac Loughlin dejó inaugurada en la nave central del Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, "Identidad Fragmentaria: Las Doce Tribus de Babel", una original muestra que podrá visitarse durante todo el mes, con entrada libre y gratuita.

En esta serie, en la que el artista trabaja desde el 2003, se intentan graficar las diferentes tribus urbanas que conviven en la sociedad con el objetivo de "desmitificar -asegura Mac Loughlin- el calificativo de oscuro que algunos injustamente le han atribuido". Así, darks, punks, floggers, hippies y hasta el gaucho argentino, que, para el artista, toma aspectos de su vestimenta de la cultura árabe, son parte de una misma muestra que ya ha sido declarada de interés municipal y provincial.

Mac Loughlin buscó, con este proyecto, "quitarle la máscara de la identidad" a cada una de estas 26 personas que forman parte de la muestra. Y no lo logró. Sin embargo, lejos de frustarse, recargó su apuesta inicial al considerar que no pudo quitar esas marcas porque "están adheridas al alma del sujeto. Todos estamos desmembrados y esas máscaras nos ayudan a vivir con ese desmembramiento". Y así fue como surgió el nombre de su serie, "Identidad Fragmentaria".

Sobre la muestra, que próximamente se exhibirá en el porteño Centro Cultural Sur, su curador, Néstor Rozas, escribió: "Mac Loughlin dejará que el espectador reconozca formas familiares en muchas de sus obras. Pero ese hecho es ilusiorio porque sabiamente el artista elude lo anecdótico para transformarlo en el acto gestual de la memoria. De esta forma, el autor, insta al espectador a destrabar límites conceptuales, acercándola a otras historias, a otras imaginerías, proyectándolo a universos que movilizan, provocan, modifican, alejándolo definitivamente de ser un mero testigo de la representación de una realidad inerte, vacía, leve. En su obra se observará lo que quiera observarse; el juego es libre, sin concesiones, sin atavíos, sólo falta animarse a la entrega, sin codificar las emociones".

Fuente: El Día

Pueblos originarios de Chaco en fotos

El Centro Cultural Borges presenta desde junio la muestra Viaje al Chaco Central, con fotografías del documentalista Pedro Rey, que brindan una mirada espontánea y una puerta abierta a su vida cotidiana, a su gente, a sus costumbres, a su medio.

Se trata de un importante conjunto de fotografías de los pueblos originarios del Chaco Central (Chaco Salteño y Formosa), los cuales fueron de los últimos del territorio argentino en tomar contacto con el mundo blanco. Las avanzadas del Ejército, la llegada de ganaderos, las religiones, la Guerra del Chaco y, por último, el fenómeno de los ingenios terminaron por forzar los límites de un mundo que permaneció casi impenetrable hasta principios del siglo pasado.

La exposición es un viaje fotográfico por las comunidades wichi, chorote, nivaklé, pilagá, pueblos originarios que conservan gran parte de su acervo cultural, de los que hay mucho que aprender.
En el marco de la muestra -que permanecerá abierta hasta el 4 de julio- se realizará un ciclo de documentales y disertaciones con entrada libre y gratuita, en Viamonte y San Martín.

Fuente: Hoy

Kuropatwa en technicolor: un homenaje al artista argentino

En el Centro Cultural Islas Malvinas de La Plata

Las últimas obras del fotógrafo se expondrán hasta el 30 de mayo

"En estas obras, Alejandro Kuropatwa deja de lado todo procedimiento experimental para concentrarse en una poética de la imagen pura y dura. Hace del objeto un todo, centra la imagen y elimina toda posible distracción de la escena, en una intensa polaridad entre el ascetismo y el esplendor simultáneo de los objetos". Así presenta el curador Andrés Duprat a la muestra titulada Kuropatwa en technicolor, que se inauguró el viernes en la sala A del Centro Cultural Islas Malvinas (19 y 51).

Esta exposición de uno de los "cinco mejores artistas visuales de la Argentina", como lo instituyó el premio Konex que Alejandro Kuropatwa recibió en 1993, reúne obras de las series de sus últimos años de vida: Cóctel (1996), Yocasta (2000), Mujer (2001), Flores (2002) y Naturalezas muertas (2002).

"Si bien son series autónomas, el conjunto articula conceptos recurrentes en el artista, que atraviesan toda la muestra; el empleo de grandes formatos, el uso intensivo del color, los objetos individualizados, la sustracción de elementos de contexto, la manía por el detalle magnificado y la carga conceptual manifiesta construyen una estética inquietante que circula por estas series", detalló el curador, quien agregó que "la muestra se completa con una selección de retratos de distintas épocas, una obsesión que el artista alimentó a través de los años".

El artista. Alejandro Kuropatwa nació cerca del mediodía del 22 de octubre de 1956 en Buenos Aires. A los 18 años empezó a vincularse con el arte y estudió pintura con Jorge Demirjian y, al mismo tiempo, aprendió con Oscar Smoje.

Se instaló en Nueva York a los 23 años y asistió al Fashion Institute of Technology y a la Parsons School of Design y obtuvo el Master of Fine Arts con la especialización en fotografía. Dos años más tarde continuó con sus estudios y realizó sus primeras experiencias con imágenes desenfocadas, trabajos que más tarde se agruparían bajo el nombre Fuera de Foco.

Luego de la experiencia que adquirió en Estados Unidos y en Europa, Kuropatwa regresó a la Argentina y al poco tiempo los médicos le comunicaron que estaba enfermo de sida: "Me infecté en Nueva York. Antes de tener un diagnóstico yo ya sabía", declaró a los medios, y agregó que cuando se encontraba de viaje, "en Buenos Aires la gente creía que Nueva York era discoteca, discoteca, discoteca, pero ya para 1981 era ambulancia, ambulancia, ambulancia".

Con el regreso de la democracia al país, la cultura llamada "under" se difundió en múltiples formatos y locaciones, proponiendo la ampliación de los límites de lo que hasta entonces había sido considerado arte. Se vivía un paralelismo entre la "fiesta" neoyorkina de los '80 y la explosión apasionada de las manifestaciones vanguardistas de Buenos Aires y esa coincidencia de acontecimientos fue lo que facilitó el desembarco de Alejandro Kuropatwa.

En 1996 comenzó un tratamiento en Estados Unidos para revertir el avance del sida y declaró "volví a creer en la vida. Estaba paranoico y sin luz. (...) Ahora que estoy mejor deseo compartir mi felicidad con la gente". Pero el 5 de febrero de 2003, luego de estar varias veces internado, falleció.

La exposición Kuropatwa en technicolor, es "un homenaje a la calidad de su persona y a su heroísmo de artista; una primera tentativa de dejar constancia de su admirable legado estético", según las palabras de Andrés Duprat.

Fuente: Diagonales

Homenajean a Eugenia León

Por: Edith Freyre - XEU Noticias

Eugenia León recibió este sábado, en el centro comercial de Tlalnepantla, Estado de México, un homenaje a su trayectoria artística con una retrospectiva fotográfica de su vida.

La intérprete dijo que esta exposición es como un pequeño brinco a su historia de recuerdos de su juventud: "Esta retrospectiva fotográfica sin duda me sensibilizo, porque abrió mis recuerdos desde antes de tener los sueños artísticos que hasta ahora he cumplido. Ese detalle es de agradecerse eternamente'.

Lo que más valora y agradece es sentirse querida en un país donde ya la han colocado en la memoria cultural de un pueblo: "Eso tampoco tiene una explicación desde mis palabras, es algo que agradeceré toda mi vida".

Aprovechó para hablar de sus planes entre ellos, la elaboración de un disco, muy aparte del que está promocionando con temas de película: "Quizá el mayor cambio que venga para mí y para mi familia es el de residencia, me voy del Distrito Federal a un destino dentro del país donde hay playa, un cielo hermoso y sobre todo tranquilidad'.

El homenaje fue organizado por el Movimiento Ciudadano Grandes Valores de México que a 10 años de trabajo ha realizado 10 exposiciones fotográficas de distintos artistas.

Fuente: El show

El Malba homenajea a Carlos Gallardo

Destiempos XV

La Forastera

Homenaje al artista, con la presentación de un conjunto de obras inéditas de su producción más reciente. Se exhiben cuatro series de fotografías que realizó entre los años 2007 y 2008.

Por Cristina Civale

Un homenaje merecido al artista multifacético Carlos Gallardo (Buenos Aires, 1944 – 2008) tiene lugar en el Malba por estos días. Gallardo falleció inesperadamente en un accidente automovilístico mientras preparaba estos ensayos que hoy podemos recorrer gracias a la decisión del Eduardo Constantini, director del Malba, y al aporte del compañero de su vida, el coreógrafo Mauricio Wainrot, que fue quien aportó el acervo con el que se diseña la muestra fotográfica curada por la crítica Mercedes Casanegra.

Pero en el inicio, no todo fue fotografía. Así es, en la década del 80, Gallardo empezó a trabajar en el campo del diseño y realizó inolvidables afiches para el Teatro General San Martín. Más tarde, a pesar del enorme reconocimiento que tuvo como diseñador gráfico, abandonó esta actividad para dedicarse a la pintura. El desarrollo de su producción estuvo atravesado por los distintos países en los que vivió: Canadá, México, Bélgica, Chile y, por supuesto, Argentina. Esta itinerancia a la que se sumaba la lejanía de la “patria”, constituyeron uno de los factores que lo impulsaron a reflexionar sobre los recuerdos y la historia.

Sus obras reconstruyen el pasado y permiten que aflore una suerte de inventario de conocimientos en donde se cruzan tanto referencias estéticas, como también planteos provenientes de la arqueología, la historia y la psicología.

Gallardo construyó sus trabajos a partir de soportes y objetos muy originales. Desde un viejo buzón, calendarios, cartas y fotos antiguas hasta postales, cajas y máquinas abandonadas. El empleo de estos objetos –que implicaron una carga afectiva y metafórica ya que fueron rescatados en los distintos lugares donde residió-, y el impulso inevitable de crear una obra visual narrativa, le permitieron puntualizar, casi obsesionarse, con algunos interrogantes filosóficos básicos.

Para el artista, tanto sus cuadros-objeto como sus instalaciones constituyeron un modo de interrogarse sobre las constantes existenciales: el ser, el tiempo, la memoria y la despersonalización del hombre contemporáneo. Las problemáticas que aparecieron con mayor intensidad en su obra fueron el tiempo y el poder, y las dos surgieron de los choques ruidosos entre memoria e identidad individual y colectiva.

En el museo se presenta un conjunto de obras inéditas de su producción más reciente a través de cuatro series de fotografías que el artista realizó entre los años 2007 y 2008: Theatrum mundi, Vestigio (Errancias), Erratum y (Destiempos).

Todas ellas tienen un eje común, implican una reflexión sobre el tiempo y la memoria, esos temas vuelven una y otra vez en toda su obra que abarca un amplio arco: desde producciones gráficas, escenografías, vestuarios, videos y fotografías.

Lo que puede apreciarse en el Malba comprende una serie de cuatro ensayos fotográficos más un video sin fin con gran parte del resto de su producción no fotográfica.

“Estas series poseen un clima de raíz existencial –afirma Casanegra-, esa idea de que los seres humanos fuimos lanzados a la existencia. No es a la belleza del mundo a lo que remite la obra de Carlos Gallardo, sino a la fugacidad de lo que está detrás de las imágenes en apariencia estáticas. Esa sensación de hermetismo, de dificultad de interrogar las escenas”.

La obra de Carlos Gallardo como artista visual pasó por muchas etapas y el empleo de la fotografía se fue incorporando de manera paulatina, hasta volverse autónomo, como en las cuatro series de esta exposición, que dan cuenta de varias modalidades propias de su trabajo.

“El artista vivió muchos años fuera de su país, y ésta es una de las razones por las cuales se sentía un errante y tantas obras suyas pueden tener ese carácter de lo errabundo”, explica la curadora. En palabras del propio Gallardo: “El archivista que soy se ha convertido en un basurero que recoge por las calles del mundo todo vestigio de memoria…”.

Las series Vestigio (Errancias), Theatrum mundi y Erratum se ubican en el mismo escenario: el viejo puerto de Amberes, un lugar que el artista visitaba frecuentemente por su proximidad con la sede del Ballet Real de Flandes, donde trabajó durante largo años junto a Wainrot.

Según Casanegra, en las escenas del puerto de Amberes, “el tiempo y el espacio fueron apresados en la materia estática, perenne. No es la belleza lo primordial; hay fugacidad acumulada, contundencia. Paradójicamente, esa economía de medios expresiva se hace abismal, se vuelve casi metafísica”.

En Vestigio (Errancias) —obras de gran formato—, su mirada desnuda en primeros planos ciertos elementos del puerto que se vuelven monumentales por la proximidad atrevida de su cámara que hurga, y denotan el semiabandono o la nostalgia de una actividad que fue.

En Theatrum mundi, se pueden apreciar imperceptibles intervenciones a través de la distribución en cada fotografía de pequeños muñecos de forma humana en diversas actitudes de la vida cotidiana. Estas obra sí se convierten en sutiles collages que les cambian el signo a las imágenes. El hombre está allí y rompe con sus colores el vacío de un paisaje monocromo.

En Erratum, Gallardo armó series de tres, cuatro y hasta cinco fotografías a las cuales les superpuso versos del artista Hugo Mujica. Los versos marcan una secuencia narrativa ya que Gallardo eligió cada frase para constatar y confirmar una cierta analogía de la palabra con la imagen fotográfica. Por fin, la serie (Destiempos) plantea otra estrategia de trabajo. En ella Gallardo construyó las escenas teatralmente pero en una escala diferente. Empleó cajas de baquelita con los meses y días del año impresos con viejos sellos que él mismo encontró entre los restos del antiguo Correo Central de Buenos Aires y a esto le sumó de engranajes de relojería. “En estas cuatro series, se hace oportuna la afirmación de que Carlos Gallardo buscaba en la memoria colectiva —diseminada en paisajes y objetos— respuestas al sentido del tiempo”, concluye la curadora. Una búsqueda que comenzó desde que el hombre se paró en dos patas y que todavía continúa, probablemente sin encontrar una respuesta satisfactoria.

Fuente: Asterisco

La ciudad de La Plata retratada por Marcelo Merlo

El artista exhibe las fotografías de la ciudad en la Biblioteca del Palacio López Merino de lunes a viernes, de 9 a 19

El complejo Bibliotecario Municipal Palacio López Merino presenta la muestra permanente del fotógrafo platense Marcelo Merlo que ha denominado La capital del plata, y que se exhibe de lunes a viernes de 9 a 19 en 49 Nº 835.

“La intención que tuve con la muestra- dijo Merlo a Diagonales- es destacar el espacio urbano sin que necesariamente el protagonista tenga que ser el edificio. O sea, se ve la calle, alguna edificación de fondo y en general, siempre está pasando alguien. Busqué que se notara la circulación de gente, que no sea un mausoleo, que se camina o se anda en moto. En una de las fotografías está el retrato de la gente esperando el micro bajo los árboles, muy sombreada. Son situaciones urbanas con gente, no con multitudes, siempre son grupos chicos de gente paseando”.

–¿La armó para esta presentación o tenía fotos previas?

–No fue intencional pero todas las fotos están sacadas durante el 2009, empecé a sacar en febrero y creo que la última la saqué en octubre del año pasado. Lo que me interesa que se entienda particularmente de la muestra es que es un estado de la ciudad particular en un año. Es como si fuese la foto del año, una característica de la ciudad. Muchas veces yo me preguntaba qué era lo La Plata no tenía espacio peatonal, porque ahora tiene pero cuando era chico no tenía. De hecho, ahora es peatonal un día sí otro no. En realidad, lo que sucede es que todas las calles son peatonales y vos ves que la gente puede caminar por las veredas, bajo los árboles en un día de otoño.

–¿Qué lugares destacó de la ciudad?

–Más que lugares fueron calles, hay calles antiguas, como diagonal 77 y 46, la esquina del Liceo Víctor Mercante. La calle 13 por la esquina de Tribunales, 51, la esquina de la estación.

–¿Cuántas fotografías se exponen?

–Treinta más o menos, seleccionadas entre miles, no lo recuerdo ahora. Pero para cada foto sacaba muchísimas para lograr mi objetivo. Como en ellas circulaba la gente frente a la cámara, por ahí de la misma situación sacaba quince fotos hasta que encontraba que pasaba alguien que estuviese bueno para la imagen y cumpliera con lo que yo estaba buscando en ese momento.

–¿Qué repercusiones ha tenido la muestra?

–Hubo un giro en lo que son mis muestras porque en vez de mostrar gente muestro situaciones. Yo lo que he recibido siempre ha sido bueno, es raro que se acerque alguien a decirte algo malo, ¿no?
En la muestra presento una foto de una casa con una numeración que es 676 ¾ y la gente me pregunta dónde queda. Pero yo les digo que no tomen la muestra como eso, sino que observen las calles, y que si ven esa casa se acuerden de la muestra, que les sirva para llevarse la muestra en la cabeza, no para buscar la casa que está retratada. Funciona así que la muestra les quede en la cabeza a partir de lo que van viendo en la calle. Vean que hay una casa que tiene ese número y se van a acordar de la muestra, no que busquen el número.

–¿Cómo le ha ido en las otras muestras?

–Por fortuna bien. La gente que te conoce te va siguiendo y se te pegan los que te quieren. En realidad también hay mucha repercusión porque todos conocen del tema, todos tiene algo que decir al respecto. Todos los que visitan tienen algún tipo de relación con La Plata. No es lo mismo exhibir una muestra más personal, de la vida de uno.

Fuente: Diagonales

El atlas de Jorge Luis Borges llega al Imperio del Sol

Dos veces en la vida. María Kodama y Borges visitaron Japón en 1979 y 1984.

Muestra fotográfica en tokio de la colección de María Kodama

María Kodama inauguró en Tokio la exposición “El atlas de Borges”, una selección de 130 fotografías de su colección personal que ofrecen una visión íntima del escritor argentino en sus viajes por el mundo, entre ellos a Japón. La compañera del escritor argentino Jorge Luis Borges (1899-1986) rememoró hoy en Tokio las experiencias que el insigne literato vivió en sus dos viajes a Japón a través de fotografías y textos que se exponen desde ayer y hasta junio en el Instituto Cervantes de Tokio.

Las instantáneas forman parte de la exposición “El atlas de Borges”, una selección de las fotografías privadas de María Kodama que llevan el título homónimo de una obra de Borges, ambas nacidas de las vivencias de la pareja a través de sus viajes, entre los que Japón dejó en ambos un fuerte recuerdo.

“Desde Buenos Aires se preguntaba cómo sería el Japón que había conocido en los libros”, rememoró Kodama ante el público que asistió a su conferencia. Kodama acompañó al escritor en sus dos viajes a Japón, en 1979 y 1984, en los que Borges se interesó por los jardines, los templos y las representaciones de arte tradicional japonés, que recorrió a través del sonido y el tacto debido a su ceguera.

“Un día asistimos a la ceremonia del té y se aproximó con timidez y vacilación, aunque poco a poco comenzó a palpar la forma de la taza, a sentir el silencio. Más tarde dijo que descubrió cómo en Japón el rito no se siente como algo lejano, sino que es algo natural”, recordó Kodama.

Además, destacó la admiración especial de Borges por la espiritualidad y la corrección en la cultura de Japón, país que el escritor describe en Atlas como un lugar de “muchedumbre en voz baja”.

“Borges daba mucha importancia a la literatura de cada país a la hora de valorarlo y consideraba a Japón e Islandia países extraordinarios con una literatura extraordinaria”, destacó Kodama, quien añadió que apreció mucho la literatura de Yukio Mishima o Junichiro Tanizaki.

Kodama, hija de un arquitecto japonés que se afincó en Buenos Aires, acompañó a Borges desde mediados de los años 70 por todo el mundo.

Fuente: Crítica

Convocatoria para fotógrafos y aficionados

La Municipalidad de La Plata convoca a todos los fotógrafos y aficionados residentes en la ciudad de La Plata a formar parte de una muestra colectiva, de tema libre, que se realizará en el mes de mayo en el Centro Cultural Islas Malvinas. Cada autor podrá presentar hasta 3 fotografías en formato 20 x 30 (sin montar) u otras medidas cuyo lado mayor no supere los 30 cm. Las fotos deben ser presentadas en un sobre destinado a "Convocatoria colectiva 2010" y al dorso de cada foto, debe figurar el nombre del autor, título de la obra y correo electrónico. La exposición de las obras seleccionadas se llevará a cabo en mayo con motivo del Bicentenario. Las obras se reciben hasta el viernes 30 de abril en el MUGAFO, 19 y 51, en el horario de 9 a 13.

Fuente: El Día

Un reportero de Data expondrá en la Fiesta Nacional del Teatro

La Fiesta se desarrolla durante 10 días

Luis Lobos mostrará las mejores fotos de del Nuevo Cuyo en el marco de la 25º Fiesta Nacional del Teatro en la ciudad de La Plata. Obras de San Luis, Mendoza, San Juan y La Rioja serán apreciadas en provincia de Buenos Aires.

Sensibilidad Tal es la muestra que Luis Lobos expondrá desde el 21 al 24 de abril en el marco de la Fiesta Nacional del Teatro 2010 que se realiza en La Plata.

Fuente: datarioja

Como parte de los invitados por la región de Nuevo Cuyo, Lobos presentará una muestra de fotos de obras de Mendoza, San Luis, San Juan y La Rioja a las que cubrió en diversas fiestas provinciales y regionales para el sitio digital DataRioja.com.

Lobos, además de reportero gráfico en medios de comunicación ha participado en diversas muestras individuales y colectivas de imágenes artísticas. También trabajó para el diario Nueva Rioja, Libertad y la Gaceta Riojana y colaboró con la revista Cara, Gente y Noticias y la Razón, entre otros medios. Actualmente codirige el semanario DataRioja y colabora para los diarios Clarín y La Nación.

Redacción DataRioja

Modelo plus size desnuda

Modelo plus size posando desnuda

La revista V Magazine ha lanzado una edición especial llamada “The Size Issue”, en donde muestra a modelos rellenitas luciendo muy fashion. En el 2009 vimos una pequeña revolución en cuanto a modelos plus size con Lizzie Miller la modelo rellenita de la revista Glamour. Ahora en el 2010 es un hecho que las revistas ya están decidiendo mostrar a modelos tallas extras, así como en las pasarelas de diseñadores.

V Magazine ha mostrado a las populares modelos tallas extra Candice Huffine, Marquita Pring, Michelle Olson, Tara Lynn y Kasia P. Cada una modeló y lució varias prendas fashion que se ven muy bien en las curvas de estas modelos.

Modelos plus size con jeans y sin top

Las modelos mostraron sus curvas tal cual, no utilizaron photoshop para borrar los “michelines” de mas o cualquier otra curva que no esté en su lugar. Esto en definitiva es un paso muy grande para una revista de modas.

Fotos fashion de modelos talla extra en V Magazine:

Fuente: www.globbos.com

Los Rolling Stones inéditos... y desnudos

Mick Jagger y Keith Richards, fotografiados en 1971 por David Montgomery /DAVID MONTGOMERY

Fotos inéditas de una sesión fotográfica que David Montgomery hizo a la banda serán expuestas en una conocida galería londinense

EMILI J. BLASCO | LONDRES

Fotos de una sesión fotográfica con los Rolling Stones prácticamente desnudos, realizada en 1971 para promocionar su álbum “Sticky Fingers”, han sido encotradas por su autor y serán expuestas en la galería de arte que el hijo de Ronnie Woods tiene en Londres. Las tomas de David Montgomery inclyen además otros reportajes gráficos realizados sobre los Rolling Stones en los años setenta.

Una de las fotos más llamativas es la que muestra a un Mick Jagger aparentemente desnudo cubriéndose las partes con la cubierta de “Sticky Fingers”, en la que figura la cintura de unos pantalones vaqueros ajustados. En realidad, según ha explicado Montgomery, Jagger no se desnudó completamente, sino que llevó puestos sus slips. Quien sí se los quitó fue Keith Richards, aunque para luego cubrirse el trasero con el reverso del álbum: la misma sección de vaqueros ajustados vistos por detrás. El diseño de la cubierta había sido idea de Andy Warhol.

Una sesión nada fácil“Hacerles fotos fue como pelear con el diablo”, ha explicado Montgomery, porque si ya eran indomables en el escenario, fuera de él era difícil sujetarles para que posaran. A la sesión fotográfica para la promoción del álbum de 1971 Jagger llegó a las once de la noche, cuando la cita era cinco horas antes. El líder de la banda llegó de mal humor, sin ganas de mirar a la cámara. “Supongo que intentaban ser muy rock&roll, dando la impresión de que no querían estar sometiéndose a una sesión de fotos”, dice Montgomery, acostumbrado a realizar su trabajo con gente famosa, desde la Reina de Inglaterra o otros muchos artistas, pero sorprendido de que los Rolling fueran tan “divas”. Pero no se lo tomó demasiado a mal, porque era un gran fan de su música.

Para romper la rigidez del momento, el fotógrafo se llevó al grupo a un típico bar de “fish and chips” de King's Road, la calle principal del barrio de Chelsea, donde se encontraban, y allí utilizó su Kodak Instamatic. Los resultados de esa sesión preliminar también se incluirán en la exposición, “The Rolling Stones: Against the Wall” (Los Rolling Stones: contra el muro), abierta del 13 de mayo al 13 de julio en la Scream Gallery de Londres.

Fuente: ABC

Tapar el sol, una muestra sobre La Plata

La fotógrafa Marina Losada da cuenta de las modificaciones arquitectónicas

Tapar el sol está en continuo crecimiento. Actualmente es un registro de más de 1000 fotografías y, al mismo tiempo a los fines de ser presentada al público una proyección que resume tres años de trabajo de la fotógrafa Marina Losada. Como el fenómeno que capta no se detiene, el registro tampoco. Aunque, como su autora reconoce, ya no basta con una sola persona para dar cuenta de lo que cotidianamente sucede en la ciudad de La Plata.

“Hace algunos años atrás comencé a ver cómo la construcción iba avanzando por barrios sobre la ciudad anterior. Al principio me interesó y luego percibí que además no tenía retorno, es un cambio irreversible. Entonces sentí la necesidad de ir guardando registro de lo que sucedía y al menos conservar una imagen de la ciudad que al día de hoy ya no es” cuenta Marina.

Al principio sin saber aún en qué terminaría su trabajo, Losada fue tomando fotografías de forma intuitiva. “En principio, me cautivó el tema de la luz que es algo que a los fotógrafos nos llama siempre la atención. En invierno las calles ya no tienen la misma luz que antes, por ejemplo, en avenida 60 ahora hace frío. Antes no pasaba eso, porque La Plata fue diseñada para que el sol caiga de determinada manera, para que el aire circule de determinada manera por la calles. Ahora en cambio ciertas zonas empiezan a parecerse cada vez más a las calles del microcentro de Buenos Aires”.

A raíz de esta percepción, Marina inició un registro salteado, luego delineó zonas y sin darse cuenta entrenó su mirada para detectar qué casas estaban en riesgo, cuáles eran los lugares en dónde podía levantarse un edificio y cuáles no. “A medida que me fui metiendo con el tema lo empecé a ver en todos lados. Suelo andar en bicicleta y cuando veo un cartel de venta colgado, ya sé lo que va a pasar. Es más, prestando atención me di cuenta que inmediatamente cuando bajan ese primer cartel, aparecen dos o tres más colgados en las casas de al lado”.

Los mismos vecinos preocupados por la situación comenzaron a contactarse con ella para acercarle datos sobre las casas, muchas de ellas fundacionales, que se desocupan y se rumorea en el barrio “que son carne de topadora”. Cada uno hace su aporte, con el afán de reconstruir la historia de la casa, de las familias que se sucedieron y así sumar a las fotos aquello que no se puede congelar en una imagen.

La proyección al principio refleja esta mirada intuitiva con la que Losada se acercó a este mundo y a medida que avanza se detiene en casos particulares (o en casas particulares) revelando el día a día desde el momento de la venta, pasando por la demolición hasta el proceso por el cual se apilan los pisos unos sobre otros. “Es muy triste ver la casa por dentro a medida que avanza la demolición. Uno descubre que tenía tal color en las paredes o determinadas molduras y por otro lado sabe que al mismo tiempo eso que uno descubre está dejando de existir”.

Tapar el sol no sólo cambió de forma en estos tres años sino que se presentó en ámbitos distintos. Por un lado llegó al microcine del Centro Cultural Recoleta el pasado 27 de marzo, pero se mostró previamente en el marco de la Muestra Ambulante 5 en plena vereda del barrio Meridiano V.

Losada comentó al respecto: “Después de cada proyección la gente se acerca a conversar conmigo, de alguna manera se produce un despertar, algo como ‘nos estamos convirtiendo en algo que no sé si quiero que nos convirtamos’. Surgen muchas preguntas que están buenísimas, como por ejemplo, por qué nos estamos amontonando tanto, cuándo comenzamos a acostumbramos a esto”.

La fotógrafa se debatió entre las mismas inquietudes y de alguna manera, sin llegar a un conocimiento concluido ni de carácter científico, sostiene que el problema no reside en el crecimiento de la ciudad, ni en los edificios en sí, sino en el exceso de los mismos. Dice Losada: “Insisto siempre en que el problema no es el edificio, sino el exceso de ellos. Estaría buenísimo respetar lo que queda la ciudad que fue un ejemplo de urbanismo en el siglo anterior como potencial turístico si se quiere, pensar una mejor manera de modificar lo que haga falta, si realmente hace falta. E incluir en este pensar al resto de los barrios, los demás sectores porque además La Plata no es sólo el casco”. Y además hace hincapié en el fuerte contrastante de esta ciudad que crece desbocada hacia el cielo con la otra, la ciudad planificada cuidadosamente entre otras cosas para ver el sol con tan solo mirar hacia arriba. Como un juego de luces y sombras.

Quienes no hayan podido observar este recorrido documental de Marina Losada tendrán una nueva oportunidad de descubrirlo, ya que Tapar el sol se proyectará por segunda vez, el día 30 de abril a las 18.30, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930 1º piso, espacio microcine, ciudad de Buenos Aires).

Fuente: Diagonales

Mujeres 1810-2010

Una megaexposición de cuatro pisos, Mujeres 1810-2010, demuestra en imágenes lo que durante tanto tiempo las palabras de la historia callaron. El recorrido está ordenado por temáticas como trabajo, prostitución, feminismo, política, medios, amor y matrimonio, moda y TV, cuerpo y religión, imagen, humor y es una de las iniciativas relacionadas con los festejos del Bicentenario.

Por María Moreno
Imagen: Adriana Lestido, 1982.

“No es una exhibición de heroínas. Se trata de demostrar cómo, cuando se suponía que la mujer ocupaba sólo el ámbito doméstico, supuestamente femenino, también estaba inmersa en la vida pública y política. Esos mundos están cruzados, sólo faltaba contar la historia desde esta perspectiva.” Eso explica Liliana Piñeiro, directora de la Casa del Bicentenario, sentada en el cine-patio, fumando el último cigarrillo antes de acompañarnos a visitar la esperada muestra, Mujeres 1810-2010, curada por Valeria González, asesorada por Dora Barrancos, Mirta Lobato y Laura Malosetti Costa.

El lugar que abrió sus puertas hace casi dos semanas quedó buenísimo: una casona con alto valor arquitectónico, ubicada cerca de la Facultad de Ciencias Económicas (Riobamba 985), reciclada al estilo del Centro de la Cooperación, pero con ambientes más amplios.

Es sábado a la tarde, los pasillos se llenan. Piñeiro cierra fuerte los puños, y los sacude. Luego nos entrega un catálogo interactivo donde se lee una intención firmada por las mencionadas asesoras: “Mujeres de todas las condiciones sociales y étnicas, de las distintas religiones e ideologías políticas se manifestaron en todo el territorio nacional. Participaron en la construcción de la Nación. Actuaron en las lides sociales y políticas, trabajaron en una miríada de ocupaciones en campos, montañas y ciudades, fueron fundamentales en la educación, y sus huellas, vivas y profundas, están en todas las formas de nuestra cultura. Desde el primer Código Civil en 1869 que sancionaba su inferioridad hasta los días que corren, no hay duda de que han ganado derechos civiles, políticos y sociales. Pero todavía no sólo no gozan de completa igualdad, sino que se mantienen muchas inequidades.”

Fuente: Página 12

Bailar un instante

Como esculturas vivientes. Flipper Hope, Jack Gallagher, Daniel Ezralow y Ashley Roland (1993) Foto: Lois Greenfield Ver mas fotos

La neoyorquina Lois Greenfield lleva 30 años coreografiando momentos mágicos, con bailarines alados, pero reales. Sus fotos están en las mejores revistas del mundo

Fotografía de danza. ¡Qué paradoja de artes! ¿Por qué un cazador de instantes dedicaría su vida a capturar movimientos que se desarrollan a través del tiempo y en el espacio?

Lois Greenfield era una reportera suelta en Nueva York, que había hecho ya su experiencia profesional tomando fotografías en general para diferentes diarios y revistas, cuando encontró en la danza algo más sugestivo que aquellas largas jornadas de ensayos y shows que la mandaban a cubrir. Un día, hace treinta años, esta mujer advirtió "la belleza de las formas". Y aburrida del periodismo resolvió hacer su camino.

"Quería hacer mis propias fotos con bailarines, pero ya no desde afuera -recuerda la artista en conversación con LN R -. Entonces, a comienzos de los 80, empecé a invitarlos a mi estudio para buscar una nueva forma de trabajar la fotografía de danza. Mi mayor exploración estaba en crear momentos mágicos".

Desde entonces, no importa tanto que haya sido contratada por Vanity Fair, Rolling Stone o Time. Ni que Sony, Rolex o Pepsi confiaran a ella sus imágenes de campaña. Tampoco sus greatest hits parecieran estar con las grandes compañías o artistas de renombre que la solicitaron, como el American Ballet, la Martha Graham Dance Company o Trisha Brown. "Merce Cunningham fue un caballero adorable, pero durante la sesión de fotos quería controlar las posiciones de los bailarines. Mis mejores creaciones no fueron para los famosos, sino con los jóvenes que estaban desarrollándose y me dejaron hacer lo que quisiera." En suma, lo más sobresaliente es que sus fotografías lograron quebrar la paradoja: capturan un tris de movimiento y se ven animadas, llenas de energía. Y algo más. Sorprenden y son reales.

"Estoy de acuerdo con vos y con la paradoja", dice amable Miss Greenfield este mediodía de calor sofocante. Un rato antes, había visto por TV cómo la nieve cubría por completo las calles de Chelsea, el barrio donde tiene su estudio en Manhattan. Aquí y ahora, en un viejo-nuevo teatro de La Boca, se desabrocha el innecesario abrigo de colores, habla lento y mueve las manos con delicadeza. No. De niña no quiso ser bailarina. Jamás se calzó un par de zapatillas, ni de media punta. Tampoco es balletómana: ni clásico ni contemporáneo ni flamenco ni tap; únicamente se procura una platea si se trata de la obra de un amigo o por alguna rara excepción a esta regla. No obstante, cuando va a explicar su secreto, alarga el cuello y acompaña el ademán con la mirada, como si fuera a animarse a un arabesque. "Por eso mismo, hay una dinámica entre danza y fotografía -se refiere a la disyuntiva-. La danza sucede en tiempo y espacio, con el ritmo de la música, y la fotografía toma un instante fijo de eso que está pasando a 360 grados y colapsa", describe y choca su puño derecho con la palma izquierda. Ahí se da el encuentro entre imagen y movimiento que ella persigue. "Durante la sesión no sé adónde estoy yendo, me sorprendo. Me gusta ese viaje a lo desconocido, porque las fotos con las que termino están más allá de mi imaginación".

-Durante el proceso de trabajo en el estudio parecieras ser más una coreógrafa que una fotógrafa...

-Sólo coreografío un momento, una danza que existe en una décima de segundo. Es más como dirigir. Miro lo que los bailarines pueden hacer y ellos me dan una idea: es un feedback.

-Pero cuando vas a encarar una producción, ¿qué te viene primero a la cabeza: un bailarín (un cuerpo en particular), un movimiento o la idea de una foto?

-Depende. Esta en particular (señala una con Sham Mosher, ver arriba) comenzó con una idea: que la figura se viera como un reloj de arena. Y en esta otra (ver Pág. 36) la historia fue así: vi una foto de este bailarín en el diario y pensé: puede ser un buen personaje. Lo llamé, me dijo que vendría al estudio y me preguntó si podía traer una escultura en soga que él había hecho. "Ok, traela", le respondí. No lo conocía, nunca lo había visto. Le pedí que se pusiera a saltar, porque me gustan que en mis fotos el bailarín esté en el aire, y disparé cuando estaba cayendo de un salto, por eso se lo ve como relajado.

Lois hojea sus libros en busca de más ejemplos. Sobre la mesa tiene dos ejemplares de gran formato y cuidada edición. En el primero, Breaking bounds (1982), reúne, básicamente, cuerpos en el aire; en el otro, Airborne (1995), desarrolla el mismo vuelo e incorpora objetos livianos, como prendas de vestir, papeles, géneros, azúcar, flores. Más allá, está el calendario de 2010, con algunas de sus obras más recientes.

Sigue hojeando las páginas con bailarines suspendidos, plegados, expresivos, fibrosos, varios juntos en un mismo cuadrito. Algunas imágenes parecen imposibles.

-¿No hay truco?

-No. Una toma, en un chasquido, sin Photoshop.

-Es tu filosofía: "sin trucos ni Photoshop".

-No pienso en el Photoshop, porque no me interesa. Lo que me interesa es hacer fotos que desafíen la lógica, que sean muy misteriosas y que la gente no entienda cómo sucedió, pero que haya sido real. De manera que tomar una foto y photoshopearla no me interesa, porque no la vi, no tiene desafío. Si ponés bailarines juntos en el aire con Photoshop, son bailarines en el aire, sin relación entre ellos. Y yo trabajo con bailarines porque me gusta la emoción, el sentimiento, que haya conexión en las formas, en las caras, en las líneas. El bailarín es una escultura viva, es el que crea la forma, y yo puedo dirigir la forma, porque hay muchos momentos en el aire. Creo que el Photoshop es una cosa donde la tecnología crea la estética. ¿Y dónde está la persona?

-¿Qué tipo de cámara usás?

-Desde 2003, exclusivamente una cámara digital, de formato medio; la misma que usaba en film, ahora en digital.

-Por tus comentarios sobre tecnología pensé que trabajabas con película...

-La captura digital no tiene que ver con el Photoshop. Es como escribir un libro con lapicera o el mismo libro con máquina de escribir o el mismo libro en computadora.

-Ultimamente estás mostrando otras formas de presentar la fotografía en performaces en vivo. ¿Qué buscás?

-Es como completar un círculo. Tomo una instancia fija de un movimiento, que se proyecta. Generalmente, cuando hay video en escena, llama más la atención la imagen que los bailarines. Y querés aferrarte a esa imagen, que está maravillosa, pero se va, como la fluidez del movimiento.

-Treinta años después, ¿cuál es tu forma de entender la fotografía de danza?

-[Piensa]. No estoy segura de que haya cambiado.

Por Constanza Bertolini
revista@lanacion.com.ar

En Buenos Aires

Este mes, la fotógrafa Lois Greenfield presentará con el joven bailarín y coreógrafo argentino radicado en Nueva York Darío Vaccaro el espectáculo "Projected", que integra fotografía, danza contemporánea, video y música en vivo.

Será inicialmente con una función en el Teatro el 31 de marzo, en el cine teatro Dante, Almirante Brown 1241. Luego del estreno en la sala de La Boca, habrá más funciones en un teatro céntrico, hasta el 5 de abril.

Fuente: La Nación

Buenos Aires en fotografías en la muestra Imágenes paralelas

Bicentenario

Se inauguró en el porteño Museo Nacional de Bellas Artes

En el año del Bicentenario de la Revolución de Mayo son varias las actividades culturales que se realizarán en todo el país. Pero el epicentro de los eventos, al menos por ahora, está ubicado en la Ciudad de Buenos Aires, donde se concentran la mayor cantidad de ellos.

En el marco de estos festejos, el porteño Museo Nacional de Bellas Artes inauguró ayer a las 19 la exposición Imágenes paralelas, con curaduría de Sara Facio. Son alrededor de 40 obras entre fotografías y pinturas, que van del siglo XIX a 1940 y que dan testimonio de una época a través de dos pilares: el paisaje urbano y el retrato.

Se trata de la primera parte de una muestra dividida en tres períodos que se irán exhibiendo a lo largo del año y que se propone develar los sucesos más destacados de cada época a través de la fotografía como testimonio de las mismas, en conjunción con la pintura, la escultura u otros soportes.

La selección de obras que se exhibirán en las tres exposiciones constituyó un arduo trabajo ya que se eligieron entre "más de 15 mil piezas que pertenecen al acervo del Museo Nacional de Bellas Artes", contó la fotógrafa Sara Facio, en su doble rol de curadora e impulsora de la muestra.
Esta exhibición ahonda en la primera mitad del siglo XIX en el país, período en el que hubo un intenso desarrollo de las artes plásticas, desde los artistas viajeros, pintores, dibujantes y grabadores que dieron testimonio de los inicios de la Gran Aldea, sus habitantes y episodios de nuestra historia bélica, hasta una generación de artistas nacidos en este suelo.

La segunda exposición, para mediados de año, retoma en la década del 50 y hasta 1990, una época muy prolífica, con obras de con fotógrafos destacados como Anne Marie Heinrich y Anatole Saderman, mientras que la última camada de obras representa el 2010, con fotografías de Marcos López en convivencia con pinturas de Antonio Berni, adelanta Facio.

La ciudad en fotos. La fotografía llegó a la Argentina en 1840, meses después de su aceptación como invento en Francia en 1839, por lo que al cumplirse el Bicentenario de la Nación existe un vacío de imágenes de apenas unas décadas.

Imágenes paralelas se propone testimoniar cómo era la ciudad y su gente en el siglo XIX, a través del paisaje urbano y el retrato, principales temáticas elegidas por los artistas de entonces, pero también busca los contrapuntos y paralelos posibles entre las miradas de diferentes creadores.
La fotografía, por otra parte, tuvo enorme importancia en el caso del retrato tanto por sus alcances como por el cambio profundo que significó mostrar clases sociales que no habrían accedido, de otro modo, a ser representadas por la pintura.

Este avance técnico permitió conocer la fisonomía, el vestuario y la actitud de nuestros antecesores y gracias a la fotografía pudo también percibirse la multitud que participó en las continuas guerras que azotaron al país durante el siglo XIX.

A raíz de la selección de obras, la curadora Sara Facio se propuso confrontar soportes y técnicas diversas, de artistas que convivieron a veces sin conocerse. "Me pareció que podía ser muy curioso en el mejor sentido de la palabra, es una manera de ver la historia desde otro punto de vista", dijo la fotógrafa.

"Una de las cosas buenas de esta exposición es que habrá litografías de siglo XIX de Carlos Morel que nunca antes se exhibieron, una serie muy importante", adelantó Facio sobre las obras del artista que ilustró calles porteñas, pulperías, gauchos y otros personajes de los primeros años de Argentina.

Facio también destacó que una temática que invadió la imaginería de la época fueron los gauchos, que en la muestra se pueden ver pintados por León Palliere, un pintor francés que se radicó en la Argentina, frente a las fotos del por entonces aficionado Francisco Ayerza, dos imágenes que conviven de una forma muy especial.

Otro contrapunto de la exhibición lo conforman las imágenes hogareñas del alemán residente en Buenos Aires Gustavo Schlottamnn, quien retrató la intimidad de su familia (su mujer y su hija juntas en una mecedora, vestidas con sus camisones), en paralelo a varios óleos de Eduardo Sívori.
Además, Facio destacó como "un hallazgo total" unos desnudos de Grete Stern del año '30 "muy realistas para su época" y una escultura de Libero Badii (fallecido en 2001).

Se ven también diálogos entre fotografías de Alejandro Witcomb con óleos de Prilidiano Pueyrredon o Carlos Descalzo, los suburbios de Buenos Aires representados por Alfredo Lazzari y los trabajos de Fernando Paillet, Lahore, Juan Di Sandro, Horacio Coppola y Alfredo Lazzari.

Fuente: Diagonales

Hija de Jagger, sexy en anuncios

Para promocionar unos jeans, Georgia May Jagger dejó ver su lado más sensual

El Universal CIUDAD DE MÉXICO

Hace unos meses se supo que una hija del rockero Mick Jagger, Georgia May, sería imagen de la firma Versace y ahora la joven ha aparecido de manera sexy en unos anuncios de jeans.

La chica de 18 años, cumplidos apenas el pasado enero, es imagen de la firma Hudson Jeans.

En una de las fotografías que publica dailymail.co.uk, Georgia aparece recostada en una cama vestida con unos jeans blancos y con una blusa abierta que permite ver sus sostén.

Otra imagen presenta a la joven, quien heredó los labios de su famoso papá, luce unos pantalones oscuros y se cubre el pecho con un chaleco.

El pasado diciembre Georgia fue elegida como la modelo del año 2009 en los premios de la moda británica.

Fotogalerías Hija de Jagger, sexy en anuncios

Fuente: El Universal