jueves, 4 de junio de 2009

La historia del teatro vista desde la cárcel

La obra se presenta a las 20 en 10 entre 54 y 55 y la entrada es un alimento no perecedero
Entrada: UN alimento no perecedero o pañales
Detenidas en la Unidad 33 de Los Hornos presentan una obra de la UNLP

Un acontecimiento extraordinario ocurrirá hoy en el Taller de Teatro de la Universidad Nacional de La Plata, cuando quince actrices suban a escena para protagonizar Brevísima e incierta historia del teatro. Las chicas habrán llegado poco antes, esposadas y cada una de ellas acompañada por un guardia de seguridad, que las escoltará de la Unidad Penitenciaria Nº 33 hasta la casa teatral, donde presentarán una obra en la que trabajan desde hace dos años, privadas de la libertad.

“Gracias por seguir encaminando nuestras vidas”, dice un cartel en el patio del centro educativo de la prisión en el que las internas ensayaban ayer la obra que hoy mostrarán en el centro platense. Hay una cartulina con las efemérides que recuerdan algunas fechas importantes de junio, como la muerte de Miguel de Güemes y el día de la ancianidad. En una pared hay un cartel con una frase de Paulo Freire, el alfabetizador brasileño.

El patio podría ser un patio de una escuela cualquiera, ubicado entre algunas pocas y pequeñas aulas y unas oficinas administrativas. Pero es el patio del centro educativo de la Unidad 33, allí no sólo hacen teatro las internas, sino que también recuperan años de estudio. Angela, de 56 años, no sólo va a las clases de teatro, sino que también se inscribió para hacer la secundaria. Y María, de 35, terminó el colegio el año pasado y ahora acaba de aprobar el ingreso a Derecho.

–¿Tiene pensado seguir estudiando abogacía cuando salga?

–No. Yo quiero ser técnica radióloga.

–¿Y entonces, por qué Derecho?

–Es lo que hay.

Como su nombre lo indica, la obra de teatro que presentarán hoy las internas de la U33 describe una breve historia del teatro. En escenas deliciosas –o desopilantes–, las actrices despliegan lo que aprendieron desde que en diciembre de 2006 comenzaron con los talleres a cargo del profesor Miguel Di Benedetto, para ir de siglo V antes de Cristo al teatro contemporáneo.

Algunas veces, son ellas mismas en el escenario, en un monólogo en primera persona se cuentan y piden un reconocimiento. Dicen que están tratando de mejorar. Después, salen cuatro para un lado y otras dos del otro lado escoltan a una mujer a la que dejan caer de rodillas. Es la mujer pecadora y el Cristo que dice: “El que esté libre de pecado que tire la primera piedra”.

Con la intervención del tallerista, autor y director Di Benedetto, las chicas navegan y bucean por todos los estilos posibles, van de la pantomima a Shakespeare, para inaugurar luego escenas del circo criollo, actuar a Pepino el 88 y su ayudante Polvorita, y se animan al Martín Fierro y eso de que “los hermanos sean unidos”. Ellas se emocionan. Y se divierten. Y entretienen.

En las intervenciones en solitario, cuando es una la que se encuentra cara a cara con el público, hablan de la vida en prisión y le reconocen al profesor de teatro haberles dado una energía para sobrevivir. Después, otras compañeras se unen para hacer una doble función radioteatro que se vuelve desopilante cuando los textos y personajes de una y otra obra se unen en una.

Sobre el final, el diálogo entre dos señoras con alto compromiso ecológico muestra un evidente desprecio por la vida de una pobre señora que pide unas monedas. Y cuando el profesor está por despedir la obra aparece un tal Walter Chorreti, político de profesión, que tienen hinchada propia para su mitín político.

María dice que no se hubiera imaginado nunca delante de la gente, actuando. Recuerda que era muy introvertida y agradece: “la cárcel te saca tu identidad y uno se encierra en sí mismo, pero el teatro te pone en otro lugar”. Celia contó que “el teatro nos fue sacando lo mejor que teníamos. Incluso cosas que nosotras ignorábamos que teníamos. A veces veníamos sin ganas, pero Miguel nos levantaba el ánimo, nos hacía chistes. Ahora podemos decir que estamos orgullosas del profesor que tenemos”. Y prometió: “cuando salga, que será este año, voy a seguir apoyando al profe desde afuera, para que las chicas que quieran, puedan seguirlo en su delirio”.

Fuente: Diagonales

Reestreno de "El Niño Perdido"


EL NIÑO PERDIDO

de Nelson Mallach

Actuación:
Rodolfo Balvidares
Daniel Gismondi
Nora Oneto
Jorgelina Pérez
Julio Salerno

Escenografía y Vestuario
Cristina Pineda

Dirección General y
Puesta en Escena
Alicia Durán - Daniel Gismondi

Producción
Grupo La Tramoya

El Niño Perdido es la búsqueda de una madre, también la de hijo.
Es la necesidad ejercer un rol posible, una función. Reunidos para el Reencuentro, que la mismo tiempo es un hallazgo, justo en el momento en que la felicidad parece concretarse, algo se descompone, se deshace. Los Roles se confunden. Por eso hay que reconstruir el pasado para entender cómo se perdió el rol aquel día. Todo muta. Una madre se olvida de su hijo por ser novia. Un hijo pierde a la madre para ponerse a prueba.
Un padre esconde. Una hija ya se olvidó qué hace ahí. El conductor de un absurdo reality show de encuentros cree hacer de ellos una trama que le es ajena, pero que al final termina atrapándolo.

ESPACIO 44 laboratorio creativo
Calle 44 N° 496 LA PLATA TE: 15 5907600
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María Creuza llega a La Plata


La cantante brasilera se presenta mañana a las 21 en el Coliseo

En su única presentación en la Ciudad, María Creuza, una de las máximas representantes de la Bossa Nova del mundo, actuará mañana a las 21 en el teatro Coliseo Podestá, 10 entre 46 y 47. Acompañada por André Luis Gonçalves (guitarra), César Romero Machado (batería), Heber Calura (bajo) y Víctor Damián Díaz Vélez (piano). Con la participación Especial del Cantante de Tango Santiago Burastero y el Coro Procanto Popular de la Ciudad de La Plata.

La cantante interpretará clásicos como Chega de Saudade (Vinicius de Moraes/Tom Jobim),Garota de Ipanema (Vinicius de Moraes/Tom Jobim),Amor en paz, (Vinicius de Moraes/Tom Jobim),Berimbao (Baden Powell),Samba da Bencho (Vinicius de Moraes/Tom Jobim),Eu Sei que vou te amar (Vinicius/Tom Jobim),Tomara (Vinicius de Moraes),A felicidade (Tom Jobim),Voce Abuso.

María Creuza nació en 1944, en Salvador de Bahía, el corazón rítmico del Brasil. Allí inició su carrera, presentándose en radio como cantante con distintas orquestas. Condujo en televisión su propio programa llamado "Encontro com María Creuza".

En 1969 fue invitada al Festival Universitario de Música Popular en Río de Janeiro. Su participación fue ovacionada por el público y la prensa brasileña y llamó poderosamente la atención de Vinicius de Moraes.

Su consagración internacional llegó en 1970 al ser convocada por Vinicius y Toquinho para acompañarlos en una gira por la Argentina, donde realizaron una inolvidable serie de recitales en "La Fusa". Con ellos grabó "Tomara", "Eu Sei que Vou te Amar", "Garota de Ipanema", "Você Abusou" y "Corcovado", entre otros.

Fuente: El Día

Teatro Lozano de la ciudad de La Plata

Teatro Lozano, Programa de radio de Agencia NOVA recibió el premio Galena 2007

Uno de los primeros Lozanazos, teatro lozano, la plata, diciembre de 1977.
De izquierda a derecha, skay cantando al frente, el indio a un costado,sí, de mameluco.

Teatro Lozano

Dirección: Calle 11 e/ 45 y 46 I Localidad: (1900) La Plata

Corría 1977. La dictadura militar ya había iniciado su mal llamado Proceso de Reorganización Nacional. En la ciudad de la Plata, unas personas con insólitas vestimentas, un payaso que oficiaba de maestro de ceremonias y un atrayente ballet; tocaban rock en sótanos y repartían buñuelos de ricota antes de cada recital. Nacía Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Hoy arquetipo de banda de culto del rock argentino.

La difusión era con panfletos, graffitis callejeros y el popular "boca a boca". Así, sus recitales fueron cada vez más populares y Los Redondos (como se los llamaba) fueron convirtiéndose en el símbolo del rock "under".

Debutaron oficialmente en el Teatro de Arte y Música de La Plata. Durante el mes de mayo de 1978 realizaron un exitoso ciclo de conciertos en el Teatro Lozano de La Plata recordados como los "Lozanazos". En esa época la banda estaba integrada por Skay, el Indio, Beto VERNI, Basilio RODRIGO (guitarra), Fenton (bajo), Bernardo RUBAJA (teclados), VENTURA (percusión y voz) y Ricky RODRIGO (violín), a quienes se les sumaba el "maestro de ceremonias" Sergio "Mufercho" MARTINEZ, el "ballet ricotero" (integrado por cinco chicas bien dotadas) y Edgardo como "El Sultán". También estaban Néstor MADRID(bajo) y Guillermo MIGOYA (batería).

Pero de a poco la banda se fue dedicando más al rocanrol y fue dejando de lado a los personajes extra-musicales.
Si bien la música siempre formó parte esencial de los shows de Patricio Rey, en las primeras presentaciones en teatros de La Plata se ponían en escena números de teatro y ballet.

Fuente: vencedoresvencidos

Agenda Teatro La Plata

Cristina Alberó y Carolina Papaleo
Teatro

Flores de acero.- Hoy a las 21 en el teatro La Nonna, 47 esq. 3, se presenta la obra protagonizada por Irma Roy, Cristina Albero, Marta Gonzalez, Carolina Papaleo, Cristina Del Valle y Luciana Ulrich.

Los Rimenver Internacional.- Todos los jueves a las 22 en El Teatro, 43 entre 7 y 8, presentan su nuevo espectáculo de humor.

Matias Streitenberger.- Hoy a las 22.30 en Mirapampa, 17 y 71, presenta su show Monólogos de Humor.

Quiroguianas.- Hoy a las 22 en Cultural favero, 117 y 40, T.I.A Teatro presenta la obra en homenaje a Horacio Quiroga.

Rohaihú.- Hoy a las 21 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, se presenta la obra de Delfino y Rafart.

Buenos Aires, Hiroshima, Líbano.- Hoy a las 20 en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, se presentará la obra de Mariela Anastasio. Con entrada gratuita.

Fuente: El Día

IV Encuentro nacional de escritores


En la Sala Polivalente del Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, desde hoy y hasta el sábado, se llevará a cabo el "IV Encuentro Nacional de Escritores. La escritura y el tiempo" y se extenderá hasta el día sábado. El evento quedará inaugurado a las 18.30 con un homenaje al escritor Julio Cortázar a cargo de la Dra. en Letras María Minellono. En tanto, a las 20, Mario Trejo y Rafael Felipe Oteriño tratarán el tema "La ciudad natal en la escritura".

El encuentro tiene por objetivo afianzar la experiencia lanzada en el año 2004 brindando a los interesados un espacio propio de intercambio variados en temas y expositores.

Durante los tres días, el público tendrá la posibilidad de intercambiar opiniones con Mario Trejo, Rafael Felipe Oteriño, Guillermo Pilía, Juan Bautista Duizeide, Eric Schierloh, Facundo Bánez, Patricia Coto, Pablo de Santis, Silvia Hopenhayn, Mirta Rosenberg, Leonardo Martínez, Martín de Souza y Liliana María Pérez, entre otros. A su vez, se realizará un taller sobre Escritura Dramática a cargo de Susana Torres Molina.

El programa auspiciado por la Universidad Nacional de La Plata y organizado por la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de La Plata, tendrá su cierre el sábado a las 20 con la presencia de César Aira y Mario Arteca.

Fuente: El Día

Una exaltación del cuerpo despojado

Maneries explora las posibilidades expresivas del cuerpo desde la quietud a pequeñas formas corporales.
DANZA › LAS OBRAS MANERIES, DE LUIS GARAY, Y TUALET, DEL GRUPO JOB

Los trabajos de dos jóvenes coreógrafos exploran las posibilidades expresivas del movimiento y experimentan con un montaje y espacios no convencionales sin apelar al relato lineal. “Quisimos reducirlo al grado cero”, precisa Garay.

Por Carolina Prieto

Si el reciente Festival Ciudanza sorprendió a miles de vecinos con creaciones al aire libre teñidas de humor, energía y mucha creatividad, la vitalidad de la danza local no se detiene y, con la llegada de los primeros fríos, se muda al interior de las salas. Los teatros del Abasto, una de las sedes porteñas de lo nuevo, se abren cada vez más al movimiento, al punto de que dos espacios de ese barrio son testigos de un boom inusual. Públicos que desbordan, apuestas al riesgo y a la experimentación en lugar de fórmulas ya transitadas y una calidad artística muy alta. ¿Las reacciones? Desde ovaciones y caras perplejas que acaso necesitan tiempo para digerir lo visto hasta espectadores que se levantan y se van. En el Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, los sábados a las 21), el coreógrafo colombiano Luis Garay, 28 años y radicado en Buenos Aires, presenta Maneries, su nuevo trabajo.

Una exploración de las posibilidades expresivas del cuerpo, desde la quietud total, el mínimo e imperceptible desplazamiento de una mano hasta alcanzar pequeñas formas corporales que se combinan de lo simple a lo complejo en un engranaje perfecto. DJ en vivo, una intérprete apabullante (Florencia Vecino) y una mezcla de luces, sonidos y cuerpo desnudo que cautivan. A unas pocas cuadras, en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759, los viernes a las 22) la cita es con Tualet, del jovencísimo grupo JOB dirigido por Juan Onofri Barbato, de 25 años. Es un montaje impactante de danza en vivo y filmada, objetos y pantallas que revelan espacios reales y sugeridos con múltiples guiños a la percepción, en un circuito casi ininterrumpido a cargo de dos intérpretes que son dinamita (Nicolás Poggi y Sergio Villalba). En ambos casos no hay un relato lineal ni pretensiones narrativas, más bien búsquedas para espíritus abiertos.

Es difícil permanecer indiferente ante las obras de Garay. En Parto, presentada el año pasado en Ciudad Cultural Konex, el creador se unía a Pablo Castronovo en una serie de dúos impecables mientras una pantalla reproducía textos fragmentados y sin un sentido literal. El espectador se enfrentaba con una serie de signos corporales y lingüísticos contrastantes -el dúo funcionaba como un todo organizado y armónico; las palabras sugerían lecturas distintas– y podía armar su propio collage. Pero más allá de esta complejidad, los cuerpos se entregaban ciento por ciento a una danza furiosa. En Maneries pasa lo mismo, o casi.

Es que la bailarina, ultradelgada, fibrosa y blanquísima, permanece casi inmóvil durante más de diez minutos, apenas iluminada y bañada por sonidos mínimos que el DJ Mauro AP dispara desde su laptop. Parada frente al público, Vecino levanta antebrazos y manos en forma lentísima e imperceptible. El cuadro puede irritar pero es evidente que algo está pasando. Hasta que las manos, ya cerca del rostro, se embarcan en movimientos que, de a poco, van incorporando al cuerpo entero. La música y las luces cambian y ella despliega un abanico de gestos y desplazamientos que se conectan y se interrumpen en forma imprevista. Hay repeticiones, aceleraciones que cortan el aliento y ralentamientos.

Un encadenamiento de secuencias ejecutadas con la perfección de un reloj suizo dibujan un círculo en escena, como si ella fuera una atleta en la pista. Transpira, inhala con esfuerzo, y esa maquinaria de signos corporales adquiere de pronto una nueva forma. Florencia se desnuda y su figura ultrablanca crea formas rectilíneas, curvas, atléticas, robóticas, con algo de animal, o rozan el humor. Un entramado de imágenes potentes que simulan pinturas en movimiento. ¿Incómodo bailar sin ropa? “Para nada, lo más tensionante es el comienzo.

Tengo que estar muy concentrada para mover los brazos de a milímetros”, comenta la intérprete. “Quisimos llegar al punto mínimo. Reducir todo al grado cero para que el menor movimiento fuera significativo. Reducir la información y de a poco ir acumulando más y más”, agrega Garay. Coinciden en que la apertura no fue pensada para provocar al público: era necesaria al planteo, surgido de una investigación sobre ciertas formas que el cuerpo humano adoptó a lo largo de la historia.

“La simetría perfecta de Leonardo Da Vinci, las Venus, el hombre máquina, ciertas formas del romanticismo, el cuerpo de las publicidades de los ’60. Referentes con los que creamos un glosario de formas por las que Florencia transita durante una hora y veinte. Son como un back up de recursos con los que improvisa”, explica el colombiano. Por eso cada función es distinta: las formas y las duraciones varían; bailarina-dj-iluminador tienen que estar muy conectados. Fueron casi siete meses de ensayos hasta estrenar en Zurich (es una coproducción con Suiza), actuar en Alemania y Portugal y desembarcar acá. Y la dupla está tan entusiasmada que después de llevar Maneries –término que Garay tomó del filósofo italiano Giorgio Agamben, que alude a las formas manantiales o que dan origen– a Brasil y España, quieren bocetar una segunda parte sumando muchos bailarines.

Juan Onofri Barbato tiene más pinta de deportista que de bailarín. Puro músculo y vitalidad, se dedicaba al tango y a los deportes antes de dejar Neuquén para estudiar danza contemporánea en el Taller del Teatro San Martín. De allí egresó con un trabajo que llamó “Ansia” y que conforma los primeros dieciocho minutos de Tualet, la pieza que desde su debut acapara cientos de espectadores. ¿El origen? Las ganas de trabajar con ciertos objetos que lo atraían (un baño químico y un techo móvil que recibe y emite luz) y de su permanente obsesión por el modo en que los cuerpos ocupan el espacio.

En el escenario del Callejón, dos chicos se multiplican en un circuito de espacios reales (el piso, un fondo elevado) y en una pantalla que los muestra reptando como arañas, saltando o en el interior del baño que aparece en escena. El montaje entre el vivo y el video es muy aceitado; los cuerpos parecen destinados a no aquietarse nunca, pasando de un lugar a otro con algo de ilusionismo. “No descansan nunca, no se instalan, como impulsados por el ansia de acomodarse en un lugar pero sin poder lograrlo.

Como no poder encajar del todo el cuerpo, algo habitual en la ciudad”, explica el coreógrafo. Plásticos y dinámicos, Nicolás Poggi y Sergio Villalba se buscan, se evitan y se atrapan en un baile vertiginoso animado por sonidos electrónicos. “Nos despreocupamos en clarificar el vínculo entre ellos. Pero creo que está cerca de la amistad que se da en la adolescencia con mucho juego, complicidad y contacto corporal”, comenta. En Tualet no hay una unidad estilística, más bien contraste entre el solo del comienzo (redondeado y armónico mientras el techo desciende y parece comprimir al bailarín) y el parkour que domina la segunda parte.

Esta disciplina nacida en Francia supone ir de un punto a otro en línea recta atravesando todo lo que se interpone. “Es un lenguaje callejero y deportivo, con saltos, agarres, corridas”, aclara Barbato. La obra demandó tal esfuerzo de producción que ahora Onofri sueña con lo opuesto. “Quiero poder llevar el próximo espectáculo en la mochila. Llegar a un espacio público, ocuparlo y darle vida”, asegura, profundizando así lo que hizo en una explanada de césped de Puerto Madero en el marco de Ciudanza con Ocupaciones breves, donde sólo utilizó una serie de carpas plegables como marco para la acción. Pero aún falta: Tualet aspira a completar la temporada antes de pegar el salto para el interior y cruzar fronteras
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Fuente: Página 12

Dos próceres suben a escena

Una oportunidad para conocer más detalles de ese momento histórico

Lito Cruz y Rubén Stella son San Martín y Bolívar en la obra de Pacho O'Donnell

Con una historia basada sobre un texto "Guayaquil" de Pacho O`Donnell, los prestigiosos artistas Lito Cruz y Rubén Stella representarán lo sucedido en la intimidad de la célebre entrevista realizada en Guayaquil. Así, y después de haber estrenado en el interior del país, "Guayaquil. El último abrazo americano" subirá a la escena de la Sala Andamio 90 -Paraná 660- de Capital, durante todos los jueves de junio y julio.

"Desde que el público comienza a entrar en la sala, ya estamos en escena y permanecemos allí todo el tiempo. Es para que el espectador pueda armar la imagen Rubén Stella-Bolívar, Lito Cruz-San Martín. Es que cada uno ya tiene una imagen de estos próceres en su cabeza. Por eso me pareció importante el tema de la escenografía y la luz, para que el espectador pudiera darse un tiempo y pudiera reconstruir aquel encuentro, aquella época y esos personajes. De ese modo, cuando se apagan las luces de la sala, aquel diálogo legendario, extraño y misterioso, donde hay muchas hipótesis de los historiadores, puede tener lugar", explicó Lito Cruz sobre el desarrollo en escena.

Durante la obra, el abrazo se vuelve conmovedor: San Martín y Bolívar sacuden sus palmas sobre las espaldas de felpa y, en ese mínimo y vital revuelo del aire, hay un aliento que sube hacia la respiración de la historia y, acaso, se esfuma como la vida de los hombres.

El relato se centra en la entrevista que compartieron los dos próceres el 24 de julio de 1822. Simón Bolívar desde el Norte y José de San Martín desde el Sur fueron venciendo a las fuerzas realistas que, a toda costa, deseaban continuar la dominación Imperial. Quedaba un solo bastión de 25 mil soldados leales a la Corona española en el ya moribundo Virreinato del Perú.

En ese contexto Bolívar y San Martín se encontraron en Guayaquil con un proyecto compartido: terminar con el enemigo pero también construir la Patria Grande, la unión de las flamantes naciones Hispanoamericanas que, sólo así, en estrecha comunión de ideales y de proyectos, tendrían la fortaleza suficiente para oponerse a la voracidad de las potencias de entonces. Pero la anarquía y las conspiraciones, fomentadas por la ciega ambición de no pocos jefes independistas y por la acción de los agentes extranjeros, terminarían haciendo inútil esa lúcida y épica inspiración de las dos mayores figuras de la Historia Americana.

Fuente: El Día

Pasiones y desventuras de la vida de un escritor


Haroldo Conti, Homo viator (Argentina/2008). Dirección: Miguel Mato. Con Darío Grandinetti, Ana Yovino, Carlos Santamaría y otros. Guión: Miguel Mato y Eduardo Spagnuolo. Fotografía: Jorge Crespo. Música: Esteban Morgado. Presentada por Caras y Caretas. Hablada en español. Duración: 90 minutos. Calificación: apta para todo público.
Nuestra opinión: muy buena



El director Miguel Mato recogió aquí la figura del escritor Haroldo Conti, sus ideas acerca de la política y de la sociedad y su inmensa pasión por su Chacabuco natal a través de un film que oscila entre la ficción y la realidad en un logrado intento de pergeñar la existencia de ese hombre que en los peores momentos de la dictadura fue secuestrado y nunca hallado.



El realizador, sin embargo, no enclava su obra en el Conti militante, sino que lo ubica en los momentos más cotidianos de su vida, junto a sus hijos, a su mujer y a esa paz que lo envolvía cuando regresaba desde un Buenos Aires que lo aturdía a la tranquilidad de su Chacabuco natal.



Darío Grandinetti es el encargado de ponerse en la piel del escritor, que fue tanto maestro rural como profesor de filosofía, periodista, seminarista y director de teatro.



El retrato de Haroldo Conti va así tomando fuerza en el film entre la lograda personificación que hace de él Darío Grandinetti y fotografías, recortes de diarios y revistas y fragmentos de noticieros en los que el literato dejó estampada su mirada hacia el hombre y sus micromundos, y en las palabras de familiares y amigos que lo recuerdan como alguien que luchó por sus inclaudicables ideas de libertad de una sociedad amarrada a un tiempo histórico argentino de brutalidad e intolerancia. Así, con fuerza emotiva, Miguel Mato logró un fiel retrato de ese escritor ahora casi injustamente olvidado y rescata de él su permanente búsqueda de la verdad y de la justicia a través de su propia voz y de las páginas de algunas de sus obras que, con cálido acento, lee Darío Grandinetti. El elenco, que se completa con Ana Yovino y con Carlos Santamaría, apuntala este homenaje.


Adolfo C. Martínez
Fuente:La Nación

miércoles, 3 de junio de 2009

MESON TACUARI

Reestrena obra de la Comedia Municipal

"Buenos Aires,Hiroshima,Líbano". Este jueves a las 20:00 hs en el Pasaje Dardo Rocha


Se trata de "Buenos Aires, Hiroshima, Líbano"
(ganadora del Concurso Municipal de Proyectos teatrales 2008)


El próximo jueves 4 de junio, a las 20:00 hs en la Sala A del Pasaje Dardo Rocha, volverá a subir a escena este espectáculo producido por la Comedia Municipal de La Plata.
Las presentaciones continuarán los jueves 11 y 25 de junio, también en el Pasaje, siempre con entrada gratuita.

El concurso

El pasado año, la Comedia realizó una convocatoria a directores platenses para presentar sus proyectos teatrales. El premio consistía en la financiación de la producción de la obra seleccionada. En esa ocasión fue Mariela Anastasio quien resultó ganadora, con "Buenos Aires, Hiroshima, Líbano" (un texto de su autoría). Luego se convocó a un casting, y así se eligió al actual elenco: Ana María Haramboure, Néstor Villoldo y Ernesto Meza. El diseño escenográfico fue de Valeria González, y la realización estuvo a cargo de Omar Anastasio. En el diseño sonoro, el compositor Emilio González Tapia.

La obra

“Buenos Aires, Hiroshima, Líbano” es una historia futurista. Muestra el deterioro de tres sobrevivientes que desde hace mucho tiempo conviven en el rincón de un vagón de tren en el que viajaban escapando de una feroz guerra que se había desatado en Buenos Aires, quedando varados en un pequeño pueblo llamado “Líbano”. Estos seres han perdido la noción del tiempo y parte de su memoria debido a la contaminación del aire. A veces pueden recordar algo y se angustian; otras, inventan juegos para pasar el tiempo y hay momentos en que se entusiasman con poder cambiar algo, moverse por ejemplo. Con pasión repentina ensayan experimentos para mover el tren y encontrar un lugar mejor para seguir viviendo

Quedan todos invitados.

Fuente: El Día

"El Teatro" Café Concert - La Plata


"El Teatro" Ciudad de La Plata funciona en una antigua casona de comienzos del siglo pasado, cuenta con el escudo de la familia europea que la habitó en el hogar del hall central y en todos sus vitraux; el hall de acceso está abrazado por una escalera tallada a mano y toda su carpintería es original.
La familia Costamagna transformó esa casa en teatro y la bautizó sala Honorato Costamagna. El 19 de noviembre de 1982, cuando La Plata celebraba sus cien años, el teatro también conocido como "El teatro', abrió sus puertas por primera vez.

La Princesa Rana en "El Teatro"

Algunas curiosidades son desconocidas por los platenses que diariamente transitan la calle 43 entre 7 y 8, donde está ubicado. Como por ejemplo, que ese espacio alberga objetos de arte que fueron adquiridos en remate tras el incendio del teatro Argentino. Por ejemplo, los pisos de mármol del foyer principal, los basamentos de mármol de las columnas que hoy sostienen el escenario; las columnas de las barandas de la escalera del hall central las puertas y ventanas de 1/2 punto que formaban parte de la antigua fachada, hoy colocados en el acceso y en la boletería, también la urna de los boletos donde se depositan las entradas.

Fuente: El Día

Gran parte de su estructura original pertenece al viejo Teatro Argentino. Durante algunos años la sala de "El Teatro café concert" fue cedida a los espectáculos del Teatro Argentino y de La Comedia de La Provincia de Bs As; pasaron por su escenario artistas nacionales e internacionales, obras teatrales, conciertos, tango, recitales de rock, exposiciones y las más variadas propuestas culturales.

Fuente: señalesdehumor

“Nada de infantil ni de ingenuo”

En el Festival, Erlich interpreta la obra Matrizka, inspirada en las muñecas rusas.Imagen: Leandro Teysseire
TEATRO › CAROLINA ERLICH Y EL VI FESTIVAL DE TITERES PARA ADULTOS

Así define la organizadora el evento preparado por el grupo El Bavastel, una vidriera para grupos que utilizan técnicas de guante, teatro de objetos, de manos y de sombras. “No había público suficiente y tardamos en ocupar un lugar”, dice.

Por Hilda Cabrera

¿Qué es una matrioshka y cuál su significado? La convención dice que es una muñeca rusa creada a comienzos del siglo XIX, para algunos símbolo de continuidad a través de la mujer, de sabiduría y larga vida o reproducción femenina al infinito, y para otros de una fertilidad que acaba sólo si con la madera del vientre ahuecado de la última muñeca se talla la figura de un varón. La actriz y titiritera Carolina Erlich cuenta que al proyectar Matrizka, el más reciente espectáculo del grupo El Bavastel, que fundó en 1993 y para el cual produce, quería trabajar con juguetes y que, con cierta melancolía y recordando a la matrioshka (o babushka) con la que su abuela a veces la dejaba jugar, pensó armar un espectáculo para niños. Pero sucedió que al comentar su propósito a Mario Marino –director de Matrizka, en la que Erlich es única manipuladora– el trabajo derivó en obra para adultos: “Mario me dijo que esas muñecas le dan terror, que esto de que de adentro de una mujer sale otra y otra y otra no tiene nada que ver con el mundo infantil ni con la ingenuidad”.

El comentario sorprendió e interesó a Erlich al punto de convertir el proyecto inicial en espectáculo para mayores. Así nació la inquietante Matrizka, incorporada al programa del VI Festival de Títeres para adultos que organiza anualmente El Bavastel en coproducción con el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral (Celcit). Este encuentro incluye una kermesse de apertura (el jueves 11, a partir de las 20.00, en el Centro Cultural Caras y Caretas) con escenas de diferentes trabajos, la inauguración de una muestra de objetos y figuras de papel y un recital del músico y cantante Palo Pandolfo. Participan del festival grupos que utilizan técnicas del títere de guante, el teatro de objetos, de manos y de boca, el teatro de sombras y bunraku. Se realizará además una función de reconocimiento a la trayectoria del maestro titiritero Roberto Docampo, donde se verá Bar Tango, de Miguel Rur. Las funciones se ofrecerán en el Teatro Celcit y el C. C. Caras y Caretas, en tanto la charla abierta con el homenajeado Docampo se hará en el Teatro Tornavías de la Universidad Nacional de San Martín.

Si bien la disciplina titiritesca fue en un comienzo el complemento a la actuación, Erlich –formada en los talleres de Julio Chávez, Lorenzo Quinteros y Cristina Banegas– encontró en el arte de los títeres una forma de vida. Se inscribió en el taller del titiritero Gerardo Nine y se halló “en medio de un torbellino de producciones” que la decidió a profesionalizarse. Fundó El Bavastel con Mara Sperandío (ahora ex Bavastel) y trabajó en las plazas, experimentando con espectáculos para niños: “Nos sorprendíamos de lo que pasaba en cada función –memora la actriz–. Para nosotras fue una manera de insertarnos laboralmente. Después incorporamos más gente al grupo y yo comencé a ocuparme también de la producción. El grupo cumplió ya quince años de vida y lo festejamos como corresponde”.

–¿Tuvieron igual aceptación con los títeres para adultos?

–En 1998 hicimos la primera puesta para adultos. Cuando la estrenamos sonaba raro; además tiraba la fantasía de lo pornográfico. Tuvimos que dar muchos pasos antes de poder ocupar un lugar y que reconozcan nuestras propuestas. Se trabajaba mucho en el país, pero no había público suficiente. Por eso algunas compañías buscaban camino en Europa.

–¿Pasa también hoy?

–En España hay una movida bastante importante. Lo mismo en Francia, porque las comunas apoyan estos trabajos. Con El Bavastel hemos hecho gira de hasta dos meses por varias ciudades españolas. Ahora viajamos menos: la producción del festival nos lleva mucho tiempo.

–¿Cómo eligen las obras?

–El grupo se compone de ocho personas, seis trabajamos en Buenos Aires y en general dos recorren el interior, porque preferimos ver las obras in situ y no decidir sobre los videos. Buscamos no repetir los espectáculos presentados en ediciones anteriores, salvo que se trate de un trabajo que coincida con una creación del artista homenajeado. Cuando organizamos el reconocimiento al maestro Roberto Espina, invitamos al grupo El Chonchón, de Córdoba, para que presentara una obra de este autor. Este año el homenaje es a Roberto Docampo, un realizador de títeres admirado por las generaciones jóvenes. Ellos son nuestros maestros, personajes emblemáticos dentro de la profesión.

–¿Las versiones deben ser autorizadas?

–Sí, los mecanismos y las estipulaciones legales son las mismas que para el teatro de actor. Hay que pedir el permiso en la asociación autoral. Algunos autores son muy sensibles respecto del material y quieren ver la puesta de sus obras antes de los estrenos.

–¿Qué temas le importa desarrollar?

–Algunos dicen que encuentran en mis puestas una preocupación por el paso del tiempo.

–¿Como en Las vueltas de la vida o Vida bífida, donde el personaje Ramírez nace, crece, se reproduce y muere, pero no totalmente, porque se bifurca y accede a una segunda vida?

–Reconozco que hasta ahora no había sido consciente de eso, aunque en la calesita de Las vueltas de la vida, que es teatro para adultos, está muy presente. En general parto de una imagen o de un metejón con alguna cosa. Escribo basándome en los ensayos, observo a mis compañeras trabajar y anoto...

–¿Qué o quién define el desarrollo del espectáculo?

–El títere (o el objeto) propone y el grupo escucha. Esto es lo más interesante del trabajo. Las puestas más ricas se dan en ese juego. En Matrizka quedó clarísimo. Empezamos a hablar de la familia, la maternidad, el orden, de lo que nos alinea o va de mayor a menor y se relaciona con la obediencia, con el mandato de no transgredir. En nuestro trabajo es importante “hacer silencio” para escuchar mejor lo que el material propone.

–¿Prefieren los objetos que enlazan con la infancia?

–En mis obras tomo los que me parecen más acertados para lo que quiero contar. En Caminito de hormigas, un espectáculo infantil, utilizamos utensilios de cocina –un cucharón, una cucharita de café...– porque los chicos pueden reconocerlos inmediatamente.

–¿Influyen en sus obras la narrativa, la poesía, el cine?

–Cada una de esas artes me interesa, pero lo que me fascina es el cine de animación, que es muy pariente de los títeres. He encontrado inspiración mirando dibujitos animados o animación en otras técnicas, y también en la pintura y la danza. La narración estaba mucho más presente en los primeros infantiles del grupo. Entonces partíamos de un cuento conocido o de un relato que había surgido espontáneamente. Caminito de hormigas, por ejemplo, partió del relato que nos hizo una nena en una función. Era un delirio, pero algo de lo que dijo nos gustó. De allí el cuento de Simona, una niña distraída que se va perdiendo en su propio juego. Cuando se trabaja con chicos hay que tener un oído muy fino para escuchar y entender qué esperan. El niño es de una sinceridad total, si algo no le gusta pide irse, o directamente se va.

Fuente: Página 12

martes, 2 de junio de 2009

Teatro Argentino de La Plata provincia de Buenos Aires

RESEÑA HISTORICA

Con la capitalización de la ciudad de Buenos Aires, a fines del siglo diecinueve, quedó sin su cabecera la provincia más importante del país. Las alternativas que se abrieron entonces fueron designar sede del gobierno provincial a algún emplazamiento urbano ya existente o crear una nueva ciudad. Finalmente se optó por levantar una capital provincial y, por iniciativa del Dr. Dardo Rocha, se fundó el 19 de noviembre de 1882 la ciudad de La Plata.

El arquitecto Pedro Benoit fue el responsable de la planificación urbana de la flamante capital, que incluía imponentes edificios públicos pero no preveía la construcción de un teatro. Concientes de su necesidad, un grupo de vecinos constituyó la Sociedad Anónima Teatro Argentino e inscribió como propio, en 1885, el terreno comprendido entre las avenidas 51 y 53 y las calles 9 y 10, con el propósito de erigir allí una sala de espectáculos.
El proyecto fue encargado al italiano Leopoldo Rocchi, quien ideó una planta en forma de herradura, según el modelo peninsular, y se ajustó a los cánones estilísticos renacentistas. Cinco años demandó la construcción del espectacular teatro, que con sus cinco niveles –entre palcos y galerías- tenía capacidad para albergar a más de 1500 espectadores.







Foto der: Vista del antiguo edificio y sus jardines
Foto centro: Vista general de la Sala Principal
Foto izq: Vista general del antiguo edificio

Finalmente, coincidiendo con el octavo aniversario de la ciudad, el 19 de noviembre de 1890, el Teatro Argentino levantó por primera vez el telón En aquella jornada inicial se cantó “Otello”, la ópera de Giuseppe Verdi, con un elenco encabezado por la soprano italiana Elvira Colonnese, el tenor uruguayo José Oxilia, el barítono Pietro Cesari y la mezzosoprano Margarita Preziosi. Inauguraba así sus actividades una institución llamada a convertirse en una de las principales difusoras de las artes musicales, líricas y coreográficas.

Los problemas financieros de la sociedad propietaria derivaron en 1937 en la toma de posesión de la sala en manos del gobierno provincial, por lo que a partir de allí el Teatro Argentino se constituyó en una institución cultural de carácter oficial. Tras una profunda refacción del edificio, las autoridades creyeron necesaria una estructura que le permitiera montar íntegramente sus propios espectáculos, por lo que en 1938 se crearon la Orquesta y el Coro Estables, y ocho años más tarde, el Ballet. Estos Cuerpos tuvieron el apoyo de los distintos sectores técnicos con los que el Teatro emprendió destacadas temporadas, alternadas en época estival con el Anfiteatro Martín Fierro del Paseo del Bosque.

El 18 de octubre de 1977 el Teatro Argentino vivió la jornada más dramática de su historia. A las 14.30, mientras ensayaba el ballet, un voraz incendio se desató en el escenario que en pocas horas redujo a cenizas la sala de estilo renacentista. Sólo permanecieron en pie el foyer y las paredes perimetrales.



LA NUEVA ETAPA

Ante el desgraciado suceso, las autoridades gubernamentales de entonces decidieron la demolición y la construcción, en el mismo sitio, de un gran complejo artístico-cultural. Las obras del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino se iniciaron en 1980 y el plazo para su terminación se calculó inicialmente en cuatro años. Sin embargo, los trabajos sufrieron constantes retrasos y frecuentes períodos de paralización.

Sin su sede propia, el personal del Teatro debió repartirse por distintos sitios de la ciudad para seguir desempeñando sus tareas. En 1987, cuando las autoridades provinciales vieron la demora que padecía el levantamiento del nuevo complejo, decidieron alquilar mientras tanto la sala del ex cine Rocha.



Foto izq: Sala de cámara
"Astor Piazzolla"

Foto centro: Vista general del
nuevo edificio

Foto der: Sala lírica
"Alberto Ginastera"

Reformado para cumplir su cometido, el ámbito de la calle 49 entre 7 y 8 cobijó, desde entonces, las óperas, los ballet y los conciertos programados. Se sumaron a este esfuerzo conjunto los más destacados artistas nacionales de las distintas disciplinas que acompañaron a los cuerpos estables. Allí se celebró en 1990 el Centenario del Teatro con la puesta en escena de “Otello”, la ópera de Verdi que cien años atrás había inaugurado la institución.

Finalmente, el 12 de octubre de 1999 se inauguró la sala principal, a la que posteriormente se denominó Alberto Ginastera , del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino , con un programa que incluyó, en su primera parte, el ballet “Tango en Gris” con coreografía de Oscar Araiz y música de Atilio Stampone, y en el complemento, un concierto lírico en el que se interpretó fragmentos de óperas de los compositores Giuseppe Verdi, Charles Gounod, Umberto Giordano y Gaetano Donizetti. La sala posee la forma tradicional “a la italiana” en herradura, y entre plateas y los tres niveles de palcos y galerías está en condiciones de albergar a 2000 espectadores.

La maquinaria escénica de avanzada permite ofrecer obras de difícil montaje, con plataformas móviles y un sistema computarizado de iluminación de última generación. Presidiendo la sala se alza una imponente araña de bronce de tres toneladas y 400 lámparas de 25.000 wats. Unos meses después, el 22 de mayo de 2000, quedó inaugurada la Sala Astor Piazzolla , dedicada a las artes de cámara con capacidad para 300 espectadores. Asimismo, en el primer subsuelo fue habilitada la Sala de Exposiciones Emilio Pettoruti , espacio en el que se realizan grandes muestras dedicadas a las artes plásticas. Con la recuperación de su sede propia, el Teatro Argentino volvió a contar con condiciones óptimas para cumplir con su noble objetivo: acercar a sectores cada vez más amplios de la población las más jerarquizadas manifestaciones artísticas.

Fuente: teatroargentino

Anfiteatro del lago "Martín Fierro" de La Plata

Entrada del Anfiteatro escenario del festival internacional de folklore 2009 organizado por la provincia(foto:amprovincia)


Anfiteatro del lago "Martín Fierro". Escenario y primeras filas. (foto:flickr)

La función más esperada
Del 19 al 22 de marzo de 2009 se realizó el 1ºFestival Internacional de Folklore

Tras cinco años de permanecer cerrado al público, el jueves 19 de marzo de 2009, el Anfiteatro “Martín Fierro” reabrió sus puertas. Ubicado en el Bosque platense, nació para convertirse en escenario de las temporadas veraniegas del Teatro Argentino

En la noche del 18 de noviembre de 1949, una parte importante de la “sociedad” platense se reunió en el Paseo del Bosque para asistir a la inauguración del Anfiteatro “Martín Fierro”. El espacio fue emplazado en la isla que se encuentra bordeada del lago artificial y donde antes había funcionado el viejo Teatro del Lago. El evento sirvió para recibir -en la medianoche- el 67° aniversario de la fundación de la ciudad de La Plata. Esa noche compartieron la dirección de orquesta Armando Di Giovambattista, Mariano Drago y Enrique Vacano, se interpretó la farsa coreográfica de Aurel Milloss El Barbero de la esquina y escenas de la ópera La Dolores de Tomás Bretón.

El lugar se construyó por iniciativa del entonces gobernador bonaerense coronel Domingo Mercante, con el fin de que se convirtiera en el escenario de las temporadas de verano, debido al éxito que en ese momento generaba el teatro Argentino. Eran años en que los platenses estaban ávidos de ver y oír las distintas expresiones artísticas que circulaban por la ciudad.

Tras permanecer cinco años cerrado al público, en marzo de este año fue reinaugurado por el gobernador Daniel Scioli y por el presidente de Instituto Cultural de la Provincia, Juan Carlos D’Amico, aunque para su relanzamiento artístico hubo que esperar hasta el jueves, cuando se inició el Festival Internacional de Folclore.

Bajo las estrelllas
El Anfiteatro “Martín Fierro” fue construido siguiendo un estilo neoclásico, que no desentonara con el de los principales edificios públicos de la ciudad. A un imponente escenario de 10 metros de frente por 10 de profundidad, se le agregó una pérgola bordeada de columnas que unía el portón de entrada con el edificio principal.

El espacio presenta una distribución funcional en forma radial y concéntrica al escenario. La particular disposición de las sillas permite una gran visibilidad para todos los espectadores.
“Queremos ser precisos con la información para no crear falsas expectativas, el presupuesto es mucho mayor para dejarlo totalmente en condiciones. Hicimos lo básico que fue reparar el escenario, cambiar las 2.000 butacas que estaban totalmente destrozadas y asegurar el piso. Es uno de los escenarios más lindos que tiene la ciudad, la Provincia y también la Nación, y con este festival le vamos a dar el lanzamiento aprovechando la temporada otoño-invierno y luego continuaremos con las refacciones para que próximamente las obras puedan estar terminadas”, explicó Juan Carlos D’Amico a una emisora local.

Con su reapertura, la ciudad recupera un espacio cultural que acompañó las noches de verano de distintas generaciones de platenses, que en pleno Bosque y bajo un cielo estrellado disfrutaron de los mejores espectáculos musicales y teatrales.

Fuente: Diario Hoy

Donde los bailarines son las estrellas

Sandra Guida, Ivana Rossi, Nicolás Armengol, Rodolfo Valss, Gustavo Monje, Rubén Roberts y un cuerpo de baile magistral, en el cierre del musical de El Nacional

En Caravan, the jazz musical, los intérpretes llevan adelante, con virtuosismo, una narración poco profunda

Caravan, the jazz musical. De Diego Romay. Intérpretes: Sandra Guida, Rodolfo Valss, Nicolás Armengol, Ivanna Rossi, Gustavo Monje, Rubén Roberts, Hernán Alegre, Florencia Bordolini, María Laura Cattalini, Romina Cecchettini, Valeria Celurso, Rodrigo Cristófaro, Darío Dorzi, Augusto Fraga, Vanesa García Millán, Pedro Frías, Marcos Gorosito, Pablo Juin, Carla Lanzi, Damián Martínez, Julia Montiliengo, Maximiliano Nieto, Verónica Peccollo, María Elizabeth Pena, Daiana Peralta, Adrián Scaramella, Gabriel Usandivaras Carrizo y Florencia Viterbo. Escenografía: René Diviú. Vestuario: Fabián Luca. Iluminación: Jason Kantrowitz. Sonido: Rodrigo Lavecchia. Coreografía de tap: Rodrigo Cristófaro. Dirección musical: Edu Zvetelman. Coreografía: Gustavo Wons. Dirección: Omar Pacheco. Producción: Diego Romay. Duración: 89 minutos. En El Nacional.

Nuestra opinión: muy buena

Después de Tanguera y Nativo , Diego Romay creó Caravan, the jazz musical , una historia ambientada en los agitados años 40 en los Estados Unidos, donde los protagonistas eran los gánsteres y los personajes habituales de las noches de cabaret. Una historia de amores, pasiones, engaños y desencuentros narrada con el idioma del canto y del baile.

Entremezclados entre el juego y el alcohol, el autor presenta diferentes prototipos de perfiles conocidos que no necesitan mayor explicación por los gruesos trazos que los definen. Se distinguen por un lado Frank, el jefe, y Bella, la hermosa y seductora cantante del cabaret. Frente a ellos, Billy, el muchacho simple, deslumbrado por las luces nocturnas y por la belleza de la protagonista, y Lucy, la jovencita luchadora que protege a Billy. Y no faltan los secundarios, aliados infalibles del destino de algunos de los personajes.

Una historia conocida, con criaturas reconocibles, que en esta oportunidad se desarrolla totalmente con un lenguaje musical, con temas seleccionados de jazz y de blues de los años 40. Un recurso atractivo por los temas que se interpretan ("Sing, sing, sing", "Things Aint´t What, they Used to", "Get Happy", "Just in Time", "Every Body Loves, my Baby", "Rocket", el clásico "Caravan", por mencionar algunos), pero con el cual se corre riesgo de que la narración pierda profundidad y algunas situaciones se reiteren. Y así sucede.

Fuera de esto, el espectador se encuentra frente a un despliegue artístico impecable y de gran calidad. En primer lugar, por las voces de los protagonistas, especialmente las de Sandra Guida e Ivanna Rossi, por el registro, la potencia y el caudal, sin que se desmerezcan las actuaciones de Rodolfo Valss, Gustavo Monje, Nicolás Armengol y Rubén Roberts.

Pero sin lugar a dudas el plato fuerte está representado por el cuerpo de baile que tiene una participación magistral, por la eficiencia de los bailarines, la energía y el entusiasmo que vuelcan sobre el escenario, al mismo tiempo que se muestran sincronizados, precisos y con un gran espíritu de cuerpo. Esto demuestra el potencial y el talento artísticos de los jóvenes intérpretes de la danza moderna. Claro que contaron con la dirección coreográfica de Gustavo Wons, con algunos números muy originales y de vuelo creativo.

En cuanto a la hechura visual, como es habitual, el vestuario de Fabián Luca es deslumbrante tanto por los diseños como por la resolución estética. La labor de René Diviú en la escenografía es fundamental para la dinámica del espectáculo al diseñar distintos planos de acción con diferentes niveles de espacios.

La actuación de la orquesta en vivo, con la dirección de Edu Svetelman le agrega potencia sonora al musical.

Finalmente, la puesta en escena de Omar Pacheco, precisa, minuciosa, que busca escapar de los esquemas conocidos para crear, junto con la iluminación de Jason Kantrowitz, los mundos enrarecidos de la vida nocturna de los cabarets. Hay escenas de fuertes valores pictóricos, donde el contraste de luz y sombra acrecienta los valores dramáticos de la imagen.

Un espectáculo que deleita los oídos y atrapa la atención por la calidad de los artistas, quienes se merecen una estrella.

Susana Freire

Fuente: La Nación

lunes, 1 de junio de 2009

Teatro Coliseo Podesta. Ciudad de La PLata, capital de la provincia de Buenos Aires.


A partir del proyecto de la federalización de la Ciudad de Buenos Aires, surge la necesidad de trasladar los poderes públicos provinciales a una nueva Capital. Muchas ciudades fueron postuladas para tal fin, pero el gobernador de la pcia. de Buenos Aires, Dr. Dardo Rocha, tenía otra intención, para muchos una utopía imposible de realizar; crear una nueva ciudad "en el medio de la pampa".


Un 19 de Noviembre del año 1882, se colocó la piedra fundacional de la nueva capital de la provincia, naciendo de esta manera la Ciudad de La Plata. Ahí se fundó el Coliseo Podesta, con un museo dirigido a todo público y, en particular, a alumnos de todos los niveles con el objeto que se conozca y trascienda la historia de este Patrimonio Cultural "Cuna de nuestro Teatro Nacional Rioplatense"

Consistente en un recorrido inédito, no sólo por sectores que utiliza el público de manera regular, sino también por aquellos espacios vedados al mismo y que encierran la historia y la magia que posee este Teatro, como lo es el Picadero, ubicado por debajo del piso de la Platea.

Fuente: trekearth.com/gallery
El Album de La Plata

Mike Amigorena ahora estaciona su Ambulancia en el teatro ND/Ateneo

Amigorena, cantante de Ambulancia

El protagonista de Los exitosos Pells en el teatro

Después de Los exitosos Pells , la carrera de Mike Amigorena ya no será la misma. Sin embargo, quien lo haya visto en su composición teatral musical como el líder de Ambulancia, el grupo que se presentará mañana y pasado en el ND/Ateneo -y que acaba de agregar funciones para el 12 y 13 de junio en el mismo teatro-, sabe que los Pells le dieron tanto a Amigorena como Amigorena les dio a los Pells.

Fuente: La Nación

¡Bond!... ¡Edward Bond!


Edward Bond nació en las periferias de Londres en 1934, hijo de una familia obrera es hoy en día considerado uno de los más grandes autores de teatro contemporáneo. Paralelamente a su obra dramática (más de treinta piezas) ha desarrollado una vasta reflexión teórica y política sobre el arte del teatro, la cual pone en práctica en sus puestas en escena y talleres para actores.

La sociedad nos envía al teatro

En la jungla y los desiertos de los pueblos primitivos tanto como en la civilización clásica de la Atenas de Pericles, la comunidad entera iba al teatro. Si los esclavos, los locos y la mujeres eran excluidas en ocasiones, es porque no eran completamente miembros de la sociedad. La sociedad enviaba al pueblo al teatro así como lo enviaba a la caza o a los campos. Podría creerse que en nuestros días ya no se envía a la gente al teatro y que cada uno va por su propio gusto. Eso es una ilusión. Todavía es la sociedad la que nos envía. La sociedad tiene tanta necesidad del teatro como de otras instituciones- sus prisiones, universidades, parlamentos, etc.- Una sociedad injusta no se contenta con manipular la fuerza, travistiendo la violencia en respeto al orden, ella manipula la totalidad de la cultura. Cuando la sociedad explota de manera comercial el teatro corrompe la sociedad, puesto que el producto que ella explota es la imagen del ser humano.

Explotar la imagen del ser humano crea más apatía y dolor que encadenar y hacer explotar un cuerpo humano. Lo mismo pasa con la religión actual. La religión es una forma de teatro, una derivación de la psiquis humana, pero ella es incapaz de evolucionar pues no puede olvidara sus dioses, aún cuando las máquinas de sus industrias no necesitan d dioses. La agitación febril de la iglesia actual no hace más que esconder en vano su abatimiento. La iglesia reduce la moral a una banalidad, violentando así a sus fieles, y se convierte entonces en la sirviente de un materialismo mercantil y de su derroche. La iglesia es una fuerza de impiedad social.

La sociedad tiene necesidad del teatro pues a través de él va a la búsqueda de la imagen humana. Las grandes instituciones nacionales- teatros nacionales, universitarios, municipales, etc.- favorecen la cultura pero también la manipulan y la reprimen. Hacen de toda la sociedad un Ghetto. El teatro escapa en gran modo a la tecnología. Algunas personas en un lugar cerrado son suficientes para hacer teatro. Esto constituye una fuerza pues así el teatro se escapa a la empresa de la política en sus formas comerciales y policiales, pero es también una debilidad.

Hay un conflicto entre las fuentes financieras y las fuentes creadoras. En una sociedad injusta, las fuerzas creadoras no pueden surgir más del estado, pues éste ya no es la encarnación de una clase progresista que funda su desarrollo en la razón humana: el sólo encarna a una clase explotadora y su capacidad de explotación. En nuestros días las fuerzas creadoras debieran emerger de las calles. Ya no existe el arte popular: este se ha convertido en el kitch de la sociedad mercantil. El arte de la calle es creador. No hay que rendirse al romanticismo de la calle, pero encontramos tanta inmundicia y crueldad en la calle como en las instituciones culturales. Pero el saber hacer y la disciplina de la calle tienen un poder tónico y liberador tanto o más fuerte que el de las academias. En una sociedad injusta, la autoridad está obligada mentir; la calle puede mentir. Las academias y los teatros institucionales no son capaces de explotar las capacidades del arte pues ellos no necesitan al arte. La calle tiene necesidad de arte.

Nosotros creemos que el arte tiene sus raíces en la verdad, pero sus raíces se encuentran en la mentira. Un niño hace las mismas preguntas que los filósofos: él pregunta “qué, porqué, cómo?” Ellos hacen esas preguntas porque son cerebro y holística sin límites. Un niño hace las más profundas preguntas filosóficas más profundas, pero las hace a propósito de su pieza, pues ese es su universo. Y, cuando crece, quiere una explicación incluso para la existencia de las estrellas. Precisamente porque esas preguntas tienen sentido esas preguntas son sinceras, pero las respuestas no siembran más que confusión y mentira. El niño aporta él mismo las primeras respuestas. Estas tienen la forma de imágenes, esas imágenes ven lo que ellos sienten, ese lenguaje precoz es más expresivo que descriptivo, pero es un lenguaje intelectual que analiza y que discierne; el rey Lear dijo a su hija “nada puede nacer de nada”, pero de nada nace todo. Este es el primer encuentro del niño con la verdad y es por esta razón que no podemos prescindir del arte.

Más tarde encontraremos respuestas, pero serán mentiras o estarán llenas de errores. Con el solo fin de existir, las sociedades primitivas mezclaban la verdad con el error con el fin de contener y de estimular a la sociedad, así la rodea de misterio. Lo sagrado es una manera de mantener al mundo en la esclavitud. El rol de los sacerdotes es mantener ciertas ilusiones a tal punto que éstas se conviertan en verdad, es decir, que guíen las acciones humanas, y ya que eso no es posible entonces mienten.

Los inquisidores de Dostoievski mienten a todo el mundo, salvo a Dios, a quien ofenden contando la verdad. Podemos exigirle a una sociedad que posee tecnología hidráulica que no crea en Dios de la lluvia o que funde sus instituciones sobre su existencia. Una sociedad así será eternamente devastada. “La verdad social suprema” es una mentira. Para una sociedad el mundo es uno con su propia cultura, como para un niño su mundo es uno con su pieza. El niño no puede escapar de aquello que pasa en su pieza así como la sociedad no puede escapar de su dios de la lluvia. Cuando crece, el niño lleva el mundo a su pieza y no a la inversa, su espíritu no podrá nunca abandonar su pieza pues ésta es el fundamento de su psiquis. A medida que crece y se introduce en el mundo de los adultos, éstos responden a sus preguntas sinceras con “la verdad social suprema” se mezclan la confusión con la mentira.

Un niño no puede comprender la ciencia hidráulica o los avatares de la economía, pero puede comprender y vivir con ilusiones y cuentos de hadas y dioses de la lluvia. Mentimos a nuestros niños para que aprendan a venerar la verdad. Es en función de aquello que ha aprendido en primer lugar, y de la seguridad, el vértigo o dudas que haya experimentado, que un niño interpreta lo que aprenderá más tarde. Jamás podemos responder a las preguntas de los niños, tampoco podremos responderlas en el futuro, incluso Dios no podría responderlas, Dios es la última persona apta para comprender el sentido de la vida, presentar excusa, es todo lo que El podría hacer.

Cómo justificar algo que no había necesidad de crear. Por qué forjar respuestas cuando podríamos no haber hecho preguntas. Si bien es cierto que cualquier pequeño evento puede decretar todo el desarrollo de la evolución, también lo es que ésta no podría darle sentido a la vida. El sentido proviene de la experiencia adquirida en esa evolución. Incluso si la evolución hubiese tenido una finalidad determinada, concebida de antemano, ésta tendría tanto sentido para nosotros como para una larva, pues no somos capaces de percibirla o conocerla.

Y si un ser como nosotros o una larva hubiese concebido una finalidad para la evolución lo haría al interior de sus propios límites, sería pues la finalidad de una criatura inferior y no la de un Todopoderoso. Dios no podría crear ni su propio sentido. El sólo existe porque lo conocemos. Entonces amar es experimentar una necesidad. La fosa entre los dioses y los seres humanos no puede ser llenada. El cristianismo intenta llenarla diciendo que dios se ha encarnado en cada hombre y cada mujer, pero está claro que él no es nada. Para servir a sus propósitos la religión se esfuerza y va demasiado lejos, y cuando las circunstancias cambian, estos esfuerzos son ridículamente insuficientes.

La más profundas de las religiones es la creencia en el nirvana, pero, como es ella misma la que hace con la mayor honestidad preguntas que no tienen respuesta, ella es también la más ingenua de todas. Por qué el niño debiera rodearse de un velo de ilusión? La religión del nirvana, como todas las religiones, descansa sobre ilusiones: es incapaz de explicar porqué todo nace de nada. El enigma de la filosofía es que puede vivir de preguntas. Si dios estuviera obligado a hacer estas preguntas a un niño cada uno sería tan ignorante como el otro. Entonces el niño debe aceptar el hacerse responsable del mundo. Qué más puede hacer. Cuando el pregunta qué o por qué?, no se puede hacer a un lado, fuera del mundo, como lo hace dios. Los niños lloran porque son filósofos.

Los niños preguntan qué y por qué, pero deben aprender a preguntar “cuánto”, “cuando” y “ cuántas veces”, como, lejos de poder hacerlos callar, las primeras preguntas persisten, y damos las respuestas que convienen a las segundas preguntas, es ahí donde comienza la tensión, ahí aparece la paradoja. Pareciera que el niño es el padre del hombre, pero el hombre tiene por deber matar al niño, lo hacemos a través de las respuestas que damos – porque hemos sido niños- por la rabia que experimentamos.

El arte es una lengua desprovista de gramática, pues el niño hace preguntas en una lengua y le respondemos en otra; y la inocencia es un modo de existencia dónde la acción es siempre un riesgo. La psiquis de un niño, hecha de instintos y razonamientos es fundada sobre un mundo de ilusiones que son mentiras. Los padres desean proteger a su hijo y alimentar sus emociones, le mienten a través de sus gestos y su comportamiento, sus historias y sus poemas. Si desean penetrar en el mundo del niño para servirle de guía, están forzados a mentir. Si, le mienten por amor- pero es por esta misma razón que Himmler mataba Judíos. Sólo quienes odian a sus hijos le dicen la verdad.

Desde que el niño se hace consciente, la sociedad se instala en su cerebro, a la manera de un visitante, de un arquitecto residente. Si nuestros problemas se debieran a nuestros instintos animales, seríamos menos peligrosos, menos crueles y menos crédulos. Pero frente al espíritu dotado de conocimiento, los instintos son como espigas en medio de una tormenta. Tenemos con nuestros instintos la misma relación que las civilizaciones antiguas tenían con las estrellas. Se identifican con el sentido que nosotros les damos.

Sentido y sensaciones se estructuran a través de la emoción. La personalidad no es inamovible pues la inocencia no deja de cuestionarla. Si las respuestas que ésta recibe la hacen sentir culpable, entonces éstas nos corrompen. Pero esta culpabilidad nos hará cuestionar tanto como lo habría hecho la inocencia. Es produciendo un conjunto de reacciones a estas preguntas que a medida que nuestra vida pasa nos convertimos en aquello que somos.

Fuente: tod@s trabajando

Elecciones Legislativas Nacionales 2009

CONSULTAS AL PADRON PROVISORIO DE ELECTORES
Elecciones Legislativas Nacionales del 28 de Junio de 2009


ATENCION: Lea atentamente antes de iniciar la consulta
  • Sr./Sra. Elector/a:
  • La presente consulta habilitada por la Cámara Nacional Electoral le permite acceder -ingresando su número de documento de identidad (DNI/LC/CE), su sexo y su distrito (provincia)- a los datos obrantes en el padrón electoral que se utilizará en las elecciones nacionales que se celebrarán el 28 de Junio de 2009, es decir, su situación electoral con relación a estas específicas elecciones.
  • Si Ud. no se encuentra registrado en el padrón del distrito, un mensaje se lo informará en pantalla. Esta situación podrá ocurrir cuando no se hayan tramitado en tiempo oportuno, con anterioridad al 30 de Diciembre de 2008, las modificaciones que haya sufrido su situación electoral: cambios de domicilio, rehabilitación, etc..
  • Ante cualquiera duda ó a los efectos de conocer el resto de sus datos electorales, y -en su caso- efectuar el reclamo pertinente, deberá dirigirse a la Secretaría Electoral correspondiente a su distrito.
  • AVISO:Los cambios y modificaciones de último momento, realizados por reclamos de los ciudadanos o por novedades recibidas fuera de término, no figurarán en el Padrón Definitivo, por lo que se sugiere consultar los mismos personalmente y con documento de identidad en este tribunal, o en las respectivas Secretarias Electorales.

5to. Encuentro Nacional de Teatro Callejero de Grupos

Convocatoria para participar del 5to. Encuentro Nacional de Teatro Callejero de Grupos coordinado por el Grupo de Teatro Callejero La Runfla y organizado por la Red Nacional de teatro callejero de grupos y el Complejo Cultural Chacra de los Remedios dependiente del Ministerio de cultura de la Ciudad autónoma de Buenos Aires

1)Se seleccionarán espectáculos teatrales pensados específicamente para realizarse en espacios abiertos.

2)Podrán presentarse todos los grupos de teatro callejero que cuenten con espectáculos creados específicamente para su realización en espacios abiertos.

3)La selección estará a cargo del grupo organizador.

4) El evento tendrá carácter de Encuentro, potenciando el intercambio como forma de enriquecer a los grupos participantes.

5) Además de los espectáculos se realizaran actividades paralelas: conferencias, talleres teórico prácticos y proyecciones.

6) Diálogos entre publico y los teatristas participantes
Para la selección deberán presentar una carpeta y un CD con los siguientes requisitos:
1-Video (V.H.S) o DVD de la obra completa o en caso de estar en proceso registro de algunos ensayos.
2-Resumen de la obra: síntesis argumental.
3-Historia del grupo: detallando antecedentes.
4-Ficha Técnica conteniendo listado de los integrantes del espectáculo con la asignación de roles. También hacer constar teléfono y mail del responsable del grupo.
5-Fotos originales de la obra (Mínimo tres) o digitales en 300 DPI de resolución y programa de mano para prensa
6-Necesidades técnicas ( planta de luces, sonido, escenografía )

7-Detalle de peso y volumen de carga.

8-Duración de la obra ( detallando también tiempo de armado y desarmado )

9-Autorización del autor a través de Argentores para la Argentina o de la Sociedad de Autores del país correspondiente para los extranjeros.

La organización se hará cargo (como en ediciones anteriores) del alojamiento, comida y traslados internos de los participantes.
En el caso de los grupos nacionales del interior del país se cubrirán hasta un máximo de 4 pasajes.
En el caso de los grupos extranjeros se cubrirán hasta un máximo de 2 pasajes.
Los grupos seleccionados percibirán en concepto de Cachet la recaudación total de la gorra previo descuento de Argentores.

Tiempo límite para la recepción del material; hasta el 1 de septiembre de 2009

Los grupos seleccionados serán informados el 14 de septiembre debiendo confirmar su participación dentro de los diez días posteriores.
A los espectáculos seleccionados no se les devolverá el material presentado, por lo que se recomienda no enviar originales. Asimismo, el material de los elencos no seleccionados podrá ser retirado en la dirección donde fue enviado, durante el mes de octubre de 2009 de lunes a viernes de 18:00 a 21:00 hs.
Los videos de los espectáculos seleccionados pasarán a formar parte del archivo de la organización.

El material para la preselección deberá ser enviado a la organización a nombre de:
Grupo de teatro callejero La Runfla. Pasaje La selva 4022- Código Postal: 1407. Ciudad autónoma de Buenos Aires- ARGENTINA. Informes al: (011) 4672- 5708 E-mail: grupolarunfla@ciudad.com.ar / info@grupolarunfla.com.ar