BLOG TEATRO Y CULTURA LA PLATA ARGENTINA

"Lo nuestro es esfímero": Sábados 22.30 en El Núcleo (6 Nº 420 e/40 y 41)

2011-09-17T19:28:00.000-03:00

OFF APUNTES DEL TEATRO PLATENSE

16.09.2011 | FabricAndo teAtro

Staff: Texto y entrevista: Lucía Zapata/Edición: Flavio Mogetta/Arte: Rafael Guerrero/Fotos: Manuel Cascallar

TODOS LOS SÁBADOS A LAS 22.30 EN EL ESCENARIO DE EL NÚCLEO (6 Nº 420 E/40 Y 41) SE PRESENTA UNA COMEDIA ABSURDA, A CARGO DEL GRUPO TOPOGRÁFICO

Lo nuestro es esfímero inició, como la misma obra cuenta en su argumento, a modo de laboratorio experimental. Prueba y error, prueba y error, hasta llegar al resultado deseado.

La llegada del 2008 le trajo, a la directora Mariela Anastasio, la idea de comenzar con un proyecto teatral. Arrancó con el texto, que se enriqueció con sus percepciones docentes: “en ese momento había algo con el lenguaje, que es algo que atraviesa todo el texto de la obra, por eso el título mal escrito y dicho. Tiene que ver con mi trabajo, yo notaba que los alumnos hablaban muy mal y me quedé con eso. Y esa cuestión de la comunicación y el vacío de la palabra, y la invención de palabras, me interesó para empezar con esto”.

Aunque reconoció a esta problemática como la base para su creación, la directora insistió en calificar de “raro” el origen de la pieza, que también está atravesada por algunos sueños y experiencias personales: “los estímulos fueron muchos, se mezclaron en mi cabeza y se volcaron ahí”.

Esta producción fue armándose y el grupo Topográfico, encargado de llevarla adelante, lo hizo a través de subsidio. Anastasio explicó que esta era otra de las ideas que venía rondándole por la cabeza: “con el grupo venimos trabajando desde el 2003 y yo estaba segura de que la próxima producción la quería hacer mediante subsidio. Veníamos trabajando como cooperativa, pero queríamos ‘legalizarnos’ como grupo de alguna manera, así que hicimos el proyecto para presentarlo al Instituto Nacional de Teatro”. También contaron con la ayuda del Consejo Provincial de Teatro Independiente, entonces gracias a dos subsidios armaron Lo nuestro es eSfímero, una pieza que les salió “cara” pero pudo llevarse adelante como ellos anhelaban. La directora reconoció que “fue un proceso de mucho aprendizaje, una instancia normativa para el INT pero de investigación para nosotros”.

El experimento

Una vez que estuvo listo el texto, la directora puso manos a la obra junto a los protagonistas masculinos, Néstor Villoldo y Ernesto Meza, que estuvieron desde el inicio. Llegaron “un par” de actrices, se fueron, y también entró en acción la escenógrafa y vestuarista Cristina Pineda, una parte “fundamental” para obtener el resultado requerido. Con ella se definió la estética del espectáculo: “nos fuimos al expresionista, miramos David Lynch, cine alemán, nos enganchamos con todo eso y se ve claramente en la obra”, precisó Mariela Anastasio, que en el medio de toda la creación fue mamá, por eso tuvo que postergar la puesta. El ensayo se extendió cerca de un año, tras la licencia por maternidad retomaron y por fin aparecieron “las chicas”, que son Ana María Haramboure y Andrea Cisneros, encargadas de los papeles de las hermanas siamesas. Tras unos ocho meses más de preparación, la obra pudo estrenarse en el mes de agosto, en la sala del Centro Cultural El Núcleo.

A pesar del debut, los integrantes del equipo continúan con los ensayos, para terminar de pulir la pieza. “En uno de los últimos ensayos generales antes del estreno le sacamos 10 minutos, yo venía viéndolo y en un momento duraba una hora veinte, era demasiado y todos estuvimos de acuerdo en quitarle una escena”, reveló la directora. Además contó que “en ese proceso de reconstrucción que empezó en los ensayos generales nos dimos cuenta que había cosas que no iban a funcionar. Y seguimos trabajando en eso después del estreno, que es una prueba para todos porque ves las luces, el espacio, te acostumbrás a la escenografía, es todo nuevo”.

Las charlas, el mantener los ensayos, reforzar las escenas y, sobre todo, el correr del tiempo, fortalecerán a la puesta que, según la propia Anastasio “va a crecer mucho con las funciones, para mí recién va a estar bien del todo el año que viene”.

1, 2, 3: probando

“Si no sale bien la filmación hoy, vamos a tener que contratar a alguien”, anunció la directora, mientras los asistentes técnicos acomodaban el trípode. “¿Ya está lista la cámara? Así hacemos una prueba”. Parece que no…

Los que sí están listos son los protagonistas masculinos: Néstor Villoldo y Ernesto Meza, casi una hora antes de subir a las tablas. Las mujeres, aún en el camarín, se retocan el maquillaje. Justo para esta función, la encargada de peinar y pintar a los actores estuvo enferma, pero gracias a los conocimientos de Ana María Haramboure sobre el tema, se pudo resolver el imprevisto. “Todos ponemos onda, todos colaboramos en lo que podemos”, dijo la actriz, mientras terminaba de acomodarle el rodete a su compañera Andrea Cisneros.

Las chicas le piden al fotógrafo que se retire, porque se tienen que cambiar “al mismo tiempo”. Él cumple, pero enseguida se escucha “Manuel, ya podés pasar. Está bueno que le saques a esto”. La cámara dispara para retratar la coordinación con la cual las dos actrices se visten, pues su “al mismo tiempo” implicaba que el vestido es todo uno, ya que su papel es de hermanas siamesas.

–¿No te pintaste las uñas? -preguntó Ana María. Al parecer, el esmalte se perdió o quedó en el auto- ¿Qué podemos hacer con rojo?

–Me voy a manchar -advirtió Andrea cuando su compañera propuso pintarla con lápiz delineador.

–Tenemos que salir IGUALES, te lo fijo con spray y otro problema resuelto.

En el escenario reclaman la presencia de las siamesas. Cerca de las 22.15 ya está el elenco completo en escena, mientras se terminan de resolver algunas cuestiones técnicas: prueba de luces y sonido, un alargue que no funciona, se acomodan las sillas y, cerca de 22.33 llega el anuncio de la directora: “en 8 minutos damos sala”. Las actrices repasan la “coreo” y los actores terminan de corroborar que todo esté en su lugar.

–En un minuto arrancamos, ¿cómo están? -quiso saber Anastasio.

–Bien.- fue la respuesta que llegó, fuerte, desde el escenario.

–Entonces, ¡mucha mierda!

[El Dato]

"Lo nuestro es esfímero" sube a escena todos los sábados a las 22.30, en el Centro Cultural El Núcleo (6 Nº 420 e/40 y 41). Esta obra del Grupo Topográfico cuenta con dramaturgia y dirección de Mariela Anastasio.
El elenco está integrado por Néstor Villoldo, Ernesto Meza, Ana María Haramboure y Andrea Cisneros.
El diseño de escenografía y vestuario son de Cristina Pineda. La realización es de Omar Anastasio. El diseño de maquillaje y peinados a cargo de Jimena Delpino, y las asistentes técnicas son Cintia Suárez y Vanina Bengochea.

Entender para reír

Los espectadores se preparan para ver "una comedia absurda con tinte expresionista", tal cual resume la sinopsis de Lo nuestro es esfímero. La escenografía y la aparición de los protagonistas centrales: Julío (Ernesto Meza) y Lelo (Néstor Villoldo) confirma el pronóstico. Y Mariela Anastasio, la creadora de la pieza se encarga de reafirmarlo: "la obra es una comedia rara".

¿Para qué se tiene que preparar el público?

Además de para divertirse, para conocer la historia de dos amigos que se reencuentran para reflotar un viejo invento, que habían abandonado por distintas cuestiones. Hacer resurgir ese proyecto conlleva algunos inconvenientes, como la aparición de unas primas siamesas de uno de los involucrados, entre otras tantas cosas. "Es como un negocio familiar medio trucho, que les termina saliendo bien porque van al exterior y les pasan cosas a partir de eso, pero no voy a contar más para que la vengan a ver. Es eso, un invento medio clandestino en el fondo de una casa y todas las cosas que empiezan a surgir a partir de esa empresa, que es como una Pyme rara", resumió la directora.

Con mucho ritmo, refranes adulterados al estilo "borrón y cuenta buena" o "no pongas piedras en la rueda", más los efectos especiales y las destacadas actuaciones, Lo nuestro es esfímero ofrece risas, pero también da la oportunidad al espectador de reflexionar sobre la manera en que hablamos y nos expresamos cotidianamente.

Una aproximación a la OBRA desde la OBRA:

Julío- (orgulloso) ¿Leo, Lelo?
Lelo- Seee… dale.
Julío- 14 miligramos de carbohidratos, 40 cm cúbicos de agua, 25 gramos de fécula de maíz, 3 gramos de ácido-sodio…
Lelo- (interrumpe) ¿Sólo tres?
Julío- Sí. Eso escribe.
Lelo- (con la mirada perdida en el espacio) Sólo tres… sólo tres… sólo tres…
Julío- (lo pellizca) ¿Lelo?
Lelo- (reacciona) Sí… hacele una marquita. A lo mejor le resbalamos con eso. Seguí.
Julío- …25 gramos de fertilizante… 30 cm cubícos de clorato de magnesio, extracto de suero de babosa, cantidad necesaria…
Lelo- Pará. Ahí hay otro problema. Esa cantidad no puede ser “a la bartola”… no… y me parece que podemos intervenirlo por otro producto: “Babosil”
Julío- ¿Babosil?
Lelo- Sí.
Julío- Pero eso es veneno. Eso es un peligro, es peligroso… tiene alquitrán… no… va a enloquecer a todo el proceso me parece.
Lelo- Pero no… ¡bestia! ¿qué sabrás vos de esto? (pausa, lo abraza) No querido…escuchalo a papá, oime: el babosil refuerza las estructuras de cartílago, ¿me seguís? Eso se lo escuché al Doctor Rodriguez Moro. ¿Sabés quién es el Doctor Rodriguez Moro? Una enminencia de la apicultura. El padre del fertilizante orgánico. Dejame a mí, mirá. Vamos a hacer esto: en vez de extracto de babosa, babosil directo. Y le metemos 5 gramos de ácido-sodio. Y colorante para tortas. Comprate de ese que se pone verde, porque con los ojuchos verdes me los cotizan más ¿sabés? A la gente le gusta los ojos gringos… ¿estamos claros?

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-158152-Lo-nuestro-es-eSfimero-.html

6to. Festival Internacional de Teatro y Danza de La Plata - Argentina 2011

2011-09-07T17:51:00.002-03:00

"Lo nuestro es esfímero", estreno en C. C. El Núcleo

2011-08-05T20:25:00.001-03:00

Sábados 6, 13 y 27 de Agosto 2011, a las 20:30 hs. (PUNTUAL)

Centro Cultural "El Núcleo", calle 6 Nº 420 entre 40 y 41 La Plata

Grupo de Teatro Topográfico, presenta:

"Lo nuestro es esfímero"

Una obra de humor absurdo con tinte expresionista para todo público.

Elenco: Grupo de Teatro Topográfico
Diseño de escenografía y vestuario: Cristina Pineda
Realización escenográfica: Omar Anastasio
Diseño maquillaje y peinados: Jimena Delpino
Asistentes técnicas: Cintia Suárez y Vanina Bengochea
Dramaturgia y dirección: Mariela Anastasio

La obra cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro y

del Consejo Provincial de Teatro Independiente de la provincia de Buenos Aires

Fuente: http://teatrotopografico.blogspot.com/

"Expulsados", una obra de Laura Valencia

2011-07-07T05:21:00.000-03:00

LA FABRIQUERA ITINERANTE / PÁJARO CAZADOR
presentan

ÚLTIMA FUNCIÓN DE JULIO EN CENTRO CULTURAL EL ESCUDO

EXPULSADOS

en La Retrospectiva de La Fariquera

viernes 8 de julio 2011

22.30 horas

CC El Escudo

10 nº 1373 e/ 60 y 61

La Plata

Reservas: 15-5524-609 / pajarocazador@gmail.com

Acerca de Expulsados

La obra nació durante una muestra de fin de año, a fines de la década del ‘90. Por entonces coordinaba un curso de actuación en La Fabriquera. Trabajábamos sobre la narrativa de John Cheever y, en especial, sobre sus diarios que, publicados tras su muerte, condensaban más de cuarenta años de vida del escritor. Se cree que ellos fueron el insumo para sus escritos de ficción y que no pensaba publicarlos. También se cree que fueron los materiales para modelar su propia vida. Dos o tres años antes de morir, Cheever comenzó a insinuar la intensión de publicarlos. Una noche de enero se los enseño a su hijo mayor. Mientras este los leía, él escuchaba llorando, a su lado. Cuando terminó, le preguntó a su hijo si le habían gustado: la respuesta lo entusiasmó. La idea de publicarlos creció aún más; no obstante, Cheever sabía que eso no debía suceder hasta después de su muerte: la familia quizá no iba a tolerarlo.

Aquella vez, al elegir estos diarios como material de investigación, lo hice sin pensar demasiado; el libro me lo había regalado un maestro y director de teatro, y lo entendí como una invitación a zambullirme en la traducción de la literatura al teatro, modalidad que ya me estaba definiendo a la hora de crear. Elegí este grupo para el desafío. La construcción de la dramaturgia y la apropiación de la «esencia cheever» nos capturó. Los diarios inundaron La Fabriquera. Los recuerdos de su vida deambularon durante más de un año por toda la casa. Cuando estrenamos, gran parte de la obra sucedía, no solo en la sala, sino también en el patio, a veces bajo la lluvia y a la vista del público, que se guarecía bajo techo. Ensayamos distintas posibilidades escénicas.

La retomé, quizá, para recuperar el tiempo pasado. Cuando vendimos la originaria casa donde funcionaba La Fabriquera, sentí que quería revivir un encuentro conmigo, con la que fui y regresar al lugar donde fui feliz. La obra de Cheever supone una trama circular. Para mí, volver a hacerla es, de algún modo, reeditar esa trama en la que todo retorna; es volver a estar en aquel patio de La Fabriquera, oler aquel jazmín de diciembre, escuchar el paso del tren, que corría a unas cuadras, acariciar a un gato que ya no está… y aquella gente, y aquel elenco, y Diego Madoery, el músico, ahí, en el jardín, hasta la madrugada.

EXPULSADOS fue estrenada en La Fabriquera en el año 2000, ganó el Concurso Municipal de Teatro (2001) y participó de distintos ciclos de teatro de la ciudad de La Plata. La obra dejó de estar en cartel en el año 2003 (no lo recuerdo bien); y hoy, después de 10 años de estreno, el elenco vuelve a reunirse.

Laura Valencia

Ficha Técnica

Actúan:

Julia Dominguez

Mónica Fernández

Ernesto Meza

Delia Aguinaga

Cococho Abbatangelo

Paula Belli

Música: Diego Madoery

Asistencia de Dirección: Julia Sbriller

Dramaturgia y Dirección: Laura Valencia

www.pajarocazador.com.ar

http://lafabriquera.blogspot.com

DESCENDIÓ RIVER PLATE: Belgrano vuelve a Primera División

2011-06-27T10:07:00.001-03:00

Resumen de lo mejor del partido de promocion entre River Plate vs Belgrano de Cordoba, cortesia de ESPN.

Mariano Pavone, a los 5 minutos del primer tiempo, puso en ventaja a River, y Guillermo Farré marcó la igualdad a los 16 del segundo. En tanto, a los 22 del complemento el arquero cordobés Juan Carlos Olave le contuvo un tiro penal a Pavone.

River descendió por primera vez en su historia al empatar 1 a 1 ante Belgrano, que volvió a Primera luego de quedarse con la serie de Promoción que se cerró hoy en el estadio Monumental, y que fue suspendido cuando faltaba un minuto para el final.

Fuente: http://www.youtube.com/watch?v=N3JK9_xaurU

Belgrano hizo historia en el Monumental, subió a primera y mandó a River a la "B"

2011-06-26T17:56:00.000-03:00

Pavone puso el 1 a 0 a los 5 minutos. Pero, a los 17m del complemento, Farre puso el 1-1. Minutos más tarde, Olave le tapó un penal a Pavone. El Pirata vuelve a Primera y manda al Millonario a la "B".

26/06/2011 17:04 Joaquín Aguirre / Especial (Buenos Aires)

Belgrano le empató 1-1 a River a los 17m del complemento con gol de Guillermo Farre. Después, siete minutos más tarde, Juan Carlos Olave le tapó un penal a Pavone, que había puesto el 1-0 a los 5m del PT.

El partido que se juegó en el Monumental fue la revancha de la promoción que arrancó el miércoles pasado en Alberdi, con el triunfo por 2-0 del Pirata. Antes, Pavone había puesto arriba al local.

El cotejo, arbitrado por el internacional Sergio Pezzotta y le dio al Pirata, el pasaje a la Primera División.

En la previa al partido se vivieron algunos incidentes, pero los 2.500 hinchas del Pirata ya están dentro del estadio y alientan sin cesar desde un par de horas antes del inicio del cotejo.

El comienzo fue dramático. Tras un leve dominio de River en el inicio, la “B” se puso adelante con un gol de tiro libre convertido por César Mansanelli, pero fue anulado correctamente por posición adelantada.

En la jugada siguiente el delantero Mariano Pavone tomó la pelota afuera del área, giró con clase y la puso fuerte al lado del palo izquierdo de Juan Carlos Olave.

A los 25 minutos el defensor Claudio “Chiqui” Pérez le cometió un claro penal al delantero Carusso que fue ignorado por Pezzotta.

Tras esa jugada hubo un corner en el cual Olave le sacó un mano a mano a Pavone.

A los 37 Belgrano tuvo el empate en los pies de Juan Carlos Maldonado, pero el arquero Juan Pablo Carrizo tapó con solvencia.

El primer tiempo fue muy trabado, con muchas faltas fuertes y cuatro amarillas (Pérez, Arano, Pavone y Lollo).

El arbitraje de Pezzota dejó mucho que desear en la primera etapa, ya que también obvió las expulsiones de Lollo, Arano y Pavone.

Lo perdió pero sacó pecho

Ni bien iniciado el complemento, a los 3m, "el Picante" Pereyra falló una contra impensada. Desde más de 40 metros partió solo frente al "1" de River, y ante la salida del arquero eligió "picarle" la pelota. La redonda se fue lejos, y todo Belgrano se lamentó porque al delantero lo acompañaba, sobre la izquierda, "el Mudo" Vázquez.

Pero, a los 17, Guillermo Farre sacó provecho de un rebote en el área y puso el 1-1 para la "B".

Y, como si fuera poco, el arquero Olave le tapó un penal a Pavone, que no pateó bien cuando iban 28m del complemento.

Lo que siguió quedará para la anécdota. River se desesperó, pero no logró inquietar a Belgrano, que aguantó con oficio, esperó que terminara el partido y festejó su momento más glorioso. ¡Arriba Pirata!

Síntesis

River: Juan Pablo Carrizo; Jonatan Maidana, Alexis Ferrero y Juan Manuel Díaz; Facundo Affranchino, Walter Acevedo, Carlos Arano y Roberto Pereyra; Erik Lamela; Leandro Caruso y Mariano Pavone. DT: Juan José López.

Belgrano: Juan Carlos Olave; Gastón Turus, Luciano Lollo, Claudio Pérez y Cristin Tavio; César Mansanelli, Guillermo Farré, Ribair Rodríguez y Juan Maldonado; Franco Vázquez y César Pereyra. DT: Ricardo Zielinski.

Goles: en el primer tiempo: 5m Mariano Pavone (R). En el segundo tiempo: 16m Guillermo Farré (B).

Cambios: en el segundo tiempo, antes de comenzar, Martín Andrizzi por Maldonado (B); 19m Daniel Villalva por Acevedo (R); 25m Fabián Bordagaray por Affranchino (R) y 41m Lucas Parodi por Mansanelli (B).

Incidencia: en el segundo tiempo, 24m Olave le detuvo un penal a Mariano Pavone (R).

Amonestados: Pavone, Arano, Lamela, Acevedo (R); Pérez, Lollo, Farré, Tavio, C. Pereyra, Rodríguez (B).

Arbitro: Sergio Pezzotta.

Estadio: Monumental, de River Plate.

Fuente: http://mundod.lavoz.com.ar/futbol/belgrano-hizo-historia-monumental-subio-primera-mando-river-b

Expulsados + Una Promesa | funciones en junio 2011

2011-06-17T14:17:00.000-03:00

LA FABRIQUERA ITINERANTE / PÁJARO CAZADOR
presentan

EXPULSADOS

retrospectiva La Fabriquera

Reestreno a 10 años de su primera presentación

viernes de junio y julio 2011

22:30 hs.

CC El Escudo

10 n° 1373 e/ 60 y 61

La Plata

Reservas: pajarocazador@gmail.com

UNA PROMESA

SOBRE LA TRÁGICA MUERTE DE ELISA BROWN

Nuevas Funciones

sábados de junio 2011

21:30 hs.

La casa de las tías

49 N° 1119 e/ 17 y 18

La Plata

Reservas: 483-5288 / pajarocazador@gmail.com
Entradas anticipadas en La Disquería (54 e/ 8 y 9)

La Fabriquera Itinerante y Pájaro Cazador invitan a Una promesa, sobre la trágica muerte de Elisa Brown y Expulsados, las dos obras de teatro escritas y dirigidas por Laura Valencia que estarán en cartel todos los fines de semana de junio.

Expulsados fue estrenada por primera vez hace 10 años en la sala de teatro de La Fabriquera. Ahora, en su reestreno, realizado en el marco de la Restrospectiva que realiza La Fabriquera con motivo de su 15° aniversario, se presentará todos los viernes de junio y julio a las 22.30hs. en CC El Escudo, ubicado 10 nº 1373 entre 60 y 61. Para la ocasión, Laura Valencia convocó a al elenco original, llamándolo a rastrear y recuperar el material de la misma. Así, actúan en Expulsados Julia Dominguez, Mónica Fernández, Ernesto Meza, Delia Aguinaga,Cococho Abbatangelo y Paula Belli. Al mismo tiempo, Diego Madoery fue el encargado de la música de la obra, mientras que Julia Sbriller es la responsable de la asistencia de dirección.

Dada la capacidad limitada de la sala, se ruega hacer reservas previas llamando al 15-552-4609 o a través de pajarocazador@gmail.com

Por su parte, Una promesa, sobre la trágica muerte de Elisa Brown se presentará todos los sábados de junio a las 21.30hs. en La casa de las tías (49 nº 1119, entre 17 y 18). Actúan en Una promesa Luciana Lima, Cabe Mallo y Juan Pablo Thomas. A la par, Matías D’Alessandro fue el encargado del entrenamiento musical y de la asistencia escénica y Lucía Savloff es la responsable de la asistencia de dirección. El proyecto resultó ganador del Programa de Coproducciones 2008/2009. El Teatro y la Historia hacia el Bicentenario Comedia de la Provincia de Buenos Aires.

Dada la capacidad limitada de la sala, se ruega hacer reservas previamente (llamando al 483-5288 o enviando e-mail a pajarocazador@gmail.com), o bien adquirir entradas anticipadas en La Disquería (54 e/ 8 y 9).

PÁJARO CAZADOR
Laura Valencia
www.pajarocazador.com.ar
La Plata. Argentina

¡Felicidades!

2010-12-31T23:59:00.001-03:00

Teatro Independiente La Plata
saluda a tod@s l@s amig@s
que nos acompañaron

Feliz 2011

y mucha mierda
para tod@s

Fuente: http://teatroindependientelaplata.blogspot.com/

El Bus Turístico, una excelente opción para conocer La Plata

2010-12-16T03:26:00.001-03:00

El bus sin techo preparado especialmente para la recorrida turística por la ciudad de las diagonales. Recorre decenas de puntos

Las partidas serán el fin de semana, desde las 10

16.12.2010 | La actividad busca incrementar el número de visitas a la Ciudad

El Bus Turístico que recorre los diversos atractivos de La Plata realizará este fin de semana sus últimos viajes. Con la premisa de potenciar el crecimiento turístico de la capital provincial, el micro sin techo ya paseó a cientos de turistas y platenses que conocieron a fondo el patrimonio cultural e histórico de la ciudad. Las partidas se ejecutarán de forma gratuita desde el sábado a las 10, en la puerta de Casa de Gobierno de 6 entre 51 y 53. Las actividades seguirán el domingo.

Así, luego los de festejos de Navidad y Año Nuevo, el Bus platense volverá a la calle el segundo fin de semana de enero de 2011, con la finalidad de desarrollar el potencial arquitectónico e histórico de la ciudad.

La actividad es una tendencia a nivel internacional que busca incrementar el movimiento turístico. “Las grandes ciudades del mundo incorporan este servicio”, remarcó Ignacio Crotto, Secretario de Turismo de la Provincia. Además, el titular de la cartera señaló que los visitantes extranjeros “conocen este tipo de propuestas”, lo que favorece aún más la posibilidad de que quien visite la Ciudad de Buenos Aires pueda llegar a La Plata “para recorrerla e interiorizarse del patrimonio cultural con un guía turístico en forma gratuita”.

Cualquier persona que esté interesada en recorrer la ciudad y sus atractivos puede hacerlo desde la Parada 0, ubicada en la sede de la Casa de Gobierno. Desde ese punto de partida, el Bus pasa por la Plaza San Martín, la Residencia de los Gobernadores, el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, el Palacio de la Legislatura, la Casa Curuchet, el Jardín Zoológico y Botánico y el Museo de Ciencias Naturales, el Observatorio, el Teatro Argentino, el Palacio Municipal, Tribunales, la Plaza Moreno y termina en la Catedral Metropolitana de La Plata.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-118641-medios-122-El-Bus-Turistico-una-excelente-opcion-para-conocer-La-Plata.html

Un ambicioso libro busca dar cuenta de las muchas historias que cruzan La Plata

2010-12-16T03:23:00.001-03:00

Hoy en el galpón de la grieta

16.12.2010 |Se presenta La Plata, ciudad inventada de Celina Artigas. Habrá relatos y música

La Plata, ciudad inventada es un libro ambicioso en el sentido estricto de la palabra. Así lo concibió su autora Celina Artigas. Tales emprendimientos muchas veces suelen transformarse en cruzadas imposibles y terminan por desvanecerse en el aire o naufragar antes de llegar aguas seguras. Eso poco debió importarle a la autora a la hora de meterse en la confección de este libro, como compiladora, y que persigue como máxima recoger la mayor cantidad de relatos que sirvan para construir o explicar La Plata. Ya desde el prólogo advierte: "La Plata fue una ciudad pergeñada sin gente que la habitara, sin contemplación de las posibles formas de surcarla", pero ¿qué ciudad nace pensada en pos de sus habitantes? ¿Buenos Aires en su primera fundación lo estuvo? la Roma de Rómulo y Remo, ¿también? Y así podemos seguir adelante, el mérito del libro no está en fundar nada sino en multiplicar las voces de todos aquellos que le dan sentido al hecho de vivir en una ciudad. Pero no debe olvidarse que La Plata, ciudad inventada es un libro ambicioso, que desde su prólogo propone una lectura si se quiere revisionista, y que sorprende gratamente desde su edición. Un cuidado box acoge al libro, pero además una hoja de ruta, un mapa que ubica en el cuadrado perfecto a artistas, periodistas, narradores y una interesante muestra de postales, que llegan acompañadas de letras de canciones, de reflexiones, de poemas. Y como ocurre con todos los libros, está la instancia de la presentación, que será esta tarde a las 19.30, en el Galpón de la Grieta (18 y 71) oportunidad en que la autora estará acompañada -seguramente- por los 80 actores que participaron del proyecto y por las canciones de la banda Mostruo!, que sonarán en plan acústico.

Hace casi 20 años, en 1991, Nicolás Shumway editó en Estados Unidos el libro The Invention of Argentina, un trabajo sobre las llamadas “ficciones orientadoras” de nuestro país en el siglo XIX. Ese trabajo no tardó en recibir distintos premios, entre ellos de The New York Times y de The Latin American Studies Association. Un año más tarde ese ensayo fue publicado en español por el sello Emecé, que en 2002 lanzó una segunda edición revisada: La invención de la Argentina. Historia de una idea. En esas páginas Shumway, deja entrever que las ficciones orientadoras son “creaciones tan artificiales como ficciones literarias” pero que “son necesarias para darles a los individuos un sentimiento de nación, comunidad, identidad colectiva y un destino común nacional”. Quizás Artigas haya leído el libro de Shumway, quizás no; pero lo importante es que de algún modo La Plata, ciudad inventada da cuenta a partir de sus páginas -pero sobre todo de las historias que se cuentan- de todo un arsenal de relatos que dejan al descubierto la movilidad artística, que desde siempre tuvo la ciudad trazada por Pedro Benoit y fundada por Dardo Rocha, en aquel ya lejano 19 de noviembre de 1982.

Pero, ¿cómo nace un libro de estas características? “Esteban Rodríguez me propuso hacer una compilación de relatos de escritores de La Plata, y a mí me parecía que tenía que tener una idea más de eso, y de alguna manera la ciudad llena de artistas, y tenía más sentido que en el libro apareciera ese espíritu de La Plata y la manera en que se daba. Que cada uno recorriendo su camino propio solo, acompañado o en conjunto con otro, lograra terminar de cruzarse con otro que había elegido otro camino. Partimos pensando en tener 30 artistas en general, escritores y poetas y de pronto la propia dinámica de la ciudad y cómo la gente está acostumbrada a relacionarse, terminó trayendo cada vez más convocados al libro, y en un punto rebasó la expectativa, y de treinta pasamos a 80 personas, y cada uno tratando de encontrar donde estaba La Plata”.

Mientras que sobre el por qué del nombre del libro Artigas aclara que “Era difícil encontrar otro nombre que no contuviera el nombre de la ciudad, de alguna manera 'La Plata' la tenía que decir y después de todas las opciones 'inventada' era la más apropiada, por esto de cada uno inventando sus propias trayectorias en el campo del arte en el que se dedicara y de alguna manera inventando la ciudad, y diciendo los motivos por los que tantos otros quieren quedarse en ella.Y en términos más personales encontrar un vehículo para explicarles a quienes no viven acá o amigos que no son de acá que tenía esta ciudad que me hacía elegirla, yo soy de Mar del Plata”.

De historias, de eso se alimenta el libro y al fin y al cabo eso es lo que cuenta. Historias que hablan de una ciudad que es, pero también de La Plata que ya no es. Edificios que no existen, noches tan recordadas como añoradas, música en el aire, personajes que no están, amores que pudieron ser. Historias que puedan dar cuenta de una fundación, o simplemente contar un momento, un instante, un segmento más allá del todo.

Fuente. http://www.elargentino.com/nota-118635-medios-122-Un-ambicioso-libro-busca-dar-cuenta-de-las-muchas-historias-que-cruzan-La-Plata.html

I Encuentro de Investigadores en Danza y Performance

2010-12-02T10:59:00.001-03:00

Martes 7 de diciembre 2010

9 a 18 hs

Centro Cultural Islas Malvinas
- calles 19 y 51 - La Plata -

Programación detallada:

Programa I Encuentro de Investigadores en Danza y Performance

Fuente: http://grupodeestudiosobrecuerpo.blogspot.com/2010/11/programa-i-encuentro-de-investigadores.html

La Bienal de Arte Miniatura de Canadá llega mañana a La PLata

2010-12-01T18:22:00.001-03:00

Muestra

01.12.2010 |El Macla exhibirá una selección compuesta por 111 obras

Mañana, a las 19.30, el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata - Macla (ubicado en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7) inaugurará BAM!, Internacional Bienal de Arte Miniatura.

Hasta el 31 de diciembre y con entrada libre y gratuita, el Macla tendrá en exposición (en las salas 2 y 3) una selección compuesta por 111 obras de las 580 presentadas originalmente en la BAM! de Quebec, pertenecientes a 283 artistas provenientes de 35 países.

La exposición. Los trabajos de BAM! componen un mosaico inédito de intereses sociales, políticos y estéticos, que se reflejan en las diferentes miradas aportadas por los participantes de la X Bienal. Entre ellas, una escultura en miniatura realizada en hielo –que se presenta el día de la inauguración– y tallas de madera, tan pequeñas que deben observarse a través de lupas y lentes especiales.

Para esta muestra se enviaron obras provenientes de Alemania, Argentina, Australia, Barbados, Bélgica, Bosnia - Herzegovina, Brasil, Canadá, Corea del Sur, Croacia, Ecuador, España, Estonia, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, India, Israel, Italia, Japón, Lituania, México, Noruega, Nueva Zelanda, Perú, Polonia, República Checa, Rumania, Reino Unido, Serbia, Eslovenia, Ucrania y Suiza.

A su vez, se exhibe en el Macla la sección especial llamada “Zoom”, dedicada al arte inuit de Nunavik, región del norte de la provincia de Quebec. Inuit es como se definen a sí mismos los esquimales canadienses, quienes poseen una importante cultura que se refleja en estas obras exhibidas por primera vez en nuestro país.

“Propusimos al Macla llevar los finalistas de la X Bienal y el integral del Zoom sobre el Nunavik”, había adelantado Jean-Jacques Lachapelle, director de la Salle Augustine Chenier (donde se desarrolló la Bam! de Quebec), luego de inaugurar allí la 10º edición de esta muestra internacional.
Y sobre el Zoom sobre el Nunavik, Jean-Jacques Lachapelle explicó que “esa invitación a los Inuits es nuestra propuesta actual de una pregunta sobre el arte contemporáneo: ¿puede existir en el círculo actual del arte, el reconocimiento de un arte colectivo? Es decir, una colectividad regional, que trabaja con otros paradigmas sobre el arte. Es, quizás, una pregunta sin repuesta”.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-116575-medios-122-La-Bienal-de-Arte-Miniatura-de-Canada-llega-manana-a-La-PLata.html

Domingo de feria

2010-12-01T18:14:00.003-03:00

RAMDOM

01.12.2010 |El Outlet de Música Independiente volverá a contar con dos escenarios que funcionaran intercaladamente, lo que posibilitará una dinámica ideal para que las diez bandas convocadas toquen con continuidad en la tarde y noche de este domingo 5 de noviembre.

Si una radio ha acompañado, impulsado y guiado las tendencias del rock en la ciudad de La Plata, esa es sin dudas FM Universidad 107.5. La emisora de la Plaza Rocha es un referente ineludible de la frecuencia estética de la música local y un destino fijo para las innumerables bandas que copan con diversas propuestas el mágico cuadrado. Por eso es que además de una programación más que interesante, siempre ha incursionado en eventos y recitales que ganaron espacios para difundir artistas locales. Desde nada monos que catorce años, un ejemplo de ello es el Outlet de Música Independiente, que en este 2010 tendrá nuevamente como sede el Galpón de Equipajes y Encomiendas, sito en 18 y 71, testigo y cobijo también de noches inolvidables y de válidas iniciativas artísticas, manejado por el Grupo La Grieta (el otro ente organizador del evento).

Instaurado ya como una suerte de clásico para cerrar los años, el Outlet volverá a contar con dos escenarios que funcionaran intercaladamente: uno interno y el otro externo, dando a la explanada de la calle 72, lo que posibilitará una dinámica ideal para que las diez bandas convocadas toquen con continuidad en la tarde y noche de este domingo 5 de noviembre.

Entre las premisas del Outlet están -además de no repetir nombres años a año- las de apostar a las bandas emergentes, esas que ya cuentan con un recorrido que avala su jerarquía, pero ala vez, están a un paso de dar un salto a un mayor reconocimiento. Por eso es interesante asistir: allí están las bandas o artistas que dominarán la escena en un futuro no muy lejano.

La jornada comenzará alas 17 cuando La Culebras asalten el escenario externo con su rock crudo e incendiario. Los sets de cada banda oscilarán entre los 30 y 40 minutos, por eso es que a las 17.40 sonará en el interior del Galpón la propuesta cancionera de una de las mejores bandas del año: Orquesta de Perros. ADN Beatle, sonoridades contemporáneas allá Wilco y un plus inusual: tres compositores y cantantes de similar y notable nivel. Matamil retomará con su personal e interesante pop el escenario externo a las 18.20 para dar paso a Mermel: folk psicodélico, entre Syd Barret, el Miguel Abuelo de los ‘70 y el rock nacional fundacional. El inclasificable (pero muy buen) rock tan analógico como electro de Supersivo a las 19.40, afuera y a las 20.20, Camión ingresa en luga de Pérez (que debieron bajarse a último momento), irán amenizando el atardecer.

A las 21, La Caverna aportará el rock de barrio con ideas, para agitar al aire libre y la elegante orquesta pocket Hermano Perro brindará sus finas canciones a las 21.40.

A las 22.20 llegará la hora de la única banda "foránea": desde Longchamps, los irresistibles Viva Elástico: épica pop barrial, bailable y melancólica, entre The Cure, Don Cornelio y lo mejor del Indie.

Luego, para cerrar Milano (foto): un proyecto mentado por Javier Beresiarte (ex integrante de los históricos Las Canoplas) y Alfredo Calvelo.

Por último, pero más que importante: todo será acompañado de la feria de discos "más grande de la ciudad" y la entrada es gratis.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-116567-medios-122-Domingo-de-feria.html

Emeraldance - Danzas Irlandesas La Plata

2010-12-01T17:51:00.002-03:00

Emeraldance - Danzas Irlandesas La Plata - Presenta:

A Christmas in Ireland 2

Producción y Dirección General: Lisandro Rosales

Centro Asturiano de La Plata
42 Nº1233 (e/ 19 y 20)

Cuando se acercan las fiestas y comenzamos a desempolvar nuestras decoraciones navideñas, ¿Nos detenemos a pensar por qué iluminamos nuestras casas con luces de colores o por qué decoramos un árbol con adornos brillantes? ¿De dónde viene la tradición de colocar muérdago en las puertas y cuándo se habrán originado esos villancicos que solemos escuchar en las películas?

A Christmas in Ireland es un espectáculo de danza, música y canto que nos traslada en el tiempo hacia la Irlanda del siglo XIX, cuando muchas de las costumbres que llegaron a nuestros días comenzaban a tomar forma; para luego ser transmitidas por los inmigrantes que arribaban a las costas americanas en busca de nuevos horizontes.

Ritmo, alegría y emoción, hacen de A Christmas in Ireland un show único que contagiará a toda la familia de un renovado espíritu navideño.

Reservas:

emeraldance@hotmail.com

(0221) 451-8885

Entradas a domicilio sin cargo en la ciudad de La Plata y alrededores.

Preventas: $10
En Puerta: $15

http://www.facebook.com/l/0b5e14GBagYsd2QeZbqRy5PwfqQ;www.emeraldancelaplata.blogspot.com
www.facebook.com/emeraldance

Una balsa para los nuevos náufragos de Buenos Aires

2010-11-25T21:18:00.001-03:00

MUSICA › EL HISTORICO BAR LA PERLA SE REABRIO PARA EL ROCK

Lo que ayer fue la pizzería de Once en cuyo baño Tanguito compuso “La balsa”, hoy es un coqueto espacio en el que hay programados shows de Javier Martínez, Alejandro Medina, Ricardo Soulé, Claudia Puyó, Alejandro Del Prado y Miguel Cantilo.

Una cosa es la “bostalgia” y otra el revisionismo histórico aplicado al rock argentino, sería la posible conclusión de lo que Javier Martínez intenta decir. Es lunes 22 de noviembre –Día de la Música– y el feriado gris, solitario y lluvioso tiene su antípoda de color y sonido. La Perla de Once, donde Litto Nebbia y Tanguito –Ramses VII, para ser más exactos– compusieron “La balsa”, luce resignificada. Mucho más pequeña y más sofisticada, claro, que la pizzería antigua que mezclaba bohemios, artistas y estudiantes de filosofía cuando el rock era un granito en el arenero cultural de la Buenos Aires de entonces. Donde había resaca y sueños, ahora hay cerveza, sandwiches de miga, pizza, vino y calentitos deliciosos. Donde llegaba Sandro y pagaba el desayuno a los náufragos con hambre y bolsillos agujereados, ahora hay un bar bien iluminado, decorado con fotos de época, y una generosa invitación a cargo de los nuevos dueños. Donde había rock “camuflado” y con guitarras desafinadas, ahora hay rock explícito y consagrado. Donde estaban Tanguito, Martínez, Nebbia, Alejando Medina, Miguel Abuelo y Moris, ahora están algunos de ellos –dos de los Manal–, más Claudia Puyó, Miguel Cantilo, Alejandro del Prado, Pipo Cipollatti, Rodolfo García, Willy Quiroga y Ricardo Soulé.

Así transcurre, feliz, la reapertura del viejo bar al rock, y así motiva la paradojal referencia de Martínez, local aquí desde siempre. “Bostalgia... La nostalgia para mí es bosta, se escribe con ‘b’. A mí me interesa mirar para adelante y no me voy a anotar en ninguna movida de bostalgia, pero este ciclo no lo es... No se pusieron a hacer la nostalgia de La Perla y todo eso. Por eso vine y acepté participar, porque no es una cosa para decadentes con el alma muerta, que miran para atrás. Los ojos no están en la nuca, están adelante”, sentencia el hombre de los lentes gruesos que alguna vez escribió “Avellaneda Blues”, caminando de madrugada por las vías suburbanas. Ex baterista, cantante y compositor de uno de los grupos pioneros del rock argentino, Martínez será el encargado de abrir el ciclo al público mañana a las 21.30, en el reducto de Jujuy y Rivadavia, y repetirá el próximo viernes junto a su nuevo trío: Maxi Delli Carpini en guitarra y Claudio Pallota en batería. “Voy a tocar con mi nueva formación temas de Manal, temas solistas y temas nuevos como ‘El blues de Pappo’, ‘La máquina del oro’ y ‘Positivo’, que ya están en Internet antes de que salga el disco”, anuncia Martínez. Otro de los que fundaron Manal y curtió La Perla mediando los ’60, Alejandro Medina, también está contemplado en la programación junto a su Medinight Band, para los viernes 17 y 24 de diciembre. Y ambos charlan juntos en una de las mesas del fondo. “Hablamos, pero no vamos a tocar juntos”, coinciden, frente a la esperanza espontánea que se había suscitado entre periodistas y algún que otro eterno seguidor.

La programación artística, a cargo del ex Almendra y Aquelarre Rodolfo García, contiene también a Del Prado (sábado 27), Puyó (sábado 4 de diciembre), Cantilo (sábado 11) y Soulé (sábado 18). “Una cosa es la ‘bostalgia’ –insiste Martínez–, pero no se puede decir que éste es un lugar más para tocar. Este es un lugar histórico, simbólico, y me encanta que se programen todos estos shows. Está bueno que los nuevos dueños hayan tomado conciencia de que este nombre es figura de la historia del rock nacional, pero resignificado en una etapa nueva. Ojo, no tengo nada personal contra la nostalgia, lo único que digo es que no la practico.” La charla relajada entre Medina y Martínez sorprende menos que otra juntada provocada por la magia del lugar: Willy Quiroga y Ricardo Soulé, distanciados hace tiempo, suben a tocar juntos una versión de “Libros sapienciales” y otra de “Presente”. Dedican el gesto al recientemente fallecido Rubén Basoalto y le abren una hendija a un posible retorno de Vox Dei, si es que existe baterista que pueda reemplazarlo. “Hay que recordarlo siempre bien a Rubén... El fue el que hizo todo lo posible para que Vox Dei sea lo que fue para la historia del rock”, se emociona Willy. “Esta reapertura es una oportunidad maravillosa para poder compartir esta situación con estos músicos emblemáticos, aunque sea un ratito en esta ciudad tan maravillosa que nos dio la posibilidad de ser músicos de rock, una cosa insólita en aquella época”, sostiene Soulé, sobre la reinauguración del mítico espacio, mientras Del Prado hace su versión de “Los locos de Buenos Aires”, la Puyó recrea a Pescado Rabioso y Cipollati, provocador, toca el “Himno a Sarmiento”, justo en el día de la batalla de la Vuelta de Obligado. “Yo no toco canciones de otros, pero ésta la sé”, ironiza desde el micrófono, dándole la espalda a un retrato de Leopoldo Marechal.

Viene al caso. Mucho antes –por lo menos 40 años– de que La Perla se convirtiera en parte de la tríada-hervidero que junto a La Cueva y el Instituto Di Tella configuró el under de los ’60, el ahora bar notable fue ámbito de encuentro, literatura y café entre dos escritores que luego (se) bifurcarían por sus estéticas, cosmovisiones e ideales políticos: Jorge Luis Borges y Leopoldo Marechal, con Macedonio Fernández –que también tiene su foto en el reducto de Once– como nexo y anfitrión. Fue, entonces, ese aire de “vanguardia estética” y punto de encuentro el que motivó, además de las condiciones de inclusión y tolerancia de los viejos dueños, el arribo de los primeros rockers cuando cerca de las 4 de la mañana dejaban La Cueva y caminaban unas quince cuadras hacia el sur de la ciudad. “La verdad es que veníamos acá porque era el único lugar abierto a esa hora. Bah, en realidad también había uno abierto acá enfrente, pero no nos daban ni cinco de bola. Además, La Perla estaba lleno de estudiantes femeninas de Filosofía y Letras, pibas muy lindas que además nos daban pelota”, se ríe Martínez.

El ex Manal evoca la pizzería de entonces como un lugar “cuatro o cinco veces” más grande que el hoy y con un efecto de reverberación “natural” que los tentaba a componer algunos bocetos de los que después se transformarían en clásicos del rock en castellano. “Había que atravesar un pasillo muy largo para llegar al baño. Era angosto, pero tenía como 20 metros, y era antiguo. En ese pasillo había una reverberación, y Tanguito se ponía de cuclillas para tocar la viola y cantar aprovechando el efecto reverb, que era el mismo que usaba Elvis Presley, cuando grababan los temas con un micrófono y un parlante en el baño de la Sun Records. Esa era la cámara de reverberación de Elvis y Tanguito la usaba acá (risas). Así lo vi, ésa es la foto. En realidad, el único que traía una viola era él, y nosotros se la pedíamos para tocar un tema cada uno. Si vas a cualquier casa y te metes en el baño, los azulejos te van a dar un reverb parecido a éste, ¡y este pasillo tenía azulejos hasta el techo!”, evoca Martínez, que poco después logró meter a José Alberto Iglesias en un estudio para grabar el único LP del poeta truncado, el del famoso loop “En el baño de la Perla de Once compusiste ‘La balsa’”. “Yo vi a Tanguito componiendo ‘La balsa’”, reasegura Martínez.

“Y yo conocí la anécdota por esos tiempos. Escuché a Javier diciéndole eso durante la grabación”, engancha Quiroga. “Además, nosotros, los Vox Dei, no conocimos La Perla. Lo que pasa es que estábamos en Quilmes, y armar una banda de rock en Quilmes y pensar en venir a Capital en ese tiempo era una locura, era como ir a la Luna de rodillas (risas). La primera vez que tocamos en Capital fue en el Teatro Payró y después empezamos a cantar en castellano gracias a una recomendación de (Luis Alberto) Spinetta. No tuvimos la suerte de conocer La Perla, pero sí conocimos La Cueva que armó Sandro acá cerca, que fue donde tocamos con el torso desnudo... Una locura, una especie de sacudón.” “Claro, nosotros no conocimos La Perla porque cuando llegamos a esta ciudad fuimos a La Cueva de Sandro, que estaba en Rivadavia, y recién ahí enganchamos –tercia Soulé–. Pero este lugar tenía una importancia que nosotros hasta ese momento desconocíamos. Hasta que, con el devenir de los acontecimientos, empezamos a enterarnos. Cuando nos casamos con Graciela vivíamos a seis cuadras de acá. Era 1970, y muchas veces venían a visitarnos Tanguito, Spinetta y Javier... Digamos que la conocimos a través de su clientela (risas). Y bueno, La Perla significaba un planteo social distinto al que nosotros estábamos acostumbrados, porque allá en el sur no teníamos un lugar donde converger. Primero, porque éramos muy pocos, y segundo porque el rock no había anidado, el rock anidó en estos barrios porteños que habían sido barrios de tango, y por alguna razón eso pasó al rock.”

Punto neurálgico, epicentro de poesía beat “a la criolla”, del hippismo y de contracultura epocal, baño solitario donde Nebbia detectó a Tanguito esbozando algo así como “Estoy muy solo y triste acá, en este mundo de mierda” y le completó la canción –que luego, junto a “Ayer Nomás” de Moris y Pipo Lernoud, vendería 200 mil copias como parte del primer simple de Los Gatos en 1967–, el bar fue caldo de cultivo para otras grandes canciones del rock: “Jugo de tomate”, por caso. O “El hombre restante”, que Tanguito –o el sello que lo editó– ubicaron como Lado B de su primer simple –el A era “La princesa dorada”–. Con los años, La Perla se transformó en mito, hasta que el revisionismo de los últimos años lo terminó transformando en Sitio de Interés Cultural, en 1994 para, 13 años después, descubrir una placa legitimadora en honor a “La balsa”. “Escribí acá la mayoría de los temas de Manal –rememora Martínez, sin ‘bostalgia’–. Acá y en las calles, porque mi música siempre fue bien callejera. Con Tango y los demás nos mandábamos al fondo de todo y con una guitarrita hacíamos temas, mientras tomábamos café con leche. Andábamos con un cuadernito en el bolsillo anotando letras y acordes, y para lo único que salíamos era para comprar medialunas enfrente, porque eran más baratas y ricas que las de acá. Después, cuando se hacía de día, nos tomábamos el tren y nos íbamos a Caseros, a la casa de Tango.”

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-20036-2010-11-25.html

Teatro en el Pasaje Dardo Rocha

2010-11-25T11:22:00.000-03:00

“Tiene la revolución una mirada...”

Jueves 25 de noviembre 2010

TEATRO ADULTOS

Jueves 25

Rohaihu. Actuación: Lourdes Acevedo, Virginia Barisson, Carolina Desojo, Paula Asprella, Verónica Lorenzo, Lucia Trota, Laura Abayu, Lorena Ascani, Luciana Cucuccio, Constanza Carbone. Asistencia Andrea Arias. Dramaturgia y Dirección: Gustavo Delfino, Horacio Rafart

Rohaihu, que en idioma Guaraní significa "te quiero", cuenta la historia de varias presas politicas que por intermedio del relato de una vieja telenovela "Piel Naranja", van entrelazando vínculos de solidaridad y amor para resistir la opresión y planear su fuga.

21hs. Entrada $ 15.

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala B

Viernes 26

Besos en la frente. Mercedes, una señora de setenta y nueve años, viuda y con miedo a la soledad se enamora de Sebastián, un escritor cincuenta años menor que ella. Ella se sentirá atrapada en ese cuerpo arrugado y lento que no le permite vivir este amor como debiera ser vivido. Sin embargo, se aferra a sus afectos hasta que decide el alejamiento de su joven protegido. Tres años después, volverán a encontrarse…

Elenco: Paula Lopes, Gladys Cadelli, Carmen Baistrocchi, Gastón Beltramini, Andrea Roma y Damián Romero. Dirección y puesta en escena: Solange Rybak

21hs. Entrada $ 20.

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala A

Sábado 27

Sucedió en las Casuarinas. Grupo de teatro exPresarte Grupo de teatro UP Nº 33. Profesor Miguel Di Benedetto.

21.30hs. Entrada un alimento no perecedero para comedores infantiles de Villa Montoro

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala B

Domingo 28

Tiene la revolución una mirada. Compañía Danza Urbana. Dirección Jorge Caballero. Asistente Martín Palomino. Bailarines Rocio Balmaceda, Nazareno Calfulef, Cecilia Gauna, Martín Palomino, Eva Magide, Celeste Mattia, Paola Molina, Andrés Ricco Gastón Stazzone. Músico: Claudio D´Amico. Cantante: Fernanda De Francesco. Narradora: Silvia Luna Leiva. Arte y objetos: María Paula Padegimas. Coreografía: Compañía Danza Urbana, Jorge Caballero. Investigación de textos y textos originales: Silvia Luna Leiva, Claudio DÁmico y Jorge Caballero. Vestuario: Rocío Balmaceda.

El tiempo de la búsqueda nos pregunta qué queremos ser, el tigre, o el furor de su linaje. La sangre comienza a tomar ese color oscuro… nosotros, nos estamos preguntando qué quiere decir nosotros. Tal vez una sangre que vuela despeinada con un furor como grito. Si, es eso, una sangre de alegría destinada, antes, a transitar la terrible pregunta ¿Morirías para tener un nombre nuevo?.

20hs. Entrada $ 25.

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala A

Domingo 28

Últimamente vencidos. De Roxana Aramburú

Primer premio del concurso sobre “dramaturgia y Derechos Humanos organizado por la Secretaría de Cultura y Educación y la Subsecretaría de Derechos Humanos de la MLP 2009

Últimamente vencidos se muerde la cola: gira alrededor del cuerpo que no ha sido enterrado, de la necesidad de los rituales frente a la muerte.

Ellos no tienen nombre; son un guardia de seguridad y una empleada de limpieza. Trabajan en un sitio que es posiblemente un museo. El tiempo, es ayer y es hoy, enlazados en la continuidad de la comisión y de la omisión. Un “doctor” les suma trabajo: puede ser un médico, un carnicero, un coleccionista, un huaquero, un naturalista, un asesino serial, un comerciante cualquiera. El fotógrafo, un pervertido, un oligarca, un cura salesiano, un tratante de blancas, un agente inmobiliario. En safari antropológico, quieren aplastar carne y espíritu en papel fotográfico, en piezas de exhibición; transformar el sujeto en objeto. Entre tanta degradación, el hombre, la mujer, se muestran y se esconden, se pierden y se recuperan, luchan y se fatigan, duermen y despiertan, se rebelan y se someten. Sobreviven.

Últimamente vencidos es un homenaje a los prisioneros del museo y a tantos otros que quedaron en la isla Martín García, en las plantaciones de caña, en el servicio doméstico de las familias adineradas, que fueron paseados por eventos culturales, exhibidos en zoológicos humanos.

Ayer, que es hoy.

19hs. Entrada libre y gratuita

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala B

TEATRO INFANTIL

Sábado 27

La princesa de la naturaleza, una historia ecológica de Facundo Velez. La princesa de la naturaleza intentará por todos los medios concientizar y salvar a los habitantes del reino de Garbária para que logren salvarlo de la contaminación generada por un malvado espíritu. Dirección General María Pascual. Dirección Facundo Vélez. Asistencia de Dirección Facundo Lublin. Asistente Técnico (Sonido) Facundo Velez. Asistente Técnica (Luces) Celeste Sánchez.

Actores y Actrices Roxana Lujan, Gonzalo Fantoni, Facundo Lublin y Mariana Morend. Autoría Facundo Velez. Vestuarios Maita Ortelli. Dibujos Guadalupe Vivani. Producción Facundo Vélez, María Pascual, Grupo Y.Q.E. Asistencia de producción Emilio Mosconi. Escenografía y Utilería

Grupo Y.Q.E.

16hs. Entrada $ 10.

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala B

Domingo 28

Tommy & Maggy y la Alerta Mágica De Maria Pascual.

En un mundo donde la magia esta a un paso de desaparecer. En donde los sueños y la esperanza ya no tienen espacio. En un lugar oscuro donde un malvado conde llamado Tifeo esta encargándose de hacer desaparecer todas pero todas esas lucecitas que nos hacían sentir vivos, que nos llenaban de esperanza y que nos hacían creer que la magia estaba allí esperándonos… Allí es donde se encuentran, Maggy y Tommy, dos amigos quienes, con la ayuda de la alerta mágica, intentaran cambiar el mundo… Dirección General, María Pascual; Dirección, Facundo Vélez. Asistencia de Dirección, Emilio Moscón; Asistente Técnica (Sonido) Celeste Sánchez; Asistente Técnico (Luces) Emilio Mosconi. Actores y Actrices: Gonzalo Fantoni., María Pascual, Facundo Lublin, Carolina González., Melody Palermo, Facundo Vélez.

Autoria: María Pascual; Vestuarios: Maita Ortelli. Títeres: Carlos Franchimont. Dibujos: Guadalupe Vivani. Producción Facundo Vélez, María Pascual, Grupo Y.Q.E. Asistencia de producción Emilio Mosconi. Escenografía y Utilería Romina Galeazzi, Grupo Y.Q.E.

16hs. Entrada $ 10.

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala A

Domingo 28

La Garrapata. (Comic Infantil). Por el grupo Pinta y Punto.

Elenco: Cesar Benítez, José Duhart, Magalí Ventimiglia, Alejandro Corti y Ana Alba

Música Original: Alejandro Corti, Idea Original: Cesar Benítez. Guión: Cesar Benítez y Ana Alba

Puesta en Escena: Cesar Benítez y Ana Alba. Dirección: Ana Alba

Escenografía y vestuario Pinta y Punto y Esteban Benítez. Diseño y realización de pelucas y maquillaje: Yanina Engroba, Asistencia técnica: Lucas Delprato

En algún rincón de nuestra tranquila ciudad… El Archivillano de esta historia: el extravagante diseñador de pelucas Francesco Garrapat planea dominar al mundo e instaurar una era regida por el culto a la moda. Para eso, realiza pelucas con pelo de perro en las que coloca un neurotransmisor para dominar las mentes. Pero la desaparición de los cuadrúpedos caninos comúnmente llamados perros, pone en alerta a la población y mantiene en vilo a la ciudad.

Mientras tanto, en otro sector de la ciudad, nuestro súper héroe local, el Inspector intenta resolver el caso y se convierte en un obstáculo para Francesco.

Y por otro lado, nuestra estrella de la canción: Marilín y su inseparable perrita Chola, sin saberlo, ayudarán a Francesco a librarse del Inspector…

¿Podrá el Inspector resolver el caso?... ¿Francesco Garrapat se saldrá con la suya?

16.30hs. Entrada $ 15.

Pasaje Dardo Rocha 50 (6 y 7) 2º piso Sala B

Fuente: http://laplatacultura.blogspot.com/2010/11/teatro-para-adultos-semana-del-23-al-30.html

La Plata festeja su 128° aniversario

2010-11-19T08:32:00.002-03:00

La capital bonaerense hoy cumple 128 años. Su fundación tuvo influencia masónica y permitió pacificar al país luego de décadas de guerras civiles. Pasado y presente de La Plata.

La Plata hoy celebra el 128° aniversario de su fundación, hecho que será celebrado con distintas actividades. Y no es para menos: recorrer la historia de nuestra ciudad permite reconstruir una parte significativa de la historia argentina.

“Hemos dado a la nueva capital el nombre del río magnífico que la baña, y depositamos bajo esta piedra, esperando que aquí queden sepultadas para siempre, las rivalidades, los odios, los rencores, y todas las pasiones que han retardado por tanto tiempo la prosperidad de nuestro país”, fueron las palabras invocadas por Dardo Rocha para dar comienzo a la historia de una ciudad que se constituiría durante el siglo XIX y XX como centro neurálgico de la Provincia.

Para 1880, el alzamiento porteño ya había sido derrotado, cuestión que motivó la federalización de la ciudad de Buenos Aires y la necesidad de disponer de un nuevo centro político administrativo para la Provincia. La influencia de círculos masones o la creación de túneles subterráneos han sido algunos de los cientos de mitos construidos desde aquel entonces. “Lo raro sería que los fundadores no hubiesen sido masones, ya que eran la mayoría en esa época”, asegura a Hoy Fernando Barba, profesor titular de la cátedra de Historia Argentina en la Facultad de Humanidades de La Plata.

Ensenada, Quilmes y San Isidro eran las primeras opciones que circularon, pero que no tardaron en ser desestimadas. La decisión final se debió a la intención de intentar competir, desde el comercio marítimo, con el puerto de Buenos Aires. “El gran error de Dardo Rocha fue pensar que iba a hacer una nueva Buenos Aires”, concluye Barba.

Los trazos edilicios y urbanísticos hicieron de la ciudad una innovación de época, equiparándola con ciudades como Washington. La perspectiva arquitectónica, concebida por el arquitecto Pedro Benoit, se caracteriza por la orientación en el pensamiento tributario de la Revolución Francesa, lo cual la enmarcó como paradigma de planificación urbanística de fines del siglo XIX.

La inmigración fue el sustento cultural desde los primeros años, siendo que el censo de 1884 mostró que el 82% de los habitantes eran ciudadanos extranjeros y sólo el 12% había nacido en suelo nacional. La mayoría eran provenientes de España, Italia, Francia, Portugal, Austría e Inglaterra.

El siglo XX platense está marcado por vaivenes, ya que se produjeron grandes acontecimientos, como la fundación de la Universidad Nacional de La Plata (1905), y los trágicos años de dictaduras militares.

“La UNLP se convirtió en un gran polo de atracción”, remarcó Barba, graficando con una simpleza inconmensurable lo que significó aquella institución para la ciudad. Científicos y políticos de distintas vertientes fueron el producto de la casa de altos estudios, fundada por Joaquín V. González.

El año 1925 gratificó a la ciudad con la inauguración de una de las destilerías más importantes de la zona, construida en pleno desarrollo de Yacimiento Petrolíferos Fiscales (YPF), que por ese entonces se encontraba a cargo de Enrique Mosconi. Aunque el polo industrial está ubicado actualmente dentro del municipio de Ensenada, en aquel entonces La Plata era la comuna responsable de aquellos territorios. Las dictaduras militares fueron moneda corriente en el país desde 1930. La región fue, a lo largo de los años, la más afectada por los golpes de Estado, ante la gran cantidad de universitarios y obreros de la región.

Los ‘80 y ‘90 fueron años en los que la ciudad no pudo saltear la suerte nacional, viéndose afectada por las distintas crisis político institucionales que afrontó el país.

La reconstrucción de la historia de la ciudad no representa sólo un recorrido anecdótico, sino que permite reconocer los fragmentos que dieron identidad a varias generaciones, plasmando lo positivo y negativo, en una cultura que, hasta la actualidad, mantiene vivo los acontecimientos del pasado.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-113873

Una noche para recordar a Vinicius y a Tom Jobim

2010-11-14T15:12:00.003-03:00

13-11-2010 / La cantante brasileña llega este domingo a Ciudad Vieja

Hay artistas a los que sus pares deberían tributar siempre o al menos tenerlos presentes a la hora de volcarse a la música, por tratarse de verdaderos ejemplos, no sólo por su talento, sino también por el modo en que estos decidieron abrazar la música. Sin dudas eso es lo que sucede con Vinicius de Moraes y Tom Jobim, figuras ineludibles a la hora de referirse a la bossa nova. A treinta años de la muerte de Vinicius llega por primera vez a La Plata la versátil cantante brasileña Ana Paula da Silva para ofrecer un show dedicado a estos dos referentes. Y será por partida doble, este domingo 14 de noviembre a las 21.30 y a las 23 en Ciudad Vieja (17 y 71).

Paula da Silva llegará acompañada por el trío de Rogério Botter Maio, contrabajista, compositor y arreglador que ha tocado junto a grandes artistas como Gerry Mulligan, Naná Vasconcelos, Lionel Hampton, Paquito D´Rivera, entre muchos otros grandes del jazz y de la música brasilera. Rogério es además un reconocido compositor que ha lanzado varios discos con excelentes comentarios de la crítica especializada. La cantante interpretará clásicos como "Aguas de Março". "Eu sei que vou te amar", "Chega de Saudade" y otras grandes canciones de esta dupla que ya se han erigido como clásicos de la música del siglo XX. Este homenaje conserva el espíritu de las canciones pero al mismo tiempo nos presenta la inspirada y particular visión de esta nueva camada de talentos de la música de Brasil.

Los músicos. Rogério Botter Maio es bajista (acústico y eléctrico), compositor, creador y productor. Nacido y criado en São Paulo, Brasil, Rogério vivió en Europa y en Estados Unidos entre 1987 y 1999. En Roma en el 1989 colabora como músico en el film "God Father III". Grabó con Gerry Mulligan, Naná Vasconcelos y los pianistas brasileros Dom Salvador, Manfredo Fest, Jovino Santos Neto, Nelson Ayres y Weber Iago entre otros artistas. Ganó una beca para la Berklee College of Music y se mudó a Boston en 1991 para estudiar por un año. En Nueva York (1992 -1997) trabajó con Paquito d'Rivera, Lionel Hampton, Cláudio Roditi, Leny Andrade, Hendrik Meurkens y muchos más grandes de la música.

Fábio Leandro toca el piano. En 1997 inició sus estudios en la Universidade Livre de Música Tom Jobim, donde estudió piano, armonía, arreglos y orquestación. En el año 2004 Fábio Leandro ingresa en la Orquesta Tom Jobim, dirigida por el maestro Roberto Sion. En ese período la orquesta se presenta con grandes nombres de la MPB, como Filó Machado, Dominguinhos, Ricardo Herz, Olmir Stoker, Jonas Santana, Jane Duboc, Zé Luiz Mazzioti, André Mehmari, Alaíde Costa, Johnny Alf, Choronas, Zimbo Trio, A Três, Arrigo Barnabé.

Mientras que Bruno Tessele, baterista, cursó estudios de percusión y teoria musical en la Universidad Federal de Santa Maria y fue becado en 2005 por la Berklee College of Music de Boston. Desde 2004 vive en San Pablo donde ha tocado con artistas como Michel Leme, Thiago Espírito Santo, Pepe Cisneros, Marco Angi, Edu Letti, Djalma Lima.

www.anapauladasilva.com
www.myspace.com/apdasilva

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-114266-medios-122-Una-noche-para-recordar-a-Vinicius-y-a-Tom-Jobim.html

No fábulas, la posibilidad de volver a leer con ojos de niño

2010-11-14T15:09:00.001-03:00

Poesía

13-11-2010 / El músico y poeta Eduardo Rezzano concibió un libro inquietante

Un libro apoyado sobre la mesa de un living perturba. Astor, que tiene cinco años y lee desde que tiene tres, recorre ese espacio físico poblado de sillones y bibliotecas. Cada vez que pasa cerca de la mesa mira de reojo el volumen que descansa en ella. La acción se repite una y otra vez hasta que decide encarar a su padre con una pregunta: "¿Papá, el libro que está ahí arriba es tuyo?". "Sí, hijo. ¿Por?". "No lo podemos dar vuelta porque la tapa es maso maso y me da miedo. Después a la noche voy a soñar", concluye el pedido Astor. Su padre sonríe y decide guardar el ejemplar en la biblioteca con los otros libros.

El libro en cuestión es No fábulas y lleva la firma del poeta y músico platense Eduardo Rezzano, pero como lo que inquietaba al pequeño eran sus ilustraciones vale la pena y debe decirse que pertenecen a Peca, también platense y radicado en Barcelona (España) desde 2001. Y ya desde la portada el libro resulta inquietante y si uno decide recorrerlo sin filtros, con ojos infantes puede volverse aterrador, toda una pesadilla que viene a refutar todas esas fábulas que de niños oíamos en la boca de nuestros padres antes de dormir. No fábulas inquieta por lo que muestra, por lo que cuenta, por lo que calla y por lo que sugiere. Y se sabe que la sugestión es una arma poderosísima.

“En el libro de Rezzano hay una escritura áspera, pero de un rigor sutil, sinuoso, retráctil. Como los juguetes de un creador desquiciado, los materiales con los que se compone no fábulas pertenecen a un funcionamiento sin origen patentado, pero donde puede verse la marca de una mueca en forma de bestiario, o mejor, de no bestiario, que es una manera proverbial de desmentir la fábula. Al no incluir una solución detrás del formato, Rezzano propone cierta ausencia de toda validez en sus poemas, porque estos textos no intentan convencernos de su propuesta, sino que la redistribuyen", observa con mucho acierto desde la contratapa del libro el poeta y escritor Mario Arteca, que el próximo miércoles a las 20, en el Centro Cultural Islas Malvinas (19 y 51) sumará su voz a la del autor en la presentación en sociedad de este magnífico libro.

La no certeza, la destrucción de todo un universo tan onírico como seguro como el que ofrecían esas fábulas que construyeron nuestra psiquis de pequeños, es lo que nos hace tambalear, que nos deja indefensos y en las manos de Rezzano. Así descubriremos en "Patito feo" un cisne que abandona la laguna para adentrarse en el bosque ante esa voz que retumba: "Retorcer el cuello de/ un cisne/ largo como de jirafa", y que la vida lo llevará a refundarse hasta arribar a la sentencia: "si me queda/ una pluma de cisne/ con ella redactaré/ mis memorias" o en "Ceremonia" ilustrar: "Será troceado y habrá/ para todos menos/ para el ciempiés// ocupados en traer/ los ecos del pasado/ los pasos perdidos/ de la noche".

No fábulas inquieta y seduce, tal como lo hacen todas las cosas prohibidas o cubiertas por un halo misterioso. Por eso a ese padre no le extraña que Astor siga recorriendo el living mirando de reojo la biblioteca, el lugar exacto donde está guardado el libro. Y a la noche habrá espacio para caer en el sueño y para que las historias cálidas devengan en estas inquietantes y bellas no fábulas.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-114269-medios-122-No-fabulas-la-posibilidad-de-volver-a-leer-con-ojos-de-nino.html

"El arte del árbol caído" avanza en Parque Saavedra

2010-11-14T14:33:00.001-03:00

ESCULTURAS CON TRONCOS

Ya hay algunos tótems, un cocodrilo, una flor y hasta un pie enterrado

La propuesta "El arte del árbol caído", crece en el Parque Saavedra. Al largo tronco ya cargado de delfines, sapos, pájaros y un rinoceronte y que comenzó siendo la atracción escultórica y lúdica del paseo, se suman otras figuras, como tres tótems, un pie enterrado, un cocodrilo y una flor. Habrá más, según se proyecta, porque se han incorporado a artistas plásticos y se invita a la comunidad a participar con sus creaciones de la iniciativa.

El puntapié inicial lo dio Fernando Rigone, un profesor de literatura de 31 años que "despunta el vicio" del tallado desde que era un niño. Al joven se le ocurrió aprovechar un tronco de 25 metros de largo que había sido derribado por una tormenta en medio del parque de 12 y 64. Comenzó a esculpirlo y terminó desarrollando un juego infantil decorado con distintas estatuillas de animales y que los chicos atraviesan por debajo como si fuera una cueva.

Rigone es el autor, además, de "Niña 2010", una estatuilla, también ideada a partir de la estructura de un árbol caído, ubicada en la rambla de 13 y 69, y que llama la atención a quienes pasan por el lugar.

Otros jóvenes ya están en la movida. Martín Carossino (26) se acercó al parque para recrear formas con los árboles muertos. A él le interesó que la propuesta sea interactiva, según la definió. "Es un lugar por el que pasan muchas personas. Como el tallado es abierto a todos, la gente hace su intervención. Hay padres de chicos que se atienden en el Hospital de Niños, nos ven trabajar y se suman a hacer su aporte", contó el escultor.

La idea, se explicó, es montar una suerte de galería de esculturas de madera. "Tenemos la intención de armar un espacio común para varios artistas. Por ahora son tres escultores y estamos convocando a quien quiera sumarse. Necesitamos incluso artistas plásticos que se ofrezcan para pintar las esculturas", comentó el titular de la dirección de Eventos Culturales, Martín Moreno, quien apunta, señaló, a "que todo esto concluya en un paseo de esculturas que llamamos 'Arte del árbol caído'".

En rigor, lo que se hace con este proyecto es reconvertir un ejemplar muerto en una pieza de arte. Además, el objetivo es que "donde cae el árbol, ahí queda". Rigone añadió que "se trata de enriquecer el patrimonio cultural del parque con las especies que ya no están en pie".

Para hacer posible que las obras duren un poco más de tiempo sin que el sol y los factores climáticos las afecten se planea pintarlas con aceite o gasoil.

El lugar se perfila como un gran espacio multidisciplinario en torno a la Casa Benoit, que tras un trabajo de recuperación quedó totalmente remozada. Además de exhibiciones de artes plásticas y fotografías que se renuevan, los fines de semana actúan grupos musicales.

La antigua casilla de madera y chapa habría sido el lugar, según tradición oral de los platenses, donde a fines del siglo XIX el ingeniero Pedro Benoit (1836-1897) diseñó los planos de los templos principales de nuestra ciudad. Unico vestigio material sobreviviente de las primeras construcciones que se levantaron en La Plata, fue declarada Monumento Histórico Provincial en 1990.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20101114/laciudad9.htm

“Ver lo que hacen los demás es una invitación a hacer algo nosotros mismos”

2010-11-14T12:04:00.000-03:00

13-11-2010 / El artista plástico Mario Bertoli anticipa parte de lo que será su muestra anual este domingo desde las 15

Los personajes de Mario Bertoli llevan la historia en el cuerpo y los cuadros reflejan el momento exacto en el que se libera lo que estaba agazapado en el interior transformando de una vez y para siempre el entorno. Los distintos sujetos retratados en el acto están atravesados por fuerzas distintas: la tensión de la irrupción y al mismo tiempo, cierta conciencia de ser observados. De estar montando una escena.

Las obras que estarán expuestas en el Espacio Tuluz, feria con arte (calle 1 nº 343 entre 528 bis y 529, Tolosa) son un extracto de la producción reciente del autor y que según sus propias palabras tiene como motivo “mi fauna autóctona, los animales urbanos, los que puede llegar a conocer alguien que vive y vivió siempre en la ciudad”.

La propuesta estética de Mario toma la cotidianeidad como una plataforma para explorar los niveles por debajo de la apariencia evidente y es en esa búsqueda que encuentra las imágenes.

Según el propio artista, “la inspiración la encuentro en el trabajo, una obra lleva a la otra, difícilmente me encuentre sin ningún cuadro a medio hacer. Cuando ello sucede se produce un vacío difícil de remontar y desempolvar ideas viejas o abandonadas para reiniciar el camino”.

Bertoli que estudió durante algún tiempo en la Licenciatura en Artes Plásticas y Cine en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, desde 1986 desarrolla la actividad plástica en la ciudad de La Plata participando de distintos premios y salones.

A pesar de los reconocimientos, según Mario no hubo un momento de quiebre en el que haya tomado conciencia del nivel de su trabajo, es más al respecto sostiene: “no creo ser bueno en lo que hago, pero estoy mejorando y la búsqueda de un discurso personal que me permita expresarme dar a conocer mi parecer, mis gusto y disgustos, es una motivación suficiente para perseverar en el trabajo. Hay búsquedas con las que me identifico, con quienes trabajan lo popular sin desdeñar lo académico. Hasta ahora me muevo dentro del campo de la figuración, no necesariamente realista, pero si representativa. El dibujo es la base de mi trabajo, como representación de un modelo, como diseño y como disciplina personal”.

La selección realizada por el artista para el Espacio Tuluz funciona como una premuestra de la que realiza a fin de año donde casi literalmente tira la casa por la ventana. Cuenta Mario que “me gusta mostrar mi trabajo, los nervios, la alegría, la apertura social que ello implica. Con el tiempo aprendí que de las únicas muestras de las que no me quedó nada, son de aquellas que no hice. La exposición de hoy funciona para mí como una previa de la del 5 de diciembre donde abro mi casa y mi taller al público, y en lo que denomino Segunda muestra plástico-doméstica. En ella expongo mi trabajo de los últimos dos años, corro los muebles, la casa queda vacía y se transforma en una galería personal. Con la de este año va a ser la segunda vez que la hago y constituye todo un desafío familiar; mi señora, mi hijo y amigos me ayudan y lo vivimos como una fiesta. Quisiera que la gente se acostumbre a visitar mi taller y los talleres de todos los artistas en general. Estos espacios suelen ser lugares acogedores y siempre es estimulante acercarse al arte desde cualquier arista como espectador o como realizador, ver lo que hacen los demás es una invitación a hacer algo nosotros mismos. Reconocernos en la voz del prójimo ahuyenta la soledad”, sentencia con total claridad.

Además de las pinturas de Mario serán de la partida otras expresiones artísticas afines como un desfile de indumentaria teatral a cargo de Damián Novellino, intervenciones del grupo Haití, además de la feria en sí misma. El objetivo del espacio es que conviva lo artístico con lo artesanal en una casa antigua donde se disponen los diferentes espacios del hogar retomando ese carácter festivo que conlleva el abrir las puertas para un encuentro.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-114249-medios-122-Ver-lo-que-hacen-los-demas-es-una-invitacion-a-hacer-algo-nosotros-mismos.html

Atravesar la ciudad volando

2010-11-09T00:27:00.002-03:00

Parkour en La Plata

La idea es superar barreras urbanas con el propio cuerpo. En La Plata, decenas de jóvenes ya lo practican y andan por la ciudad a los saltos

Andan a los saltos y volando por la ciudad. Atraviesan las plazas y parques, se descuelgan de paredes y monumentos, y saltan alturas de más de tres metros. Se trata de un grupo de jóvenes, en su mayoría hombres, que practica parkour, una disciplina urbana (con algo de deporte extremo) que copa la ciudad, toma sus edificios y obstáculos como un gran campo de juegos.

En La Plata, las plazas Moreno, Belgrano y Olazábal, el Bosque, las facultades de Odontología, Exactas, Bioquímica, el Centro Comunal de Tolosa, las afueras del Banco Provincia de 7 y 47, se convierten en el adrenalínico escenario para los amantes de esta disciplina.

El parkour nació en Francia hace casi dos décadas, pero en nuestra ciudad se practica desde
hace 5 años y, de a poco, va sumando adeptos.

En diálogo con Hoy, José Lanzilotta, joven que practica parkour desde hace dos años, define la actividad como “una disciplina que consiste en entrenarse para ir desde un punto A a un punto B superando una serie de obstáculos que se presenten, solamente con las capacidades que nos brinda el cuerpo humano, de la forma más rápida, fluida y eficiente posible”.

Pero, no todo es saltar, sino que detrás del esfuerzo hay una filosofía que se busca incorporar en la vida. “Esta filosofía consta de adaptar esta capacidad de superar obstáculos a hechos cotidianos, buscando siempre superarse a uno mismo, bajo la idea de que toda meta que nos proponemos puede ser alcanzada tarde o temprano, en la medida que se lo intente una y otra vez”, señala.

Otro aspecto del parkour es que, a diferencia de otros deportes, no existe la competencia. “Esto se debe a que, al ser la autosuperación una de las bases de la disciplina, uno compite con uno mismo, superándose constantemente, sin un techo que nos limite”, acota.

Los riesgos

El parkour también tiene sus críticas y detractores. Hay quienes lo señalan como una práctica de alta peligrosidad y que daña las estructuras públicas. Al respecto, desde la asociación Parkour Buenos Aires admiten que el parkour “es una disciplina que implica un nivel de riesgo”. Cabe recordar que, a fines del 2006, tres jóvenes murieron cuando entraron a una alcantarilla; allí los sorprendió la lluvia, y el agua los arrastró por los drenajes. Los jóvenes tenían menos de 27 años y se encontraban practicando Parkour.

Además, la actividad suele aprenderse en forma didáctica y mediante videos que se cuelgan en Internet. “Los riesgos son relativos a la persona que lo practica y su mentalidad. Con la gente de Parkour La Plata intentamos promover la disciplina de una forma segura, consciente y progresiva, para reducir los accidentes al mínimo. Por ello es que puedo asegurar que, en realidad, los riesgos que corremos son pocos. En deportes como el rugby o el fútbol se pueden ver mayor cantidad de lesiones que en el parkour”, dice José.

Cómo nació

El parkour fue creado por David Velle, hijo de un ex-militar vietnamita que lo incitó al entrenamiento físico y la superación de obstáculos. Lo desarrolló en su ciudad, Lisses, en Francia, creando una versión urbana. Después de entrar en el cuerpo de Infantería del ejército francés, David se dio cuenta de que no era lo suyo y de que necesitaba la libertad de la calle. Más adelante, encontró gente que lo siguió en sus entrenamientos, y así conoció a Sébastien Foucan y otros miembros de ese primer grupo de traceurs.

Luego, Sébastien emigró al Reino Unido, donde sorprendió a todos con sus habilidades, y prendió la mecha de la internacionalización del fenómeno.

Las reglas de oro

Para un traceurs (nombre que reciben quienes practican la actividad) hay reglas de oro. La primera: fijate qué hay detrás y que no se mueva; la segunda: el parkour lastima a los hombres. En la ciudad, no invadir lugares privados, pisar jardines, saltar autos o asustar a la gente. Y antes de empezar a saltar o correr, es fundamental una buena entrada en calor.

El significado

La palabra “parkour” proviene de parcours que significa recorrido en francés. Les parcours du combattant, eran recorridos de obstáculos para entrenamiento de militares.

Esta disciplina requiere una gran preparación física para realizar los distintos movimientos (saltos, pasavallas, escalada,) que implica, pero además es necesario una mente decidida a superar los propios miedos, una gran concentración y un espíritu fuerte.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-112070

Protesta de gays, lesbianas y travestis frente a Gobernación

2010-11-08T01:32:00.000-03:00

Realizaron hoy una colorida manifestación en reclamo de que "en las políticas públicas de la Provincia se reconozcan y se contemplen la identidad de género y la diversidad sexual".

Un grupo de gays, lesbianas y travestis realizó ayer una manifestación frente a la Gobernación bonaerense en reclamo de que "en las políticas públicas de la Provincia se reconozcan y se contemplen la identidad de género y la diversidad sexual".

La manifestación se desarrolló en el marco de la jornada anual del "orgullo gay" que generó marchas en diversas ciudades de Argentina. Dirigentes de la protesta local señalaron que "resulta insuficiente todavía el reconocimiento de los derechos" por parte de la administración de Daniel Scioli.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20101108/20101108234053.htm

Por decreto, incorporan cinco nuevos feriados al calendario

2010-11-05T11:20:00.004-03:00

Los días no laborables de 2011

A partir de ahora serán días no laborables el 20 de noviembre y el lunes y el martes de carnaval; el año próximo habrá asueto el 25 de marzo y el 9 de diciembre; el próximo lunes 22 no se trabaja

Miércoles 3 de noviembre de 2010

El Gobierno puso hoy en marcha a través de un decreto de necesidad y urgencia el proyecto de ordenamiento de feriados, que a partir de ahora serán 15, con la incorporación del lunes y martes de carnaval como días no laborales y la creación del 20 de noviembre como Día de la Soberanía Nacional.

Como esta última fecha se conmemorará el cuarto lunes de noviembre, el próximo lunes 22 será feriado nacional.

La decisión, publicada en el Boletín Oficial, lleva el número 1584 y entre los argumentos señala que "todo evidencia" que la sanción de la norma "no podrá concretarse con la premura del caso, obstaculizando una de las finalidades del envío", que "era dar previsibilidad con un tiempo de antelación suficiente como para posibilitar a los ciudadanos la planificación de sus actividades".

Es que, según explica el Ejecutivo en otro párrafo, desde la fecha del envío de la iniciativa al Congreso, el pasado 14 de septiembre, la Cámara de Diputados "casi no ha sesionado".

"Desde la fecha del envío, la Honorable Cámara de Diputados de la Nación casi no ha sesionado, por lo que se repite la situación que diera lugar a la fijación del Feriado Nacional del 24 de mayo de 2010, que hubo de producirse por Decreto Nº 615 del 3 de mayo de 2010 en función de la ausencia de tratamiento del proyecto enviado en el mismo sentido el 6 de abril del mismo año", reza el texto.

Con la intención de jerarquizar la industria turística como un motor sustantivo de la actividad económica del país, la Presidenta anunció el pasado 13 de septiembre el envío del proyecto de ley para extender los feriados nacionales ante la presencia de los principales referentes industriales, sindicales y del sector.

El conjunto de medidas del Poder Ejecutivo propuso desde un principio restablecer como feriados nacionales dos de las cuatro jornadas del Carnaval, derogados como tales por el último gobierno de facto en 1976, e instaurar como nuevo feriado patrio el 20 de noviembre, Día de la Soberanía Nacional, en homenaje a la batalla de Vuelta de Obligado, encabezada por Lucio Mansilla contra las armadas anglo-francesas. Así, elevó de 12 a 15 los días feriados nacionales.

Además, pasarán a ser de nueve a diez los feriados inamovibles, al sumar a la lista el 20 de junio, Día de la Bandera, en honor a Manuel Belgrano. En relación con esas fechas no trasladables, establece los denominados feriados puente en lunes o viernes, para fines de semana largos de cuatro días cuando las fechas de celebración caigan en martes o jueves, respectivamente.

Además, se dejará de llamar Día de la Raza al 12 de octubre, para denominarlo Día del Respeto a la Diversidad Cultural. Permanece como trasladable (al lunes anterior, si cae martes o miércoles, o al posterior, si cae de jueves a domingo), al igual que el 17 de agosto (se corre al tercer lunes del mes), que rememora la muerte del general San Martín.

Serán no laborables e inamovibles diversas festividades religiosas de las colectividades judías e islámicas

Serán no laborables e inamovibles diversas festividades religiosas de las colectividades judías e islámicas.

Fuente: http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1321231

Protestan contra las demoliciones

2010-11-05T11:17:00.001-03:00

Ayer, vecinos y ONG que componen la asamblea Defendamos La Plata llevaron adelante una movilización frente a las propiedades de calle 58 entre 6 y 7 con actividades culturales.

El objetivo fue oponerse a las demoliciones que se están llevando a cabo en propiedades emblemáticas para la ciudad.

En diálogo con Hoy, desde la asamblea relataron que “tuvimos una gran repercusión, mucha gente desconocía lo que está pasando en la ciudad”.

Agregaron que esas propiedades forman parte del catálogo existente y “han sido intervenidas ilegalmente, contrariando las ordenanzas vigentes”.

Tanto el Código de Ordenamiento Urbano vigente (ord. 9.231) como la nueva ordenanza 10.703 (artículo 146 inciso d), que lo modifica, expresan claramente que “si un bien hubiera sido demolido sin el permiso correspondiente, la nueva intervención tendrá los indicadores urbanísticos que le fueron otorgados al edificio preexistentes”, expresaron.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-111695

Se realizará la séptima edición de la noche de los museos en Buenos Aires

2010-11-05T11:13:00.001-03:00

La séptima edición de "La Noche de los Museos", que se realizará el próximo sábado 13 a partir de las 20, abrirá las puertas de los museos de la ciudad de Buenos Aires y este año contará con más instituciones y barrios que participarán de esta propuesta.

El “Arte contemporáneo” será el eje temático de la noche y los artistas exhibirán sus talentos con múltiples propuestas para todos los vecinos y turistas.

Los barrios de Pompeya y Villa Crespo se sumarán a la actividad, además de 30 instituciones nuevas, por lo que la cifra llega a los 170 espacios de arte y cultura para visitar durante esa jornada.

Para los más pequeños se presenta: “La Noche despierta a los chicos” con museos y espacios culturales especialmente adaptados para que ellos disfruten en los barrios de Caballito, Chacarita, Palermo y Saavedra.

Algunas de las actividades que se llevarán a cabo son la presentación de la Compañía de Danza Aérea en la Costanera Sur; teatro en la Casa de la Cultura; performances en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco.

Para los amantes del videoarte lo podrán apreciar en el Museo de Arte Español Enrique Larreta y la intervención multimedia en el Planetario, de esta manera se mostrará a Buenos Aires como una de las principales ciudades de arte contemporáneo del mundo.

En este evento se espera la visita de medio millón de ciudadanos y dado el éxito de las ediciones anteriores se decidió extender hasta las 3 de la madrugada la actividad.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-111604

El grupo Escombros hará llover "palomas mensajeras" en la ciudad

2010-11-05T11:07:00.002-03:00

Será mañana a las 18, y tendrá como escenario principal la manzana que ocupa el Teatro Argentino de nuestra ciudad, ubicado en calle 10 y 51.

Desde la terraza del inmenso edificio, integrantes del grupo artístico Escombros realizará una performance llamada Lluvia de pájaros, consistente en arrojar 10 mil siluetas de pájaros recortadas en papeles de distintos colores.

Y habrá una característica especial: cada pájaro llevará un mensaje plasmado por alumnos de distintos colegios platenses.

El contenido es libre, sobre el tema que se desee, desde un poema a un sueño, desde un saludo, un texto literario a una ilustración, dibujo o pintura.

Los receptores de los mensajes serán todos los platenses que participen del evento. Así, Escombros invita a los colegios a ser parte de este acto de comunicación. “Cuando los pájaros dejen de volar, el hombre dejará de soñar”, es la consigna de la performance.

Precisamente mañana es el 120° aniversario del Teatro Argentino, con lo cual habrá actividades especiales durante todo el día.

Cabe mencionar que estos festejos coinciden con un conflicto que los empleados de la sala mantienen desde hace algún tiempo.

Escombros nació en 1988 como grupo de arte público, en una época en la que todo parecía derrumbarse. Al analizar la situación social, política y económica, los artistas fundadores del grupo se preguntaron qué iba a quedar del país. La respuesta fue: “los escombros”.

Junto al nombre, hay características que se mantuvieron intactas: la mayoría de las obras se realizaron al aire libre; siempre expresan la realidad sociopolítica que el país vive en ese momento; se utilizan todas las formas posibles de comunicación: instalaciones, manifiestos, murales, objetos, afiches, poemas, grabados, charlas, poemas visuales, grafitis, tarjetas postales, net art.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-111699

La Casa Curutchet, un perfecto escenario artístico

2010-11-05T11:05:00.001-03:00

El interior de la famosa vivienda platense sirvió para una producción de fotos con artistas locales.

La denominada Casa Curutchet está de moda, y no es algo malo, sino todo lo contrario. Famosa en la ciudad, y de importancia en la arquitectura mundial, también es cierto que, aunque la hayan oído nombrar, muchos platenses no tienen claro de qué se trata.

De hecho, hay quienes la asocian inmediatamente con el recientemente estrenado filme nacional El hombre de al lado, dirigido por Mariano Cohn y Gastón Duprat, y protagonizado por Daniel Aráoz, que se desarrolla en el interior de esta curiosa vivienda platense.

Ahora, es un reconocido fotógrafo local el que también se interesó en ella para rendir homenaje a la cultura de nuestra ciudad a través de un interesante producto estético en el que destacados artistas posan en distintos ángulos de sus instalaciones.

Cabe mencionar que la vivienda está ubicada en el boulevard 53 entre 1 y 2 de nuestra ciudad, y fue diseñada por el arquitecto suizo Le Corbusier, por encargo del médico cirujano Pedro Curutchet, que quería una casa en la que pudiera trabajar y vivir con su familia, y en la que los espacios y la luz natural se aprovecharan al máximo. El reconocido arquitecto mandó los planos a fines de la década del ‘40, y la construcción se realizó entre 1949 y 1953. La Casa Curutchet es su única obra en América Latina, y jamás vino a conocerla.

Su interior resultó un escenario perfecto para el fotógrafo y artista audiovisual José Luis Mac Loughlin, que convocó en las últimas semanas a poetas, músicos, escultores, pintores, dramaturgos y bailarines para que posen en distintos lugares de la vivienda, que, dicho sea de paso, será declarada el año que viene Patrimonio Mundial por la Unesco.

Un detalle de la producción es que las fotos fueron tomadas en blanco y negro con una cámara de la década del ‘50, para estar más cerca, temporalmente, del momento en que fue construida la casa.

Los artistas convocados son: el Mono Isaurralde (músico), César López Osornio (pintor), Pablo Ledesma (músico), Febe Chávez (actriz), Xavier Kriscautzky (fotógrafo), Tato Finocchi (músico), el Vasco Alzugaray (pintor), Raúl Andrioli (titiritero), Martín Raninqueo (músico), Diego Aroza (actor), Juan Pezzani (escultor), Rubén Monreal (actor), Cristina Terzaghi (artista plástica, muralista), Lido Iacopetti (pintor), Rocambole (ilustrador), Bernardo Teruggi (director de orquesta), Eduardo Zabalet (artista plástico, inventor), Horacio Gramaje (músico), Jorge Semilla (fotógrafo), Quique Roca (músico) y Ricardo Dalla Lasta (escultor).
Cada una de las imágenes será exhibida en el mismo lugar de la casa donde fue retratado el artista.

“Las fotos quedarán a modo de impronta, de huella que cada personaje dejó en la ciudad, porque la cultura es eso: cultivar, cosechar, arar la tierra. Y muchos hombres y mujeres han abierto surcos nuevos y han sembrado aquí su semilla”, señaló Mac Loughlin.

También, como cierre de la producción audiovisual, el fotógrafo proyectará las imágenes finales sobre la arquitectura de Le Corbusier, como una suerte de doble homenaje: por un lado, a quien fue uno de los máximos exponentes de la arquitectura; y, por el otro, a los grandes gestores de la cultura platense.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-111701

Una experiencia que invita a integrar y ponerse en el lugar del otro

2010-11-03T11:26:00.001-03:00

En plaza Moreno

Es la primera vez que se lleva adelante en la ciudad. La consigna es incluir a las personas con discapacidad

Fuente: http://pdf.diariohoy.net/2010/11/03/pdf/cuerpo.pdf

La Plata festeja un nuevo aniversario con varias cuentas pendientes

2010-10-31T16:38:00.004-03:00

La ciudad cumplirá 128 años

En las últimas cinco décadas, el crecimiento de la capital provincial evidencia problemas estructurales que influyen en la calidad de vida de los platenses. El aumento de la población no tuvo una planificación ordenada en los últimos años.

Dentro de tres semanas, La Plata cumplirá 128 años. Las ciudades muchas veces crecen en altura y también a lo ancho, como las personas. Lamentablemente, también, como las personas, algunas ciudades envejecen y se deterioran. Es el caso de La Plata, que en los últimos cincuenta años dejó de ser una de las ciudades más pujantes y desarrolladas del país, para pasar a desarrollar problemas de todo tipo.

Las costumbres, los gustos, la vestimenta y los pasatiempos cambiaron por la modernización y el propio paso del tiempo, pero también por muchas carencias y falencias. Ya no se aprovechan tanto los espacios públicos porque hay otros entretenimientos, pero tampoco hay tantos espacios públicos aprovechables y están en peores condiciones. Las actividades al aire libre se cambiaron por otras, puertas adentro. Los chicos pasan más tiempo jugando con la computadora en casa que con otros juegos en la calle. Antes no había computadoras, pero tampoco tanta inseguridad como ahora. La vestimenta es más informal por practicidad y por falta de recursos para vestirse mejor. Así, se podría continuar con varios aspectos de la vida cotidiana.

En estos últimos años, la capital provincial aumentó enormemente su población en la periferia en relación al casco urbano, que también creció, pero a lo alto. Sin embargo, ese crecimiento ha sido desordenado y perjudicial para la ciudad y para sus habitantes, que en relación a las décadas del ‘50 y ‘60 disminuyeron notablemente su calidad de vida.

Actualmente en La Plata hay 107 asentamientos en la periferia, según un relevamiento del Centro de Investigación Social (CIS) de Un Techo para Mi País, del año pasado. El aumento de asentamientos implica carencia de recursos y servicios de todo tipo. Del total de asentamientos platenses, el 14% está en Melchor Romero, el 10% en Los Hornos y le siguen en porcentaje Villa Elvira y San Carlos, con 8% cada uno.

Según el último censo del miércoles pasado, se calcula que La Plata tiene 650 mil habitantes con un crecimiento del 11,5% en relación al anterior censo de 2001, que contabilizó 574 mil personas. El aumento de la población platense en estos últimos diez años es de casi el doble del que hubo en la década anterior, de 1991 a 2001, que fue del 6%, siempre según los datos del Instituto Nacional de Estadísticas y Censos (INDEC).

Sin embargo, ese crecimiento fue desordenado y desparejo. El arquitecto Fernando Gandolfi explicó a Hoy que “en La Plata se produjo una pérdida generalizada de la calidad de vida, principalmente por dos razones: el deterioro en términos de crecimiento explosivo no orientado o mal orientado del casco urbano, y el crecimiento periurbano de la ciudad con falta de planificación”.

El historiador y presidente de la junta comunal de vecinos e instituciones de Melchor Romero, Néstor Gutiérrez, dijo a este diario que “a partir del crecimiento de la población, más del 60% de los platenses vive en la periferia, mientras que años atrás la mayor parte de la población vivía en el casco urbano”. Gutiérrez sostuvo que en el anterior censo “Melchor Romero tuvo un crecimiento superior al 50%, y en el casco urbano la cantidad de personas decreció”.

Gandolfi destacó la aplicación del decreto ley 8.912 de Uso del Suelo de 1977, como uno de los factores del crecimiento no orientado. En La Plata, la situación se agrava a partir de la sanción del nuevo Código de Planeamiento Urbano de la actual gestión del intendente Pablo Bruera, que favorece la construcción indiscriminada de edificios de propiedad horizontal y el negocio inmobiliario.

“Hay una falta de política de preservación patrimonial de esta gestión municipal que dejó librada la construcción de edificios a la más feroz especulación inmobiliaria”, consideró el arquitecto. “Hace cincuenta años había gran cantidad de viviendas individuales y algunos edificios de propiedad horizontal aislados, hoy la vivienda individual está amenazada porque la ciudad crece en vertical y queda en sombra, un ejemplo es la calle 61 entre 7 y 13, que es sombría a cualquier hora”, explicó Gandolfi.

El historiador platense Roberto Abrodos consideró que La Plata “perdió la identidad con tanta altura, en lo arquitectónico perdió algunas joyas, y también se perdió la función que habían planeado los fundadores de la circulación de los vientos, antes la ciudad era más aireada”.

Por otro lado, la calidad de las construcciones disminuyó notablemente por el abaratamiento de los costos de los materiales y la urgencia de las obras. Gandolfi recordó que “en la década del ‘60 se construyeron en La Plata edificios de gran calidad arquitectónica, principalmente los de los arquitectos Daniel Almeida, Carlos Lenci y Vicente Krause, pero después vinieron otros de peor calidad”.

Espacios verdes en extinción

La vida al aire libre es una de las costumbres que se fue extinguiendo con el correr de los años. La modernidad trajo otras actividades para desarrollar en espacios cerrados. Sin embargo, en La Plata se suma la depreciación de los espacios verdes. “Hace varias décadas se usaba el arroyo El Gato para pasear e ir a pescar, ahora sería impensado”, contó el historiador Néstor Gutiérrez, que destacó los problemas ambientales como uno de los principales factores del deterioro de la calidad de vida.

La Plata fue planificada con una preponderancia de espacios verdes. En el casco urbano hay una plaza cada seis cuadras y una gran variedad de forestación. Sin embargo, esa característica se está perdiendo porque no hay políticas para preservar los espacios verdes que existen, y tampoco se generan nuevos. “El crecimiento con falta de planificación en la zona periurbana lleva a que no se construyan nuevos espacios verdes, una de las virtudes del casco urbano”, dijo Gandolfi. El arquitecto, además, resaltó que “tampoco se preserva los que ya existen, la construcción del estadio de Estudiantes en el Bosque es un ejemplo, y, por otro lado, se está dando un tratamiento caricaturesco y absurdo de los espacios públicos, con cadenas de plástico”.

“En La Plata se olvidaron de la reforestación, hay que recuperar ese aspecto replantando en lugares como la calle 72, hay que volver a que La Plata sea una ciudad forestada e higiénica”, opinó el historiador Roberto Abrodos. En ese sentido, también influye la tala indiscriminada de árboles para favorecer la construcción, un panorama habitual en La Plata en los últimos años.

De la prosperidad a la decadencia en el trabajo

La ciudad de La Plata no escapa a los cambios en la distribución del ingreso y las condiciones de empleo del resto del país. Incluso, junto con Berisso y Ensenada, se convirtió en un caso testigo del auge y caída de las condiciones de vida que experimentó la clase trabajadora en los últimos cincuenta años. Los primeros gobiernos de Juan Domingo Perón coincidieron con una etapa de industrialización del país, que derivó en el pleno empleo y en el incremento del salario en un 500% en el período de 1945 a 1955, además de los grandes logros sindicales que se obtuvieron en esos años. En 1952, al terminar la primera presidencia de Perón, el 54% del ingreso nacional quedaba en manos de la clase trabajadora.

Esa situación permitió el surgimiento y afianzamiento de una nueva clase media que se consolidó durante las décadas del ‘50 y ‘60. En La Plata y la región se vio reflejado ese proceso con el crecimiento de las industrias en Berisso y Ensenada. Sin embargo, la situación empeoró en los años posteriores. La Plata pasó de tener 13.724 puestos de trabajo ocupados en 1974, a 8.531 en 1994; Ensenada pasó de 10.539 en 1974, a 3.683 en 1994; Berisso saltó de 6.147 a 905 en el mismo período. Una baja de más de 50% para toda la región.

La profunda caída de la actividad industrial del Gran la Plata se observa claramente en los datos correspondientes a las grandes empresas privatizadas en el período 1990-1995. Según la Asociación de Trabajadores del Estado (ATE), el Sindicato Unido Petroleros del Estado (SUPE) y la Municipalidad de Ensenada, sólo en esos años perdieron el trabajo 7.190 personas. La reducción del personal en la Refinería YPF (ex Destilería) fue del 85%; en Petroquímica La Plata (ex General Mosconi), del 50%; Petroken, 40%, y Siderar (ex Propulsora Siderúrgica), 52%.

Las indemnizaciones que recibieron los despedidos de las privatizadas -salvo excepciones particulares- se esfumaron. En esos años, proliferó el empleo informal y los microemprendimientos.

Actualmente, en el Gran La Plata la subocupación (personas que trabajan menos de 35 horas a la semana y quieren trabajar más, o aquellas que ocupan puestos por debajo de su cualificación) está superando a la desocupación. El Centro de Estudios Económicos Laborales y Sociales (Cedlas) de la UNLP aporta un dato revelador: en el grupo del 20% de mayores ingresos de la Provincia, el 13,6% son empleados estatales, lo cual contrasta con la participación de este grupo en el empleo total, que es de 6,5%.

La actualidad argentina es muy distinta a la de hace cincuenta años. El deterioro de las condiciones de empleo contribuye a la pérdida de la calidad de vida de los platenses, que en los últimos años vieron decrecer sus posibilidades enormemente.

El tránsito, un caos

El aumento del parque automotor en La Plata no estuvo acompañado por una planificación ordenada del tránsito en una ciudad cuyo trazado fue planificado a fines del siglo XIX, cuando todavía no se utilizaba el automóvil de manera masiva. Actualmente se calcula que el parque automotor tiene un crecimiento anual de cerca del 20 por ciento, y en la ciudad hay más de 250 mil vehículos en circulación. A esto se suma el deterioro en el sistema de transporte público que complica el traslado de los platenses.

La consecuencia más preocupante del actual problema del tránsito en La Plata son los accidentes viales, que crecieron en un 30 por ciento el año pasado. Ese año hubo 118 víctimas de accidentes de tránsito, que superan en un 51 por ciento el promedio nacional. En total, se calculan más de trescientos accidentes de tránsito por día. Esto se debe a la falta de una política para ordenar el crecimiento del parque automotor, un problema que se acrecentó enormemente en las últimas décadas.

Los hábitos también transformaron la ciudad

La postal actual de la ciudad es muy diferente a la de cinco décadas atrás. Cambiaron las costumbres y se transformaron los hábitos de los platenses. Además de los cambios edilicios, se experimentaron cambios en las relaciones interpersonales. Algunas tradiciones se perdieron y dieron paso a otras.

“Se fue perdiendo el respeto por los demás”, resume el historiador Roberto Abrodos. “Una de las tradiciones que se perdieron y que era muy habitual en La Plata es la de ir al Cementerio el Día de los Muertos, que venía de los inmigrantes europeos”, recordó Abrodos.

Para el historiador Néstor Gutiérrez, “una de las características de hace cincuenta años es que en la periferia las familias se conocían, con la transformación de la inmigración, el aumento de la población y los cambios en las costumbres ya no es tan fácil conocer a todos, y se perdieron las relaciones entre los vecinos”.

La actividad comercial también modificó las costumbres. “Las grandes ferias que aún perduran en La Plata, como la de 51 entre 20 y 23 o la del parque Saavedra, ahora son más acotadas, y dejaron de existir muchos almacenes de barrio porque hoy se compra todo en los grandes hipermercados”, dijo Abrodos.

La vestimenta es otra de las características que fue mutando con el paso del tiempo. “Hace cincuenta años los empleados públicos se vestían rigurosamente de traje y corbata, y también se utilizaba el sombrero, que dejó de utilizarse, y ahora la ropa es más informal, eso causó que dejaran de existir las sastrerías”, recordó el historiador. Una de las sastrerías características de la ciudad en las décadas del ‘50 y ‘60 era El Siglo, de la esquina de 7 y 54, actualmente desaparecida. “Era muy común ir a comprar a El Siglo los trajes, las camisas, las corbatas y los sombreros, esa tradición se perdió a partir de que la vestimenta es más informal”.

“Otra de las tradiciones que se perdieron es la de los negocios de cortes de género, donde las mujeres compraban las telas para confeccionar los vestidos, ahora se compra todo hecho y esos locales casi desaparecieron en la ciudad”, agregó Abrodos.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-110885-titulo-La_Plata_festeja_un_nuevo_aniversario_con_varias_cuentas_pendientes

"Quisiera que me recuerden", por Kirchner

2010-10-29T21:46:00.004-03:00

Nestor Kirchner lee el poema de Joaquín Enrique Areta. Obrero y poeta argentino (Corrientes, 1955). Militó en la Ciudad de La Plata, entre otras organizaciones, en la Unión de Estudiantes Secundarios. Secuestrado y preso en la ESMA, se le dio por desaparecido en 1978.

PALABRA VIVA es una recopilación de textos de escritores desaparecidos durante la dictadura militar. Contiene textos de 71 de esos autores y de 32 solo se publican datos biográficos porque ha sido imposible hasta el momento encontrar sus textos.

La Sociedad de Escritores y Escritoras de la Argentina -SEA- realizó un trabajo de tres años para recopilar los textos y las biografías de las escritoras y . La CONABIP apoyó la sitematización realizada por la SEA y colaboró con la edición.

Quisiera que me recuerden

Quisiera que me recuerden sin llorar
ni lamentarme
quisiera que me recuerden por haber hecho caminos
por haber marcado un rumbo
porque emocioné su alma
porque se sintieron queridos, protegidos y ayudados
porque interpreté sus ansias
porque canalicé su amor.
Quisiera que me recuerden junto a la risa de los felices
la seguridad de los justos
el sufrimiento de los humildes.
Quisiera que me recuerden con piedad por mis errores
con comprensión por mis debilidades
con cariño por mis virtudes,
si no es así, prefiero el olvido,
que será el más duro castigo por no cumplir mi deber de hombre.

Fuente: http://www.youtube.com/watch?v=1LfqyyMBZVQ

El día en que compartir el dolor fue necesario

2010-10-28T11:07:00.004-03:00

Jueves, 28 de octubre de 2010

EL PAIS › DESPUES DE LAS OCHO DE LA NOCHE LA PLAZA SE LLENO PARA DECIR ADIOS Y RESPALDAR A LA PRESIDENTA

En una convocatoria espontánea y sin la presencia de aparatos políticos, decenas de miles de personas ocuparon la Plaza de Mayo para rendir homenaje al ex presidente y dejar claro el apoyo a Cristina Fernández.

Por Marta Dillon

Como un peso que se arrastra entre muchas manos, el dolor que se comparte también se hace más liviano. O se convierte en fortaleza. Así está escrito en cada baldosa de la Plaza de Mayo y en la historia argentina desde que un grupo de mujeres convirtió su dolor en movimiento y consiguió nombrar lo que estaba destinado al silencio: la desaparición de sus hijos. Así lo volvieron a escribir con su presencia y con mensajes apurados en marcador sobre papel, en flores atadas a las vallas policiales, en abrazos repetidos e interminables, decenas de miles de personas que no quisieron estar solas con el dolor que generó la muerte del ex presidente Néstor Kirchner.

Nadie podía precisar cómo había surgido la convocatoria, quién había fijado la hora, qué sería lo que iba a suceder allí, frente a la Casa Rosada a las ocho de la noche. Pero el mensaje circuló por teléfonos y computadoras, de boca en boca, a medio camino entre la congoja y un optimismo militante e inorgánico que indicaba que era necesario poner el cuerpo en la calle, tomar la calle, ocupar la Plaza. Congoja por la muerte inesperada de un hombre al que, según las distintas voces, se le debe desde el fin de las leyes de impunidad sobre los perpetradores del terrorismo de Estado hasta el “derecho a una jubilación”.

Algo de esa orfandad podía respirarse en una Plaza que se mostraba convencida de poder ofrecerle a Cristina Férnandez la fuerza necesaria para seguir adelante después de perder a su compañero de toda la vida. Aun a sabiendas de que ese mandato de “apuntalar, no abandonar la calle” –como se escuchó más de una vez– necesita expresar el dolor, aunque más no sea para compartirlo. Para que duela menos.

Ver:Nota completa

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/elpais/1-155852-2010-10-28.html

La ciudad universitaria que talló el perfil definitivo de un político que lideró el país

2010-10-28T10:58:00.003-03:00

Néstor Kirchner en sus épocas de estudiante de abogacía en la Universidad Nacional de La Plata

En La Plata

28-10-2010 / Néstor Kirchner estudió en la UNLP y allí se forjó en la difícil militancia de los años 70

Néstor Kirchner arribó a La Plata con la fuerza que lo acompañó hasta el último día. Corría el año 1969 y el contexto político no era para tibios. El Che Guevara comenzaba a ser una leyenda, el Cordobazo, la llegada de Allende al gobierno chileno y la proscripción del peronismo inspiraban a una inquieta juventud que soñaba con "cambiar el mundo".

Llegó de Río Gallegos y caminó las diagonales platenses hasta que llegó a la calle 45 Nº 312, entre 1 y 2. Esa pensión fue el lugar que lo cobijó y en donde tuvo sus primeras batallas dialécticas con Roberto Basile, Julio Pacheco y Omar Beain, los primeros compañeros y amigos de militancia desaparecidos bajo el régimen de la dictadura. Siempre los recuerdó: "Fueron ellos, pero podríamos haber sido nosotros".

La Plata no fue un lugar insignificante en su formación política. Vivió en una ciudad universitaria símbolo del escenario político de esa época, cuna del radicalismo y del antiperonismo enmascarado detrás de la Federación Universitaria de La Plata (FULP). Allí el peronismo proscripto dio una dura batalla.

En esos años, se creó la Federación Universitaria de la Revolución Nacional (FURN) donde Kirchner, como estudiante de Derecho, encontró su lugar. Fue uno de los primeros espacios que aglutinó a los jóvenes peronistas revolucionarios dentro de las aulas de la Universidad Nacional de La Plata.

En ese tiempo conoció a Carlos Kunkel, Carlos Negri, Marcelo Fuentes, Roberto Caballero y Carlos Moreno, quienes conducían la FURN. En Derecho, junto a Kirchner, también militaban Rafael Flores, Carlos Bettini, Gustavo Murici -hoy desaparecido-, Daniel Fernández, Jorge Alessandro, Daniel Santin, José Luis Horna, José Luis Horno y Carlos Cottini.

El hoy diputado Carlos Cottini fue uno de sus entrañables amigos. Pocos conocen la esencia del militante como él. Hoy está quebrado y no le salen las palabras. Las imágenes de horas de estudio en la pensión, reuniones con largos debates políticos y momentos de diversión en la pensión de 45 se le cruzan por su cabeza. "Néstor entró a militar en la FURN en 1970; tenía mucha convicción, pero no era un líder, era uno más de nosotros", recordaba alguna vez Cottini.

Al remomorar los momentos que compartieron en las aulas, el diputado provincial señalaba: "Nosotros teníamos que estudiar el doble para poder discutir con los profesores y defender nuestra posturas".

Otro compañero setentista es el platense por adopción José Luis Horna, quien lo recuerda como un militante aguerrido. "Con Kirchner recorríamos los barrios a principios de los 70. Fuimos compañeros de militancia hasta los años más duros cuando, en el desbande, cada uno agarró para su lado y él se fue para Santa Cruz".

"Yo compartí muchos momentos con Kirchner. Lo frecuentaba bastante. Primero en la pensión de la calle 45 y después en la calle 60 entre 16 y 17, la cuadra siguiente a la del asilo Marín. Hoy esa casa no está más", cuenta Horna.

Pero no son las únicas veredas que fueron testigo del camino que recorrió Néstor Kirchner en esta ciudad. Una casa ubicada en 6 entre 40 y 41 fue el escenario de muchos momentos que marcaron la vida de los Kirchner.

"Otro lugar de encuentro era la casa de Omar Busqueta, un compañero de Neuquén, en donde se veían con Cristina. Busqueta era el novio de 'Pipa' Cédola -también neuquina-, muy amiga de Cristina y que fue un poco quien hizo de Celestina. La casa está ubicada en 6 entre 40 y 41, casi 40. Cada vez que paso por ahí, me invaden los recuerdos. Era el lugar de encuentro de ellos", confiesa Horna.

Es el momento en el que Horna hace una pausa, y la nostalgia por revivir sus años de juventud, lo transportan a la Avenida 7: "Estaba esperando a que pase un cortejo fúnebre que llevaba los restos de un amigo. Por razones obvias no pude asistir al velatorio. Era nuestra forma de despedirnos de nuestros compañeros. Mientras esperaba, llegaron Néstor y Cristina. Lupín estaba muy preocupado. Me mostró los pasajes porque al otro día salían rumbo a Santa Cruz. Fue la última vez que los vi".

Visiblemente conmocionado por la noticia, Horna continúa su relato: "Yo no estudié con Kirchner porque era más chico. Militaba con él en la FURN que fue la primera agrupación peronista de la Universidad acá en La Plata. No participábamos en las elecciones del estudiantado partiendo de la base de que no había legitimidad en el Gobierno. La relación política nuestra era con el peronismo y con la Juventud Peronista".

"La generación anterior en el peronismo universitario eran Kunkel o Macelo Fuentes. Kunkel fue uno de los primeros. Después la agrupación se dividió y hubo un desprendimiento que fue el Frente de Agrupaciones Eva Perón (FAEP). En aquellos años nos juntábamos en las unidades básicas de los barrios y nuestro referente en el peronismo de la ciudad era el viejo (Horacio) Chávez que fue uno de los primeros muertos de la Triple A", dice el compañero de militancia de "Lupín".

La imagen que Horna tiene de Kirchner es la de un militante más y lo cataloga como "peronista de familia", a diferencia de los que se volcaron al espacio asimilándolo como una cuestión intelectual.

La militancia en esos años unió a jóvenes que continuaban la lucha de la Resistencia Peronista que había comenzado con la Revolución Libertadora y con la proscripción del peronismo. "Néstor era un compañero aguerrido como casi todos los que militábamos en esa época. Era un momento difícil en la Universidad, muy diferente al del 73 cuando hubo una avalancha de peronismo", señala Horna quien afirma que "la lucha en ese momento era por la vuelta de Perón. Era nuestra bandera. Era la sucesión del Luche y Vuelve y la continuación un poco de lo que había sido la Resistencia Peronista".

Kirchner y los compañeros de la FURN fueron a Ezeiza a buscar a Perón. Horna recuerda que ambos estuvieron a cargo de uno de los grupos de militantes platenses en la trágica movilización. La militancia universitaria continuó y culminó en la conformación de la Juventud Universitaria Peronista (JUP), uno de los protagonistas del triunfo de (Héctor) Cámpora en 1973 y grupo activo en la vida universitaria del peronismo.

En ese contexto, la relación de Néstor con Cristina se consolidaba hasta que se casaron el 9 de mayo de 1975 en el registro civil de La Plata. Dicen que, en lugar de la marcha nupcial, se escuchó la marcha peronista.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-112025-medios-122-La-ciudad-universitaria-que-tallo-el-perfil-definitivo-de-un-politico-que-lidero-el-pais.html

Un cóctel explosivo llega a la ciudad: tequila, tabaco y rock

2010-10-26T02:40:00.001-03:00

Martes 26 de Octubre 21:00 Hs.

El grupo mexicano Molotov celebra sus quince años en La Plata

"Somos los feos y malos, somos amigos del bueno/ Somos los que en la playa chingan los planes chingones/ Somos los superchilangos entre tu y tus vacaciones". Ese hit de algunas temporadas atrás ("Here we kum", cruza de Plastilina Mosh con White Stripes) pintaba de cuerpo entero (un cuerpo generoso en kilos de barriga cervecera) a este grupo de forajidos padrísimos que desde México hacia Latinoamérica hicieron ruido con su coctel explosivo: rap-core a los Beastie Boy, spanglish a lo Kuriaky fraseos prestados y (per)versiones variadas a los Kapanga, liturgia fiestera, auténtica y decadente, y marcado discurso político, no tan constante como el de Manu Chao ni tan imaginativo como Calle 13.

Tequila, tabaco y rock, todo de la mano de tres mexicanos y un yankee disidente, irrumpieron en 1997, con el irreverente ¿Dónde jugarán las niñas?, respuesta irónica a ¿Donde jugarán los niños? de Maná. El contenido corrosivo y explícito de sus letras y su sugerente tapa le proporcionaron censuras al grupo que se había formado dos años antes, y que había conquistado su propio público en el circuito mexicano antes de editar gracias a telonear a bandas como Héroes del Silencio o IKV.

Molotov salió a vender sus discos en la calle, protestando, y finalmente la placa fue nominada para el premio Grammy (internacional) en la primera categoría de su género como: "Mejor Interpretación de Rock Latino/Alternativo". El disco consiguió siguientes reconocimientos en distitnos paises de habla hispana.

Molotov comenzó a girar por Estados Unidos al lado de grupos alternativos conocidos y comenzaría con una marca registrada: hacer versiones extrañas como "Rap, Soda y Bohemia"(“Rapsodian Bohemy”, de Queen) o "Amateur" (“Rock me Amadeus”, de Falco).

Pero tras su arenga fiestera ideal para animar festivales, fueron delineando un discurso político que se coló en los canales mainstream de comunicación: "Gente que vive en la pobreza / nadie hace nada porque a nadie le interese /Es la gente de arriba te detesta / hay más gente que quiere que caigan sus cabezas”. “Gimme the power” asomó como una protohimno progre de la banda, pero ya en temas como “Frijolero”, apuntan contra Estados Unidos y la problemática de los mexicanos que emigran a la gran hamburguesería del norte y son tratados como delincuentes: "Podrás imaginarte desde afuera / ser un mexicano cruzando la frontera / pensando en tu familia mientras que pasas / dejando todo lo que conoces atrás / si tuvieras tú que esquivar las balas / de unos cuantos gringos rancheros / las seguirás diciendo good for nothing wetback?".

Claro que la diversión y la facilidad para las rimas y aliteraciones chicanas germinaron alegres raps como “Parásito” ("Subieron la mota, también el alcohol / y ahora es más caro ponerse un pasión / Que le pasa muchacho, sigue borracho / le apesta el hocico, hueles bien gacho / gastas tu tiempo, todo tu dinero / estás en la ruina por andar de culero / todos trabajan y tu estás durmiendo") o , dedicada a la farándula de Televisa, "El carnal de las estrellas" (Y quieres volverte una súper estrella no tienes talento ni una vocación / y quieres salir en la televisión / Que a un productor te lleve a la fama / pero antes tendrás que acostarte en su cama). También para exponer atisbos de "seriedad" y conciencia apocalíptica cono "El mundo se va a acabar".

Hace un par de años, anunciaron su separación aduciendo diferencias de creatividad y por problemas económicos, dando a entender que extrañamente el proyecto los estaba dejando en bancarrota. Luego de ese anunció, y teniendo aún contrato con la discográfica por un álbum más, cada uno de los integrantes editó un EP. Meses más tarde, anunciaron el lanzamiento de un nuevo disco, que aún no tiene nombre pero confirma que la separación fue una broma.

Tito Fuentes, Miky Huidobro, Randy Ebright y Paco Ayala siguen juntos y celebran nada menos que 15 años en la carretera, hoy a las 22 en el escenario de la Sala Ópera (58 entre 10 y 11). ¿Molotov en una fiesta de 15? Esto sí que se prende, güey.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-111731-medios-122-Un-coctel-explosivo-llega-a-la-ciudad-tequila-tabaco-y-rock.html

Volvió el caballero de fina estampa

2010-10-25T11:56:00.001-03:00

Lunes, 25 de octubre de 2010

DANZA › PRESENTACION DE MIKHAIL BARYSHNIKOV EN EL TEATRO COLISEO

El mítico bailarín, de 62 años, realizó dos únicas funciones de su espectáculo Tres solos y un dúo junto a la española Ana Laguna. Se mostró en gran forma, ya sin el despliegue aéreo de antaño, pero siempre sólido y con una capacidad expresiva que dejó con ganas de más.

Por Carolina Prieto

En el marco de una gira latinoamericana, Mikhail Baryshnikov se presentó por cuarta vez en Buenos Aires junto a la bailarina española Ana Laguna con el espectáculo Tres solos y un dúo, compuesto por cuatro piezas breves y contemporáneas hilvanadas en un montaje minimalista en el que primó la madurez de dos intérpretes intensos, muy expresivos y con un manejo técnico aún sorprendente. La sola aparición en el amplio escenario del Coliseo del bailarín de 62 años, vestido de blanco y con un físico impecable, generó la ovación del público que pagó hasta mil pesos por ver a una de las mayores estrellas de la danza internacional, que inició su carrera en la ex Unión Soviética y luego se radicó en Estados Unidos. La función comenzó con Valse-Fantasie (Vals Fantasía), con coreografía del ruso Alexei Ratmansky y música de Mikhail Glinka, una pieza romántica y juguetona en la que Misha desplegó su arte límpido con movimientos precisos e impecables, combinando el lenguaje clásico y el contemporáneo.

Ya no salta como lo hacía antes, pero su cuerpo sigue siendo un instrumento refinado, grácil y veloz que transmite los vaivenes de un hombre al darse cuenta de que ya no siente nada por la mujer que lo desveló años atrás. Su fina estampa y sus cambios de ritmo cautivan; y la platea, sobre todo femenina, lo agradece. Le siguió Solo for Two (Solo para dos), a cargo de Laguna, la artista que en el ’74 fue invitada a integrar el Cullberg Ballet de Estocolmo, desde donde se proyectó internacionalmente. Su figura contrasta con el modelo de la bailarina tradicional: esta mujer nacida en 1954 sólo lleva puesto un vestido rojo amplio, suelto y largo; el pelo negro y canoso atado en una colita y los pies descalzos. Con música de Arvo Part y coreografía del sueco Mats Ek (su actual pareja), la española transmite con vehemencia el tormento de una mujer que busca y sufre por un amor inasible que se cuela como una ráfaga en dos momentos. Ahí es cuando Baryshnikov asoma como un fantasma para dejarla a ella danzar un solo de dolor y desgarro.

El ex primer bailarín del American Ballet Theatre, célebre compañía de la que además fue director artístico, regresa al escenario con Years Later (Años después), pieza en la que dialoga con su misma imagen proyectada en una inmensa pantalla. En la primera función del sábado hubo algunos desajustes técnicos, que él resolvió con gracia y soltura cuando la imagen no aparecía. Pidió perdón, recibió por esto más aplausos, y volvió a empezar. En esta obra creada por el joven coreógrafo francés Benjamin Millepied sobre la Melodía para saxofones de Philip Glass, el artista mantiene una conversación danzada consigo mismo: imágenes en blanco y negro de un Misha jovencísimo en pleno ensayo (cuando tal vez no tenía ni veinte años) y el hombre actual ejecutan al unísono los mismos movimientos. Hasta que la imagen virtual se lanza en unos giros velocísimos y eternos que el Baryshnikov carnal ni intenta realizar. Se detiene y mira la pantalla, asombrado por lo que antes podía hacer. Luego, la imagen se triplica: Baryshnikov de carne y hueso, su sombra negra proyectada sobre la pantalla dialoga con un Baryshnikov más joven aunque no tanto como el del comienzo. Tres cuerpos de distintas materialidades, dos instancias temporales y un juego atractivo de simultaneidades y diferencias. Esta obra especular es un guiño simpático: deja en claro que el intérprete acepta con humor el paso del tiempo y que todo intento de volver a sus increíbles habilidades pasadas sería en vano. Hasta se queda parado mirando atónito la pantalla, como si fuera un espectador más.

Tras un breve intervalo, los dos bailarines se unen en el dúo Place (Lugar), también de Mats Ek. Una mesa de madera, una alfombra y tres reflectores son el marco para el encuentro de esta pareja que adquiere distintos climas: placidez, encanto, distancia, desesperación, furia. Ella (de pollera larga y camisa) y él (de traje) se enredan en juegos dulces y ásperos, que cambian de ritmo e intensidad, hasta terminar ella sola en el escenario temblorosa y sacudida por espasmos. El público se puso de pie para ovacionar al dúo que salió a saludar hasta cinco veces mientras los gritos, los flashes (aunque él pidió varias veces que no sacaran fotos) y los aplausos se mantuvieron durante minutos. Pero más allá de la adoración del público, esta visita dejó con ganas de más. No de saltos ni piruetas que un cuerpo de 60 años ya no podría dar, pero sí un mayor juego, riesgo y expresividad, que estuvieron presentes en varios pasajes pero que las coreografías no dejaron crecer del todo. Como si Baryshnikov pudiera entregar un arte más pleno, tal vez menos deslumbrante desde el punto de vista de las destrezas aéreas (giros, saltos y piruetas), pero siempre rico en cuanto a los matices, la carga expresiva y la justeza que lo convirtieron en una figura mundial.

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/13-19710-2010-10-25.html

Borracho pero con flores

2010-10-25T11:52:00.002-03:00

Domingo, 24 de octubre de 2010

JOSE CARBAJAL (1943-2010)

Por Mariano del Mazo
Imagen: Gentileza La republica

A fines de los ’90, en un bar de uruguayos de la calle Defensa, en San Telmo, declaró a eso de las diez de la noche, frente a un bife de chorizo con ensalada, que había dejado de tomar, que solamente bebía “en alguna ocasión”, pero que casi no tomaba. Seis horas más tarde se lo podía ver, temerario arriba de una escalera, manoteando las últimas botellas de Carcassone de los estantes más altos. Años después –febrero de 2004–- recordaba la anécdota en su pequeña casa de Villa Argentina, Atlántida. “Te dije que casi no tomaba. Le doy mucho valor a la palabra casi”, se reía. Esa casa de verano de Villa Argentina la había comprado gracias al formidable aumento de las regalías del candombe “A mi gente”, que había grabado Soledad Pastorutti en 1998. “En ese rincón estoy preparando el altar de la Sole”, señalaba con el dedo debajo de un plátano.

Ese día de febrero fue largo. Preparó una memorable colita de cuadril a la parrilla, metió mano en la computadora a un texto del espectáculo que estaba preparando, acompañó a su hijo Antolín al mar, improvisó una clase de flora y fauna de su jardín (de santarritas dobles a chingolos), destapó un cabernet nacional (“mejoró el vino uruguayo”) y habló mucho. De su infancia en Juan Lacaze, territorio idealizado omnipresente en la médula de su obra. De su etapa de obrero textil. De los años de exilio porteño, entre 1970 y 1973, cuando llegó a compartir pensión con José Larralde. De sus peleas con Alfredo Zitarrosa en México (“El Flaco era muy comunista; yo, muy anarco. Nos queríamos mucho. En esa época todos nos peleábamos con todos. Yo usaba de escudo mi origen obrero, era el único que había trabajado en una fábrica. Una buena chicana para comunistas”). De sus cinco hijos. De Anke, su mujer, una profesora holandesa especializada en arte latinoamericano con la que se casó en Atlántida el 31 de diciembre de 1999 a las doce de la noche. De su vida de casi tres décadas en Amsterdam. “Al principio me costó. Solía tocar en un antro llamado Paradise, que se llenaba de punks. Debajo del pelo parado, eran unos guachos divinos que me adoraban porque veían en mí algo raro, exótico, deforme.” La devoción que provocaban los recitales de El Sabalero en los punks holandeses de finales de los ‘70 es una de las mejores anécdotas que cuenta Jaime Roos, por entonces otro de los uruguayos sueltos en Amsterdam.

La figura de José Carbajal, El Sabalero, quedó en aquellos años suspendida en tensión entre el genial pulso milonguero de Zitarrosa y el canto panfletario de Daniel Viglietti. Hombre del interior, se hizo fuerte en un registro melancólico y costumbrista; esa nostalgia provinciana, por momentos exagerada hasta el borde del golpe bajo, aparecía atravesada por un trazo social siempre certero. El pantalón cortito, bolsita de los recuerdos de “Chiquillada” funciona como un buen ejemplo del tono de toda su obra si se lo enlaza con otros clásicos como “A mi gente” y “Borracho pero con flores”, que finalmente se cristalizaron como símbolos de la recuperación democrática en el Uruguay, con su mensaje de regreso y reencuentro. Pero más allá de los avatares políticos que tiñeron el Canto Popular Uruguayo de esa época, la infancia, el barrio Villa Pancha y el tiempo perdido eran sus temas recurrentes. La casa encantada fue el título de un espectáculo de mediados de los ‘90 en el que combinaba relato y canciones. El eje narrativo era el regreso a su casa natal de Juan Lacaze y las sensaciones ante una construcción ya espectral, dominada por la ausencia. Había que verlo a El Sabalero en un teatro de Once sacudiendo la porra, vociferando catárticamente como si fuera el gemido de un león moribundo: “¿Dónde está la casa con pájaros y plantas y hermanos y veredas barullentas? ¿Dónde está mi vieja regando las cretonas? ¿Dónde está la casa encantada?”. Este recitado/canto devastador se puede escudriñar en el álbum en vivo de ese show que se editó en 1994 por el sello Orfeo. Ahí se confirman las claves de su interpretación: decidor dulce y áspero al mismo tiempo, de voz grave, subrayaba las “eses”, alargaba ciertas vocales y sabía dejar trémula a la platea. Su expresividad conscientemente desbordada limitaba con el arte dramático. Otro gran momento de su obra es Entre putas y ladrones (1991), un álbum consagrado a la poesía del argentino Higinio Mena.

Sin embargo, en muchos aspectos, El Sabalero no se parecía a lo que cantaba. Trabajaba como un literato: ficcionalizaba a partir de recuerdos o de ensoñaciones y pese a aquella noche de San Telmo, trataba de cuidar su cuerpo. Decía que la música le importaba poco: “Soy normalito, no me rompe la vida esto del canto y la música. Yo no me junto con mis amigos a hablar de armonía. Me siento más cómodo escribiendo cuentos que canciones”. Y en ese sentido, en no parecerse a la imagen estereotipada de mostrador y grapa que proyectaba, era un sibarita. Chef exquisito, soñaba con poner un restaurante en Holanda. Se le iba la vida en conseguir una especia, una raíz, para preparar cierto plato oriental; podía dar cátedra de variedades de hongos, adoraba el perfume del romero y ya veterano le apasionaba el turismo aventura. Había planificado su vejez: extenuado del largo puente Holanda-Uruguay, los últimos años de su vida los quería pasar en su “rancho” de Villa Argentina. Pero tanta baqueta minó su salud. Había tenido un par de avisos. Murió a metros del mar, entre vecinos que lo llamaban don José, chingolos y gatos silvestres, en la casa que quería. Su verdadera casa encantada.

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-6557-2010-10-25.html

Fiesta clásica

2010-10-23T14:35:00.002-03:00

Jaime Roos

23-10-2010 / El talentoso Jaime Roos llega a La Plata con banda completa (12 músicos) para compartir su Clásico, un show en el que repasa sus canciones más exitosas en 34 años de carrera discográfica. Toda una invitación al baile y a la reflexión.

Hay artistas cuyos nombres y apellidos sobrepasan esos límites que ponen las fronteras geográficas, que las exceden para transformarse en iconos de toda una cultura, en este caso y teniendo en cuenta de que se habla de Jaime Roos, su figura ilumina toda la música rioplatense. Hace menos de un año, en diciembre de 2009, el músico uruguayo llegó hasta el Teatro del Lago Anfiteatro Martín Fierro para presentar su espectáculo Hermano te estoy hablando. A ese mismo escenario regresa esta noche (a las 21) pero para mostrar Clásico, su último trabajo discográfico en el que canta "las canciones que sabemos todos". En la previa de espectáculo repasó con Plaza de Ideas los aspectos más salientes del mismo; su relación con La Plata; su paso por la fiesta del Bicentenario; la posibilidad de cambiar el mundo con una canción y recordó a su amigo José Carbajal "El Sabalero", fallecido el último jueves.

Acerca del show

Vuelvo a La Plata con un show completamente diferente al del año pasado, que se llamó Hermano te estoy hablando, un show reflexivo, hecho con un cuarteto en base a un repertorio de canciones poco conocidas por la gente pero muy importante para mí dentro de lo que han sido mis álbumes. En esta ocasión el show será opuesto al anterior ya que haré prácticamente todas las canciones que han tenido éxito de las que he escrito. El show se llama Clásico al igual que el disco que salió por el sello Sony y reúne los temas más exitosos de 34 años de discografía que tengo encima. Voy con la banda completa, somos 12 y es un show que tiene mucha fuerza, y el repertorio es el famoso: 'las canciones que sabemos todos'. La gente me lo ha pedido mucho luego de estar casi un año y medio con el show anterior. No hay ninguna canción que se repita de un show al otro, ni una sola. En este hacemos 20 o más temas pero que no tienen nada que ver con el anterior. Es un show festivo y también reflexivo, porque parte de lo que yo he querido hacer con las canciones que tienen un ritmo poderoso de candombe y de murga es que no sean frívolas sino que se pueda bailar y pensar al mismo tiempo. En definitiva ya tenemos hechos 9 conciertos en esta gira por Argentina, venimos de Comodoro Rivadavia y de dos shows en Buenos Aires, y la gente lo ha disfrutado mucho y lo ha bailado mucho también.

La ciudad de La Plata

Para mí volver a La Plata es siempre motivo de alegría, fue el primer lugar fuera de Buenos Aires donde toqué en Argentina, y ya perdí la cuentas las veces que fui y por si fuera poco me encanta tocar en ese auditorio. Es más, fui yo el que lo pidió el año pasado al productor Juancho Pasari para hacer el show ahí y este año se repite. Es un lugar que tiene una acústica buenísima y además es muy bello.
Baile y reflexión

Generalmente a lo largo de todas las épocas, la música bailable en general fue considerada de segunda categoría, con letras poco profundas, que eran simplemente una excusa para que la gente se divirtiera, la famosa "fiesta latina". Esto pasó en todas las épocas, y en todas las épocas hubo canciones bailables -las menos por supuesto-, que tuvieron letras particularmente profundas. Puedo poner como un ejemplo a la mitad del repertorio de Chico Buarque o las canciones de Rubén Blades, los dos artistas que más admiro en América Latina. Hacen mover el esqueleto a cualquiera y sin embargo la letra que está aconteciendo al mismo tiempo dice muchísimo. Y con mis canciones desde el vamos pretendí hacer eso, yo no hago letras frívolas, todas tienen su sentido: pueden ser feas o pueden ser lindas pero siempre de la dirección que comentaba.

La fiesta del Bicentenario

Ante todo fue un honor haber sido convocado en ese segmento del show junto a Pablo Milanés, Gilberto Gil y Rubén Blades, mientras que (León) Gieco era el anfitrión y yo era el quinto artista de esa barba. Rubencito, como le decimos los amigos, desgraciadamente no pudo venir por agenda y al final quedamos: Pablo, Gilberto Gil, Gieco y yo. Fue el concierto en el que toqué para la mayor cantidad de gente en mi vida entera. Se calculan que eran entre 500 y 600 mil personas las que estaban viendo el show en ese momento. Yo no podía creer lo que veían mis ojos. Toqué en el 2002 en la inauguración del Mundial de Corea, en un concierto que se hizo fuera del estadio de Seúl representando a las Américas y había 250 mil personas. Y me parecía algo inimaginable, ahora lo que vi en la 9 de Julio fue realmente ciencia ficción. Y por otro lado, el calor de la gente y el hecho de estar en el aniversario del bicentenario de la Revolución de Mayo, que no fue solamente la revolución argentina sino que fue el puntapié inicial para todas las revoluciones latinoamericanas. Cualquiera se puede imaginar que ser invitado para ese concierto fue un enorme honor.

La pérdida de El Sabalero

Con su fallecimiento la música rioplatense pierde muchísimo. Es uno de los grandes artistas de la música popular que dio el Río de La Plata. Un tigre arriba del escenario, una persona entrañable, de una gran solidaridad y bondad. En el caso mío era un amigo íntimo, con quien hicimos muchas aventuras. Tuvimos muchas en Holanda, en Francia, Argentina, Uruguay, vivimos juntos en el exilio. Varias de sus canciones son clásicos de nuestra canción popular. Para el concierto de esta noche voy a interpretar una canción de él, la que era mi favorita, no fue su más conocida pero sí era la que más me gustaba y es "Pal abrojal".

La política

Yo no hablo de política, no lo hice antes con ningún presidente ni lo voy a hacer ahora. Lo único que puedo decir como comentario completamente resumido es que el Pepe Mujica nos ha sorprendido a todos muy, pero muy gratamente. Es mucho más, mucho mejor de lo que mucha gente pensó uno o dos años atrás. Y además está secundado por ese gran economista y persona que es Danilo Astori.

Los sueños en los comienzos

No sólo cumplí alguno de mis sueños sino que cumplí sueños que nunca imaginé que iba a tener. Nunca pensé que yo iba a ser popular, mi sueño era poder hacer buena música y yo no soy quien para decirlo, pero hay mucha gente que me ha dicho que considera que le gusta lo que hago. Y la popularidad me cayó encima sin que yo la buscara, siempre pensé que iba a ser un artista para un sector reducido del público, que la gente no iba a aceptar mi vos ya que yo no soy un cantante de esos que se pueden decir cantantes, soy un cantor que interpreta las canciones que escribe. La vida artística me ha dado muchísimo más de lo que yo jamás soñé. Lo único que quería era escribir canciones, grabarlas y que quedaran ahí, y con la soberbia juvenil de que fuera buenas, nada más.

"You say you want a revolution"

Una canción nunca transformó nada pero hubo movimientos musicales que sí lo hicieron por acumulación de granitos de arena, y que lograron muchas cosas importantes en el aspecto sociológico. Los Beatles y todo lo que ellos detonaron en el movimiento musical de fines de los '60 y principios de los '70, hicieron posible que la gente hoy se ponga un arito en su oreja; que se deje el pelo como quiera; que se tatúe; que halla menos discriminaciones a nivel sexual; que los derechos de la mujer se hayan realzado; que aparecieran los partidos verdes; la ecología, si no hubiera existido toda aquella movida de los años '60 muchas de estas cosas todavía estarían en pañales. Creo que los Beatles fueron agentes revolucionarios. Pero no una canción en sí. Una canción en sí es por supuesto un granito de arena puesto que si uno le canta a determinada cosa y esa cosa pega profundo en la gente, es un granito de arena para que la gente se sensibilice hacia eso, pero cambiar en realidad no lo creo. Eso pasa por la economía, por la política, pasa por situaciones internacionales, hay muchas otras cosas en juego.

La vida sin música

No me la imagino por el sencillo motivo que tengo recuerdos a los dos años de estar cantando o ponerme a llorar por escuchar una música, y fue lo más importante que tuve en la infancia antes de empezar incluso a aprender un instrumento. Yo no podía vivir sin música y yo como niño no jugaba con la música, yo la escuchaba con cara seria.

Flavio Mogetta

Fuente:http://www.elargentino.com/nota-111425-medios-122-Fiesta-clasica.html

La UNLP sacó su arte a la calle

2010-10-23T14:31:00.001-03:00

POR EL BICENTENARIO DEL PAIS

En el marco de la 1º Bienal hubo coloridas actividades en el rectorado

Hay cosas que en la Ciudad no se ven todos los días. Por ejemplo, una original megamuestra de arte moderno montada por 700 alumnos de 1º año de la facultad de Bellas Artes. Pero miles de platenses que en la tarde-noche de ayer se acercaron al rectorado de la UNLP pudieron disfrutarla. Creatividad, color y la certeza de que detrás de cada obra había mucho trabajo, fueron los elementos y sensaciones que ganaron a los visitantes. "Arriba", tal el nombre de la puesta en escena, representó el cierre formal de la 1º Bienal de Arte que se desarrolló en la semana "La Universidad en el Bicentenario".

"La idea rectora es la liviandad, lo etéreo, la transparencia", explicó la decana de la facultad de 7 y 60, Mariel Ciafardo, mientras la gente continuaba ingresando a la sede de la UNLP hasta abarrotarla por completo. "Los chicos trabajaron más de dos meses en grupos, y ésta es su primera muestra pública", remarcó.

Los globos de helio "techaban" el patio del rectorado en tres colores, amarillo, azul y blanco, y de cada ramillete colgaba una intervención artística realizada con todo tipo de materiales imaginable. Desde pequeñas aves de cartulina que escapaban de una jaula ubicada en el suelo hasta cintas de cassettes. Por una enorme escalera de papel film, 5 cuerpos humanos -que los alumnos construyeron a la medida de los suyos- trepaban hasta el 1º piso del edificio. Estructuras hechas con vasos de plástico de múltiples colores, muñecas tradicionales pegadas a redes, botellas de plástico coloreadas con papel celofán por dentro, CDs pintados de todos los tonos posibles, estructuras de hierro... todo iba hacia "Arriba".

Una muñeca rusa miraba a un caballo de mar, mientras dos manos de goma espuma de un titiritero jugueteaban con cientos de llaves. Afuera, en los jardines, escaleras de caña, de papel, de cartón, de hierro, y en el estacionamiento, el grupo La Bomba de Tiempo hacía bailar a todos los presentes.

EXTENSION

Como si la facultad de Odontología en pleno se hubiese trasladado a plaza San Martín, ayer a la mañana sus estudiantes coparon el paseo y cerraron la Semana de la Salud Bucal con una impactante suelta de globos. Fue la cara más visible de las 200 acciones de extensión comunitaria que 2.000 jóvenes de todas las facultades realizaron en la última semana.

Por otra parte, también finalizó la Feria del Libro Universitario en el Pasaje Dardo Rocha, de la que participaron miles de estudiantes, docentes y público en general.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20101023/laciudad29.htm

Inauguración. Muestra colectiva "Cuando el corazón late"

2010-10-15T15:17:00.005-03:00

Este sábado 16 de octubre a las 20 horas inaugura la exposición "Cuando el corazón late". Muestra colectiva curada por Julieta Lamenza.

La misma podrá visitarse hasta el día 29 de octubre, de lunes a viernes de 16 a 21 horas.

La Catrina
40 nº772
La Plata, Argentina

Fuente: http://lacatrinaarte.blogspot.com/2010/10/inauguracion-cuando-el-corazon-late.html

Día Nacional de la Danza

2010-10-10T11:11:00.000-03:00

Ese día un accidente de aviación provocó la muerte de nueve bailarines pertenecientes al elenco estable del Teatro Colón. Se dirigían a la ciudad de Trelew para presentarse en el Teatro Español. Después de despegar de Aeroparque, el avión se precipitó sobre aguas del Río de la Plata, cuando intentaba regresar al aeropuerto por fallas en uno de sus motores. No hubo sobrevivientes.

La noticia conmocionó especialmente al ambiente artístico: el trágico accidente había truncado la vida de dos de los mejores bailarines argentinos y dejó incompletas muchas carreras brillantes. Norma Fontenla y Jose Neglia, las dos figuras principales del Colón que murieron, habían colaborado para que la danza llegue a niveles de popularidad insopechados.

Los demás integrantes del elenco fallecidos fueron: Antonio Zambrana, Carlos Santamarina, Carlos Schiaffino, Margarita Fernández, Martha Raspanti, Rubén Estanga y Sara Bochkovsky. Fue sin duda una de las más importantes pérdidas del mundo de la danza argentina. De hecho, durante el velatorio en el Salón Dorado del Colón, unas 3500 personas asistieron a despedir a los artistas. Esta desgracia trajo como rebote un retroceso en el nivel del ballet argentino, que perdió físicamente a sus figuras rutilantes. Además, afectó con gravedad a las familias de los bailarines desaparecidos, quienes también formaban parte del grupo que, desde el Colón, llevaba adelante este despertar del ballet a la masividad. Así, toda una generación se vio truncada por la muerte o por la angustia y hubo que esperar más de 15 años para retornar a un desarrollo de la danza como el de aquella época.

Fuente: http://www.satsaider.com.ar/

Una iniciativa para que artistas locales trasciendan la ciudad de las diagonales

2010-10-04T02:40:00.002-03:00

Una galería platense organiza una muestra anual para llevar obras de acá a distintas ciudades del país.

Poder mostrar sus trabajos es un paso clave en la carrera de cualquier artista. Aunque para cada autor sus obras tienen un significado único y particular, todos esperan que esos sentidos trasciendan y lleguen a la mayor cantidad de personas posibles, para que puedan descubrir en ellas infinidad de nuevos elementos.

Sin embargo, ese camino de hacer circular la propia producción no es nada fácil, y todas las iniciativas que con ese objetivo surjan son más que bienvenidas por todos los artistas que buscan llevar sus trabajos bien lejos.

En este contexto, apareció hace unos años la exposición 0221 La Plata se muestra, impulsada por la galería de arte local PisoUno Artediseño, y cuya cuarta edición se está llevando a cabo en este momento.

Precisamente, el objetivo que persigue es el de ayudar al crecimiento y divulgación de artistas locales a partir de una producción especial para este año del Bicentenario.

Gracias a su carácter itinerante, la muestra lleva las obras a distintas ciudades del país.
En esta edición, participan 14 artistas recibidos en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Ellos son: Cecilia Codomi, Verónica Dillon, Graciela Galarza, Graciela Grillo, Verónica Matos, Verónica Müller, Silvina Valesini, Marianela Colman, Verónica Fadón, Lucrecia Giménez, Juan Pablo Martín, Marcelo Merlo, Jimena Pezucchi y Susana Rúmolo.

Ante la consulta de Hoy, la diseñadora Cristian Ladaga, que comparte la dirección de PisoUno con Karina Cortés, contó que la idea de la muestra itinerante surgió del deseo de dar una mano a los artistas locales, teniendo en cuenta “lo mucho que les cuesta gestionar y conseguir exponer en centros culturales de otras ciudades”. En ese sentido, contó que, a diferencia de lo que sucedió los años anteriores, en que se elegía una obra de los artistas convocados para incluir en la muestra, esta vez se les entregó a todos un marco de 50 cm por 50 cm para que hagan algo relacionado con el Bicentenario, a modo de consigna.

La expo 0221 La Plata se muestra fue lanzada en agosto pasado en el Teatro Argentino, y a partir de allí siguió su camino. El mes pasado estuvo en Capital Federal, mientras que en octubre y noviembre estará en La Cumbre, Córdoba, y en diciembre en Coronel Suárez, provincia de Buenos Aires. Los destinos van cambiando año a año.

En diálogo con este medio, una de las artistas que participa de la muestra por primera vez, Verónica Fadón, contó que a principios de año se vinculó con la galería PisoUno por una muestra individual, y que a partir de allí la invitaron para este evento.

“Es muy difícil mostrar el trabajo, incluso dentro de La Plata, y ni hablar de ir a Buenos Aires u otras ciudades. Se necesita mucha plata para los traslados, y además no es fácil conseguir espacios; hay pocos lugares que se preocupan por el artista y lo dejan de ver sólo como algo comercial”, señaló Fadón, profesora de Artes Plásticas por la UNLP, y agregó que “tampoco hay un gran público interesado en el arte, más allá de los que pertenecen al ambiente”.

Difundir el marcado perfil platense

Otra de las artistas participantes de 0221 La Plata se muestra que conversaron con Hoy es Graciela Galarza. Según contó, ya formó parte de la edición 2009, y desde entonces siempre está “atenta” a las propuestas que salen de los organizadores.
“Me parece fantástica esta idea de difusión del arte, yo soy muy nuevita en mostrar lo que hago”, señaló la artista, que es profesora de Artes Plásticas, Grabado y Arte Impreso en la UNLP.

“En la Plata hay un perfil muy marcado, creo que se hace arte platense, caracterizado por tener gran libertad y considerar que cualquier material que nos rodea puede servir para hacer algo. No hay una división estricta de disciplinas”, explicó. En cuanto a la consigna, contó que el Bicentenario le vino muy bien, dado que la temática sobre la que siempre trabaja es, justamente, aniversarios y cumpleaños.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-106815-titulo-Una_iniciativa_para_que_artistas_locales_trasciendan_la_ciudad_de_las_diagonales

MaGuE CheNNA TANGO!

2010-09-02T13:07:00.001-03:00

Cantará junto a Aldo Vallejos, en guitarra y Daniel Chapet, en armónica.
Jueves 2 de septiembre.
RESTO-BAR: ENSEÑA DE LAS TRES RANAS.
Calle: Diagonal 78 entre 8 y Pza. Rocha.
Comienzo 21.30/22hs
(Podrán cenar o solo tomar algo, cómo gusten!)

Estelares repasa Ardimos, su CD bisagra

2010-08-26T12:09:00.002-03:00

En el estudio bar, calle 8 entre 41 y 42 La Plata

26-08-2010 / Esta noche, a las 23, sonarán canciones como “Moneda corriente” o “De la Hoya”

“Ardimos fue como el disco de la segunda etapa de la banda, el que abre las puertas a otra cosa, significó un cambio de vida para nosotros. Porque primero era estar acá en La Plata, año 2000 y hasta ahí llegamos con una carrera autogestionada, independiente en todo sentido, no podíamos vivir de la música y trabajábamos de otras cosas. Y estábamos tocando un piso que más abajo no podíamos ir: no teníamos compañía, habíamos editado dos discos con buenas críticas y nada más. Y teníamos un puñadito de canciones que era la mitad de Ardimos, en formato demo y salimos a buscar gente, compañías, productores y por suerte aparece Juanchi Bailerón, y se empieza a abrir una nueva etapa", comentó a Diagonales Víctor Bertamoni, guitarrista de Estelares, en referencia a ese CD bisagra en la trayectoria de la banda, disco con canciones como "Moneda corriente", "América" o "De la Hoya", canciones que estarán sonando esta noche, a las 23, en El estudio bar (8 entre 41 y 42).

La de esta noche será el tercer show de la banda en el histórico reducto de calle 8, en jueves anteriores sonaron los discos Extraño Lugar (1996) y Amantes suicidas (1998).

"Con Juanchi conseguimos grabar las canciones, una compañía que nos edite, y solventarnos artísticamente y ejecutivamente porque no teníamos un mango, así que logramos un disco en la mano, con un productor de primera al que siempre habíamos perseguido, y con el que siempre habíamos querido trabajar. Además, Andrés Calamaro canta en una canción, Gabriel Carámbula toca la guitarra, Hilda Lizarazu también canta coros, fue todo un lujo que ni nosotros nos esperábamos. El esfuerzo que le pusimos salió bien, como una coronación de todo", remarcó Bertamoni sobre aquel trabajo discográfico, si se quiere fundacional.

–¿Qué les dejaron los shows que ofrecieron en España?

–Fuimos a tocar con la productora de Loquillo a un Festival y después a Madrid en un show de los Súper Ratones en una tienda de discos. La idea es empezar a darnos a conocer, a tratar que se conozcan nuestros discos, que se pueda editar en ese país América, un compilado de nuestros últimos tres discos que acaba de aparecer, y por suerte allá hay interés por apoyarlo y distribuirlo. Así que estuvo bueno por eso dejamos las bases y estamos empezando, nada del otro mundo. Tocamos con Molotov en un festival en Pirineos que estuvo buenísimo, pero por ahora no se puede hablar de ninguna repercusión porque como que estamos empezado, y en enero volveríamos a ir a tocar en varios festivales más, para hacer algo más extenso. También nos agarró una época de crisis en España, en la que no quieren apostar medio a nada pero de todos modos nosotros pudimos ir y está la idea de hacer algo parecido en México. Ahora se lanzó el disco tributo a Los Fabulosos Cadillacs y el tema que versionamos nosotros, "El aguijón", es el corte de difusión del CD.

–Canción de la que ya se puede ver el clip en Internet.

–Sí, ya lo colgaron los de Toca discos que es el sello que edita el CD. Quedamos muy conformes con el video, con la versión que grabamos, la produjimos nosotros, nos soltamos un poco de Juanchi y nos metimos en un estudio.

–Y consiguieron que "El aguijón" suene a Estelares.

–En un principio nos parecía difícil hacer una versión de los Cadillacs porque por ahí es difícil encontrarle algún parentesco con Estelares, puede tenerlo por alguna cuestión melódica, pero tienen una búsqueda más latina incluso el tema que elegimos, pero lo pasamos para nuestro lado bastante naturalmente.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-104172-medios-122-Estelares-repasa-Ardimos-su-CD-bisagra.html

El arte de la radio

2010-08-24T10:20:00.000-03:00

Por Sergio Pujol

24-08-2010 / Para quienes el nombre de Hugo Guerrero Marthineitz suena a cosa de otro tiempo, del todo carente de referencias personales, las modestas necrológicas que en estos días nos informaron de su muerte a los 86 años nada ayudarán a situarlo en el trono que supo ganarse en la historia de los medios. Quiero compartir con los lectores de Diagonales un perfil de Hugo Guerrero. Un perfil que dibujaré no con datos de archivo, sino con los recuerdos de aquel precoz oyente de radio que fui. Dejaré de lado al Marthineitz de la televisión, así como al tardío radiofonista de la canalla Radio 10.

Lo apodaban "El Peruano Parlanchín". Si bien él trabajó como nadie, hasta la exasperación, el silencio a micrófono abierto, sus extensos monólogos eran su firma, al lado de su plástico fraseo y ese tono castizo altoperuano que también admirábamos en Pedro Aníbal Mansilla. En efecto, Hugo Guerrero era parlanchín porque hablaba largo y tendido. A veces, su deriva nos aburría un poco, pero sacábamos paciencia de nuestro apetito musical a la espera de ese disco que él, sólo él, era capaz de elegir y difundir, distinguiéndose así por varios cuerpos de todos sus colegas. En definitiva, El Peruano era un hombre de la música. Sus increíbles puestas en escena radiofónicas tenían siempre una prima dona: la música popular.

En tiempos de la payola –así se llamaba la coima con la que las grandes discográficas compraban a los programadores musicales para afianzar su lugar en el mercado–, El Peruano fue el Llanero Solitario de la buena música. Vanidoso, le gustaba describir con detalle los fracasados intentos para corromperlo: esa caja de whisky importado, aquella colección de habanos cubanos, la promesa de un contrato algo turbio. Una risa cavernosa rubricaba la anécdota.

Pero que fuera un disc-jockey insobornable no significaba que fuera un elitista. Despojado de todo prejuicio en la materia, podía demorar su entusiasmo sobre una canción baladí o sobre alguna obra maestra. Así nos enseñaba a escuchar sin tapaderas ni restricciones, buscando perlas entre la basura y vida en la letra muerta de las enciclopedias. Para El Peruano, elegir un disco suponía una apuesta estética y ética. Un acto de militancia artística, podría decirse. Muchas veces, ese acto no tenía grandes consecuencias. E incluso podía ser insufrible, como cuando se obsesionó con "Argentino hasta la muerte", horrible canción de Roberto Rimoldi Fraga. Pero en ciertas ocasiones, la elección y la tenaz difusión incidían justicieramente en el destino de canciones que llegaría a ser clásicas. Fue lo que pasó con "Balada para un loco" de Piazzolla y Ferrer.
La balada había salido segunda en el Festival de la Canción porteña de 1969, polarizando a tradicionalistas y modernistas del tango. El Peruano estuvo semanas enteras haciendo rotar el disco en su programa El show del minuto por Radio Belgrano.

Una, dos, tres veces en una misma tarde. Fue así que la voz de Amelita Baltar se nos volvió tan familiar como las de nuestras madres y hermanas. El Peruano hablaba arriba del disco, recitado sobre recitado, como un fisgón de la música que no puede contener sus ansias de intervenir. Festejaba, aprobaba y recomendaba. Tenía autoridad para hacerlo. Y así convencía, dejando que la música pudiera hacer su trabajo de seducción sin el corsé de lo que hoy tan pomposamente llamamos "la agenda mediática".

Se dirá que eran otros tiempos de la radio. Que muchos locutores eran expertos en música. Que también rondaban por allí varios maestros del micrófono. Un Antonio Carrizo, por caso. Pero Antonio era voz de tango y folclore. Imbatible en lo suyo: un erudito. El Peruano, en cambio, se paseaba lo más campante por el ancho espectro de los géneros. Iba del bolero al jazz, del tango a la música pop. De la canción de tres minutos al solo de jazz de quince.

Jugaba con la sorpresa, y siempre ganaba. Y entre tema y tema leía cuentos para niños (sus "cuentos de grillito" nos deleitaban), poemas de autores clásicos y otras amenidades de la lengua. Así como ejercía una poderosa influencia en materia de consumo musical, no es exagerado afirmar que nuestro acercamiento a la ciencia ficción de Ray Bradbury tuvo bastante que ver con las lecturas que, frente a un micrófono dominaba soberanamente, El Peruano hizo de Crónicas marcianas. Otros le adjudican la revelación de Cortázar y Borges.

Había tardes que mantenía el suspenso hasta el final: ¿con qué se iba a despachar cinco minutos antes de entregar el estudio al conductor siguiente? Después de escucharlo era difícil seguir con la radio encendida.

Su programa era extenso y dejaba a los oyentes muy plenos. ¿Para qué más? Nadie sale de un teatro para meterse en otro.

Entonces la vida continuaba en el afuera de la radio, hasta el próximo encuentro. Hasta que alguien –uno mismo– volvía a "clavar la sintonía" allí donde la radiofonía se había convertido en una de las bellas artes.

Periodista. Escritor.
Fuente: http://www.elargentino.com/Content.aspx?Id=103886

MaGuE CheNNa - TANGO

2010-08-23T19:18:00.004-03:00

Este sábado 28 de agosto se presenta:

MaGuE CheNNa- TANGO

Repertorio de tangos cantados (Entre los cuáles se presentará Tinta Roja/La última curda/Garúa/Nieblas del Riachuelo/Absurdo (vals)/Pedacito de Cielo (vals)/Yuyo verde/Etc.) Con acompañamiento de músicos en vivo.

La cita es a las 22hs.
Resto-Bar OPORTO
7 esq. 56
La Plata
Valor de la entrada $15

Pericón, zapateo y tango como una opción de estudio

2010-08-22T13:39:00.002-03:00

Escuela de Danzas Tradicionales de La Plata

La institución data de 1948, y otorga títulos oficiales de tecnicaturas y profesorados. Cada año ingresan cientos de alumnos. Funciona en una casona de plaza Rocha.

Más de sesenta años después de su fundación, la Escuela de Danzas Tradicionales Argentinas “José Hernández” acaba de estrenar una nueva carrera: Tecnicatura Superior Intérprete Coreógrafo en Tango.

La institución, que funciona en avenida 7 casi plaza Rocha y depende de la Dirección General de Cultura y Educación de la Provincia, dicta las carreras de Tecnicatura y Profesorado de Arte en Danza Folclórica, que habilitan a sus graduados para desempeñarse como docentes en todos los niveles de enseñanza.

Ahora, se suma la nombrada carrera de tango -primera en Latinoamérica-, que, sin embargo, se viene gestando desde hace mucho tiempo.

“Armé esta nueva carrera en 2002, y a partir de entonces comenzaron a inscribirse los alumnos, pero todo se fue demorando, y recién ahora, ocho años después, pudimos arrancar”, cuenta el director de la escuela, Roberto Colombo, en una charla con Hoy. Así, aunque en todos estos años llegaron a anotarse 1.200 personas, las clases empezaron la semana pasada con unos 400 alumnos.

“Muchos de los inscriptos ya se dedican a dar clases de tango, pero hasta ahora no tenían un título oficial de lo que saben hacer, por eso hay gran expectativa”, agregó Colombo, al frente de la escuela desde hace una década.

En total -sin contar a los que empezaon a estudiar tango-, los alumnos que cursan regularmente las carreras en este momento suman unos 700.

Según explicó el director, existe un primer año de formación básica común a todos los ingresantes, y luego otros tres años de la carrera propiamente dicha. No obstante, aquellos que ingresan con mayores conocimientos tienen la posibilidad de saltearse el curso introductorio si aprueban un examen nivelatorio. En tal caso, empiezan directamente a cursar el primero de los tres años de la carrera elegida.

El promedio de ingresantes a cada año lectivo ronda los 300 o 400, aunque existe cierto índice de deserción durante el primer año. “Siempre analizamos cada caso de abandono de la carrera, para detectar si hay algún problema en la enseñanza. A lo largo de los años, observamos que hay dos motivos principales: problemas económicos y falta de tiempo, porque muchos cursan también alguna carrera universitaria, y hacen esto como un estudio complementario”, señaló Colombo.
Por otro lado, los egresados son unos 40 por año.

Para entrar no se necesita saber bailar: para eso está la formación básica. El requisito es haber terminado el secundario al momento de cursar primer año, “aunque hay facilidades en los plazos de tiempo para rendir materias”, aclara.

Aunque históricamente las edades de los estudiantes fueron muy variadas, en los últimos años los ingresantes van de los 18 a los 25 años.

Consultado acerca de la movida folclórica que se vive actualmente, Colombo confesó que “nos encanta y moviliza mucho este resurgimiento de las danzas y músicas tradicionales, sobre todo entre los jóvenes, pero seguimos sintiéndonos relegados a la hora de insertarnos en el mercado”.

En ese sentido, lamentó que muchas veces el folclore sea considerado como algo del pasado, y enfatizó la necesidad de trabajar sobre la identidad para que los valores tradicionales cobren un sentido especial en la vida de todos los argentinos.

Espacio físico

El edificio de la escuela, en calle 7 entre 59 y plaza Rocha, consta de seis aulas, una biblioteca y sala de lectura, un departamento de medios audiovisuales, una sala de alumnos y profesores, y la dirección.

El lugar que ocupa es el primer piso de una casona en cuya planta baja funciona la Escuela de Estética n° 2 desde 1983. Cuando ésta encuentre un nuevo lugar, la Escuela de Danzas podrá expandirse.

Participación en congresos y eventos

Desde la Escuela de Danzas Tradicionales Argentinas participan de casi todos los eventos folclóricos que se llevan a cabo.

Precisamente ayer, su director, Roberto Colombo, partió hacia San Luis a tomar parte del Congreso Nacional de Folclore que se realiza los días 22, 23, 24 y 25 de este mes.

Por otro lado, la escuela organizará, en noviembre, el III Festival Nacional de Danza Folclórica, del que participarán destacados personajes del país y el mundo.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-99582-titulo-_Pericn_zapateo_y_tango_como_una_opcin_de_estudio

Rinden homenaje al "Kolla" Mercado

2010-08-22T02:25:00.002-03:00

EN EL PASAJE DARDO ROCHA El centro de Residentes Jujeños de La Plata recordará mañana al artista popular, recientemente fallecido

En el marco de un nuevo aniversario del Exodo Jujeño, el Centro de Residentes Jujeños de La Plata llevará a cabo mañana, a las 18.45, en el Salón Auditorio del Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, un acto conmemorando al "Kolla" Mercado; el folclorista, maestro y poeta, recientemente fallecido, que se convirtió en un referente de la cultura popular en la Ciudad.

En el acto, que contará con la presencia de destacados artistas, se harán presentes familiares y amigos, los cuales no tienen más que palabras de agradecimiento para describir su paso por esta vida.

"Como padre y amigo fue mechando poemas, música y transmitiendo su saber anónimo a su familia que hoy lo homenajea como el guía del canto, como el artista que fue alumbrándonos, con su lámpara milagrosa, el camino a seguir; señalándonos la belleza, la soledad, el amor y la muerte. Su tarea fue silenciosa, anónima y de eso se trata: su expresión folclórica surgió de la hondura, del saber colectivo popular, y por eso lo llevamos retratado en nuestro profundo afecto", aseguraron sus familiares, en un emotivo comunicado.

Nacido en Jujuy y radicado en La Plata, el José María Mercado alternó sus actividades artísticas con la docencia. Además de ejecutar instrumentos regionales estuvo relacionado con todo lo que atañe a la riqueza folclórica de la sugestiva música del altiplano y de la vida puneña.

Durante su carrera, actuó en distintos escenarios, radios, teatros, canales de televisión. Integró conjuntos folclóricos como "Los Changos de Xibi Xibi" y "Los Cumpas del Tafí", entre otros, y, en capital federal, se presentó con el Cuarteto de Cuerdas para el folclore Los Chasquis. En La Plata participó del Coro Antares como solista de charango y tuvo un programa de televisión; además de haber viajado con su canto desde Ushuaia a La Quiaca y de Punta del Este a Chile.

CAMINO AL ANDAR

Como profesor de instrumentos típicos trabajó en la Escuela de Danzas Tradicionales de Lomas de Zamora, en la Escuela de Bellas Artes Carlos Morel de Quilmes, en el Instituto Luchelli Bonadeo, en la Casa Latinoamericana y en la Escuela de Danzas Tradicionales José Hernández de La Plata, en donde ejerció hasta su muerte.

Sus composiciones, dentro de las que se encuentran bailecitos, cuecas, zambas, canciones y carnavalitos, recibieron la consagración de registros de Jaime Torres, Claudio Sosa, Máximo Puma, Juan Quinteros, Mónica Pantoja, Bruno Arias, Inti Huayra y el Dúo Gareca - Piscitelli, entre otros.

También incursionó en la producción artística y editó dos libros: Abra Pampa de Domingo Zerpa y Poesía Puneña de Diocles Urzagasti.

El "Kolla" Mercado, a pocos meses de su muerte, ya es recordado por la fructífera labor de la difusión del repertorio jujeño, mostrando a sus músicos, poetas, pintores, la tierra y sus paisajes, en cada lugar en el que se presentaba.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20100822/espectaculos15.htm

La cultura cubana hace escala en nuestra ciudad

2010-08-20T15:27:00.000-03:00

En Humanidades y en La Grieta

Un importante centro cultural de la isla nos acerca parte de su música, imágenes y demás expresiones artísticas. Tanto para los amantes de la trova como para los curiosos que no conocen de qué se trata. La oportunidad es única. Con la visita a La Plata cierran una gira por todo el país.

Están convencidos de que el sur también existe, y que está comenzando a despertar. Y la mejor manera de demostrar ese reconocimiento es “bajando” hasta aquí, en un gira que los trajo por muchas ciudades argentinas, y que termina este fin de semana en nuestra ciudad.

Bajo el nombre Nuestra voz para vos / Desde Cuba 2010, integrantes del Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau (ver recuadro aparte) llegaron desde la paradisíaca isla para concretar el intercambio cultural que tanto promueven, y brindarán lo mejor de sí esta noche, en la Facultad de Humanidades de la UNLP, y mañana, en el galpón del Grupo La Grieta, en 18 y 71.

Trova, poesía, imágenes, y música para grandes y chicos forman parte de este regalo que los hermanos cubanos nos hacen, y que ya repartieron también por otras ciudades como Mar del Plata, Santiago del Estero, Tilcara, Salta, Chaco y Córdoba, entre otras, en el marco de un recorrido que arrancó en julio pasado.

Ante la consulta de Hoy, desde La Grieta informaron acerca de las actividades que se preparan.

En primer lugar, habrá un mix de trova y fotografía, lo primero a cargo del Dúo Karma, y lo último a manos del artista Kaloián Santos.

También habrá conferencias y proyecciones sobre la joven trova cubana: sus inquietudes, espacios, miradas. Se exhibirán materiales audiovisuales sobre la obra de Kaloián Santos y el Dúo Karma. Participan en esta actividad Xochitl Galán, Fito Hernández y Jesús García.

Al evento le sigue una exposición de Fotografías y Gráfica Cubanas, muestra Cincuenta veces Cuba (Kaloián Santos), y expo de carteles En defensa de los derechos de la infancia.

Cabe mencionar que todas las presentaciones estarán acompañadas por la venta de postales artísticas, libros de Ediciones La Memoria y cds de las colecciones Palabra viva y A guitarra limpia, del Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau.

El Dúo Karma, que desde las 16.30 interpretarán La Guarandinga, música para niños, se creó en 1999, con la idea de fusionar diferentes géneros de la música y en la búsqueda de sonoridades étnicas de nuestro planeta. Con gran influencia de las músicas cubana, brasileña, latinoamericana, africana, árabe, caribeña, entre otras, sus textos abordan los más disímiles temas, y le prestan especial atención al público infantil.

Por su parte, el fotógrafo Kaloian Santos es licenciado de Periodismo por la Facultad de Comunicación de La Universidad de La Habana y graduado del curso de Fotografía del Instituto Internacional de Periodismo José Martí. Sus trabajos fotográficos y escritos periodísticos han sido publicados en Cuba, España, Canadá, Alemania, Argentina, Chile y Estados Unidos. Ha realizado varias exposiciones personales y colectivas.

Entre hoy y mañana es posible conocer lo mejor de Cuba sin movernos de la ciudad.

Un centro cultural que promueve el intercambio

El Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau es una institución cultural independiente, sin fines de lucro, que ha creado programas y espacios de difusión y debate relacionados con la memoria, la historia oral, el testimonio, las artes plásticas, el arte digital, la nueva trova cubana, el diseño gráfico, inspirados en el legado histórico y literario de Pablo de la Torriente Brau y apoyándose en las nuevas tecnologías de comunicación y creación artística.

Entre las misiones fundamentales del centro se encuentran la difusión de los valores de la cultura cubana y el apoyo a la labor de todas las generaciones activas de creadores de diversas manifestaciones artísticas, con énfasis en la obra emergente de las nuevas promociones.

Nuestra voz para vos / Desde Cuba 2010 cumple con esa vocación de intercambio que el Centro Pablo ha ejercido desde su fundación, en el año 1996, tendiendo puentes culturales de amistad y colaboración con otros países.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-99239-titulo-La_cultura_cubana_hace_escala_en_nuestra_ciudad

El beso mas icónico de la historia

2010-08-14T10:55:00.001-03:00

El beso mas iconico de la historia: el 14 de Agosto de 1945 la segunda guerra terminó y en Estados Unidos salieron a las calles a celebrarlo, esta fotografía tomada por Alfred Eisenstaedt retrató este momento histórico y marcó la historia para siempre.

Fuente: http://globbos.com/10-besos-mas-importantes-de-la-historia/

“Los recuerdos están en el aire platense, y los necesito casi como a una vitamina”

2010-08-05T21:07:00.001-03:00

PLAZA SHOW

05-08-2010 / Sergio Pángaro regresa el próximo sábado al Teatro Café Concert junto a Baccarat

“Lluvia dorada cae otra vez. / Oro en polvo Federico, yo te adoré. / Tren en Tolosa, tarde de sol, / con la sensación de no hacer nada mejor. / Las mejores fiestas se hacen acá, / las mejores risas se oyen acá, / los mejores tragos se preparan acá / y los mejores puñales se clavan acá. / Cena en Edgardo, lo más clase B. / Cabezas de jíbaros, amigos y Fernet. / Vida casting, encanto fatal, / te deseo suerte, soy pared frontal./(…) No quiero que me olvides, / rayo de luna sobre la tres. / No quiero que me olvides, / vida platense dulce y cruel”, cantaba Sergio Pángaro desde “Lluvia dorada” a mediados de los ‘90. El músico era uno de los principales animadores de aquella escena, a la que regresará el próximo sábado, a las 21.30, junto a Baccarat para ofrecer en el Teatro Café Concert (calle 43 entre 7 y 8) parte de ese repertorio que traslada al oyente por distintos lugares y escenarios del mundo. “Casi que necesito el aire de La Plata como vitamina, porque recordar los orígenes en esa ciudad es muy noble”, remarcó Pángaro durante la entrevista con Diagonales.

¿Qué particularidades tendrá el show de Baccarat del próximo sábado?

Las novedades con respecto a shows anteriores es que incorporamos músicos nuevos, con los que estuvimos tocando todo este último tiempo y preparando un repertorio con algunas canciones que teníamos reservadas para nuestro próximo disco y que se han sumado. A Baccarat entró una cantante nueva, que se llama Mercedes Monserrat que se suma a Adriana Vázquez; hay una sección de vientos –saxos y trompetas–. Y desde lo musical buscamos resolver la cuestión que había quedado un poco inconclusa y que tiene que ver con el uso de samplers, que estaba justificado de algún modo conceptualmente en los ‘90 y principios de 2000, cuando ya teníamos esta idea de acompañarnos de músicos que ya están en la historia de la música por medio del fonograma. Así que en un punto desde esa reductividad que habíamos usado, nos vimos un poco impulsados por el conocimiento a investigar un poco más otros ritmos.
Con el tiempo uno empieza a desmenuzarlos y trata de entender de que manera se hace y se va rodeando de músicos que también tienen esa idea. En este caso Leonardo Mini, que es guitarrista y fue el director de las Mil Copas y se caía de maduro que tenía que ayudarme con los arreglos, es un buen orquestador. Por otro lado, lo que hace a la base –bajo y batería–son músicos que vienen de distintas formaciones. El baterista viene del pop, es Gabriel Muscio y toca en el grupo Ahora; y del bajo se ocupa Román Tardella, que toca en una banda de ska–root que se llama Manchesta y que es bastante conocida en el ámbito de esta música, junto con Bona el saxofonista que también toca en esta banda; del saxo barítono se ocupa Alejandro Chomiks, ex integrante de la big band. Esas son de alguna manera las adquisiciones.

Eso desde lo musical, ¿y en lo que respecta a la escena?

• Con respecto a la temática como que estábamos analizando una especie de tendencia que tiene Baccarat desde las letras al menos y también en el uso de los ritmos a representar como lo extremo, por un lado los boleros que son casi acongojantes, desde la letra también, desesperados; y por el lado de los ritmos que son desenfrenados con respecto al rock & roll, al twist y el calipso, estaba como esa contraposición polar. Y dijimos bueno lo mejor es lo equilibrado, y uno toma esa expresión como lo ideal. Lo equilibrado está en relación con lo moderado o con una compensación de esos extremos. Ese vendría a ser el planteo nuestro. Estaba esa cuestión de si ese equilibrio puede ser polar o si uno debía enfrascarse en distintos elementos que hacen un equilibro y no solamente a dos. Si es el eros y thanatos, esa situación de amor–odio, eso que decía Demócrito entorno a ‘lo que hace conformar algo o desintegrarlo’. Y vamos a ver si aparece un tercer o cuarto elemento que pueda equilibrar esa situación o no, si solo hay que amoldarse a estos dos polos.

Mencionó que en el horizonte cercano hay un nuevo disco, ¿qué puede contarnos de él?

• El repertorio está más que cerrado porque en realidad hay como 20 canciones posibles y se siguen sumando. Por una especie de orden, por las actividades que tenemos seguramente va a salir en marzo del próximo año. Y antes de fin de año lo que queremos es mostrar un anticipo con unos clips, con unas imágenes y canciones. Una especie de anticipo de lo que va a ser la próxima producción.
Hace un rato cuando habló de los samplers remitió esa utilización a los años’90, una década que lo tuvo como uno de los protagonistas de lo que fue la escena en La Plata. Cuando regresa a la ciudad para actuar, ¿se le suelen presentar recuerdos como aquellas noches en el Tinto Bar?
Sí, totalmente. A parte porque está en el aire, en el aire de La Plata. Y en realidad es como que lo necesito casi como una especie de vitamina, porque el recordar los orígenes de La Plata es muy noble, en el sentido en que la ciudad genera como una alternativa por decirlo, como una particular visión de lo que es la expresión escénica. Siempre están apareciendo artistas que sorprenden con su propuesta, y La Plata en todas las épocas fue especial, no te voy a decir que daba clases pero sí es como una zona sanamente aislada a influencias textuales de afuera, de Estados Unidos o Inglaterra. Como lo es Buenos Aires que es más permeable a estos influjos incluso de la moda. En cambio La Plata es como que traza su propio itinerario, como esas grandes metrópolis culturales que en otros países si equilibran y en el caso de Argentina como que parece que centraliza Buenos Aires. La Plata tiene eso, es muy particular.

En los últimos tiempos también pasó por el cine y sorprendió a muchos con su participación en el film El artista de Mariano Cohen y Gastón Duprat.

• Yo también me sorprendí de poder participar de un evento como es el rodaje cinematográfico y la verdad que me sirvió para aprender bastante en lo que tiene que ver con el mecanismo del trabajo grupal y lo que es relajarse con respecto a otras áereas y en relación a lo que uno tiene que hacer, y eso también me sirvió para estar en ese momento en lo que uno está haciendo. Si uno está componiendo la letra o la música, o si está pensando en el vestuario, entonces más allá de que hay compartimientos que conforman una unidad. Hay un momento en que esa particularidad que conforma el conjunto, es una totalidad en sí. Por suerte me han invitado a participar en dos proyectos de cine, así que este año tengo dos trabajos. Y eso también por lo que vos decías, a partir de ver esta película, que además es fascinante en torno a todo lo que tiene que ver con el guión, el tema que trata: el arte y su trastienda.

El artista incluyó casi toda una selección de creadores que llegaron desde distintas ramas del arte.

• Sí y lo paradójico es que son cerebros en lo suyo. Está Folgwill; Laiseca; Horacio González, el director de la Biblioteca Nacional, y León Ferrari. Y que estén haciendo una escena de enfermos de un neuropsiquiátrico, está buenísimo. Además fue grandioso contar con ellos en el set, verlos juntos. Uno quisiera poder compartir con ellos más tiempo porque cada vez que hablan y dicen algo uno se queda consternado de la sabiduría que destilan.

También es conocida su aflicción por la literatura. ¿Está escribiendo algo? ¿Qué está leyendo?

• Bueno en realidad como que estoy consultando. Como dijiste estoy leyendo más que escribiendo, si uno considera que la literatura no es la parte de las letras de las canciones, sino que requiere un tratamiento cuidadoso e independiente. Uno puede aplicar literatura incluso en las artes plásticas, pero en lo que respecta a la literatura en sí, a aquella que se sostiene a sí misma, la verdad que hace años que no me siento alegre de poder dedicarme a ello, como que me absorbió la música y el texto dentro del género canción. Y en este caso también el entusiasmo de actuar hizo que de alguna manera no me de el tiempo para sentarme a escribir. Por mi experiencia personal cuando me satisfizo algo que escribí era porque en realidad estaba abocando mi vida en ese momento a ese acto. Será que necesito un momento así para producir. Pero estor disfrutando muchísimo de la literatura, en estos casos siempre tengo a mi lado textos sufíes, zen, del tao, y por otro lado también como ejercicio literario estuve viendo una colección que salió en un diario, no recuerdo cual, y que es una colección bilingüe, pequeños libres, y me encontré con algunas cosas magníficas, como un texto de Oscar Wilde que no conocía, con una especie de argumento policial al estilo Agatha Christie y que es El Crimen de Lord Arthur Saville, entre
otros títulos interesantes.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-101536-medios-122-Los-recuerdos-estan-en-el-aire-platense-y-los-necesito-casi-como-a-una-vitamina.html

Una recorrida por el imponente palacio de la música

2010-08-05T21:01:00.002-03:00

Educación musical

En el Conservatorio Gilardo Gilardi se puede aprender dieciocho instrumentos, y también cursar el profesorado o la tecnicatura en Música

El edificio es imponente, así como el enorme jardín que lo rodea. Con pintoresco ladrillo a la vista y techos de teja en color bordó, el histórico Palacio Servente alberga desde 2003 al Conservatorio Gilardo Gilardi, institución educativa terciaria, dependiente de la dirección de Educación Artística de la provincia de Buenos Aires.

Allí se puede aprender a tocar cada uno de los instrumentos que componen una orquesta, que en total suman 18, y también se pueden continuar los estudios para obtener el título de profesor (de Música o de algún instrumento), o tecnicatura en Capacitación Instrumental.

Cabe mencionar que los títulos que se expiden son oficiales y con validez nacional.

En diálogo con Hoy, la directora del Conservatorio desde 2007, Diana Di Giácomo, contó que las carreras que más alumnos tienen son piano y guitarra, fundamentalmente, aunque de cerca le siguen violín, saxo y percusión.

En cuanto al número total de estudiantes que actualmente están cursando, precisó que son unos 1.450, desde los más pequeños, teniendo en cuenta que al Conservatorio se puede ingresar a partir de los 9 años. En ese sentido, señaló que “cada año hay una gran demanda de ingresantes”, que suman unos mil por temporada, al tiempo que la cantidad aproximada de graduados ronda los 50, según detalló.

Cabe explicar que la formación básica, es decir, el estudio de un instrumento desde cero hasta que se aprende a tocarlo perfectamente, demanda unos 6 años en el caso de los niños, y entre 3 y 4 en los adultos, “siempre dependiendo del esfuerzo que cada persona le dedique”, aclara Di Giácomo. Por su parte, los profesorados duran exactamente 4 años de cursada.

“Una cosa importante en el Conservatorio es que los chicos pueden integrar algunas de las agrupaciones que funcionan”, explicó la directora, en referencia a las orquestas (una de coros y una de vientos), el coro de niños y el de adultos, y los diferentes conjuntos de cámara que hay. El Conservatorio funciona en el palacio desde 2003 y, por más grande que es, siempre faltan espacios.

“Es que, como un servicio extra, se les prestan aulas e instrumentos a los ingresantes para que ensayen acá mismo”, explicó.

Consultada acerca de la salida laboral de las carreras de Música en general, Di Giácomo explicó que gran parte de los egresados se dedica a la docencia, mientras que otro tanto encuentra lugar en las distintas bandas sinfónicas, orquestas, y conjuntos de cámara que funcionan tanto en nuestra ciudad como en Capital Federal.

Di Giácomo recordó que muchos integrantes de la Orquesta del Teatro Argentino han pasado por el Conservatorio, así como Dante Anzolini, que fue hasta hace poco tiempo el director de la nombrada orquesta, y también Ezequel Menéndez, un organista famoso que hoy reside en Estados Unidos.

Para terminar, Di Giácomo recordó que en octubre próximo se abre la preinscripción a todas las carreras, a partir de los 9 años de edad.

En el Conservatorio

Después de mucho tiempo, estrenan piano nuevo

Después de muchos años de no comprar un piano, finalmente la cooperadora del Conservatorio Gilardo Gilardi consiguió un Hailun, que fue entregado ayer por la tarde y generó mucha expectativa en la institución.

Cabe destacar que la adquisición fue posible gracias al aporte de un reconocido afinador y restaurador de pianos de la ciudad, Marco Naya.

Ante la consulta de ese diario, Naya comentó que se entregó un piano nuevo por el valor de uno usado.

Marco Naya tiene una rica trayectoria: ha prestado desde el año 1993 asistencia en concierto, afinación, registración y mantenimiento de los pianos de importantes instuciones, tales como el Teatro Argentino y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, y la Escuela Provincial de Danzas Clásicas que existe en nuestra ciudad.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-96752-titulo-Una_recorrida_por_el_imponente_palacio_de_la_msica

Taller de Entrenamiento Actoral en La Plata

2010-08-04T21:44:00.003-03:00

TALLER DE ENTRENAMIENTO ACTORAL en La Plata.

por Cecilia Blanco y Toni Ruiz

Días: miércoles

Horario: 18 a 20 hs

Lugar: Espacio 44

Dirección: calle 44 N 496 (entre 4 y 5)

Duración: cuatrimestral

Inicio: 18 de Agosto

Fin: 15 de Diciembre

Arancel: $150/mes

Información e inscripciones:

Tel.: 15 63 53 25 16 (Toni)

Mail: cecilia_m_b@yahoo.com / toni_ ruiz1975@yahoo.es

El Taller se propone abordar la actuación desde su capacidad ficcional singular y autónoma. Por ello, durante su desarrollo, se introducirá al actor en el entrenamiento y abordaje de herramientas que le permitan:

* Desarrollar conciencia dinámica y expresiva en su trabajo de actuación.
* Indagar en la creación de un gesto actoral que supere la representación, genere materialidad escénica y, por ende, relato dramático.
* Explotar su campo imaginario como generador de sentido y productor de asociación visual y sonora.
* Investigar sobre la captura, desarrollo y repetición de secuencias de actuación como un modo de acercamiento al proceso creador.

Cecilia Blanco:

Como actriz se formó principalmente con Alejandro Catalán y realizó también seminarios con Ricardo Bartis, Mariana Oberstein y Sergio D'Angelo, entre otros. Se entrenó básicamente en la técnica en danza contemporánea y en contact.

En el 2004 actuó en la obra "Sirenas", bajo la dirección de Percy Gimenez. En el 2007 actuó en "Dos Minas", dirigida por Alejandro Catalán, y tuvo a su cargo la dirección de actores de la obra "Liquidación", con dramaturgia y dirección general de Alexis Cesan. En el 2008 estrenó "124", obra de creación colectiva junto a Fernando Tur, Javier Drolas y Agustín Repetto, actuó en "Mi joven idiota corazón", bajo la dirección de Gonzalo Martínez, y participó como actriz y productora en la película "Ramanegra", escrita y dirigida por Camila Toker. En el 2009 reestrena "124" y actúa en "La mente en blanco", escrita y dirigida por Juan Barberini. En el área docente dicta seminarios de actuación en el Estudio de Alejandro Catalán.

Toni Ruiz:

En Madrid inició su carrera de como actor en la Compañía Zurdos Contrariados, realizando obras de autores clásicos como Calderón de la Barca , Lope de Vega y Valle-Inclán. Durante este período también se formó con Agustín Belusci, Alicia Hermida y Jaime Losada, ente otros. En julio de 2003, se traslada a Buenos Aires donde trabaja como actor con los directores Alejandro Catalán (solos y amar), Raquel Sokolowicz (para Luisa), Eduardo Pérez Winter (42 cm), María Ucedo y Mayra Bonard (el juego del elástico), Guillermo Ghio (dos exiliados y cuando los paisajes de Cartier-Bersson) y Juan Carlos Rivera (metangomorfosis), además de trabajar como intérprete para cine, publicidad y TV. Hoy, además, se desempeña como docente del Estudio de Alejandro Catalán y en Espacio 44 ( La Plata ) y como codirector del Teatro Silencio de Negras.

Teatro para jóvenes y adultos

2010-08-04T21:26:00.002-03:00

Prepotencia de trabajo

2010-08-04T19:08:00.001-03:00

04/08/10 - A punto de estrenar nueva sala y un nuevo espectáculo. También dirigirá una obra de Gorostiza.

Por Camilo Sánchez

No concibo mi vida sin el trabajo. Creo que si tuviera que dejar de trabajar me muero.

La sala El duende tuvo que cambiar de espacio. Allí enseñé y ofrecí obras durante cuarenta años. Estoy a punto de estrenar, en el nuevo lugar, un espectáculo: dos obras cortas, El largo adiós de Tennessee Williams y Voces de familia de Harold Pinter. Dos textos que se conjugan muy bien: tratan el mismo tema, pero son opuestos desde el punto de vista escénico. Y eso es lo atractivo: en el contraste, lograr una unidad. Las obras aluden a la desintegración familiar y no hay intervalo: encontré la manera de unirlas. La unión forma parte del espectáculo.

Gorostiza, mire usted, con noventa años, ha escrito una nueva obra. Me llamó por teléfono y me pidió que la dirija yo: para mí, es un honor. La leí y me encantó la pieza: la vamos a hacer en enero. Con Daniel Fanego, Emilia Mazer y una actriz que estamos buscando. Será en algún teatro de la avenida Corrientes y se va a llamar Vuelo a Capistrano. Gorostiza tiene, para cada una de sus obras, una estructura muy precisa; y un lenguaje específico para cada personaje de esa obra. Nunca suena mal el texto que pone en boca de un protagonista. Tiene un oído especial. La obra tiene un bello mensaje, muy vital.

Hay mucha gente que mantuvo y mantiene el fuego: Lidya Lamaison con sus 95, Bonet con sus noventa y pico, Duilio Marzio, Alfredo, que tiene sus años, no? Alicia Berdaxagar, Hilda Bernard. Grandes que siguen trabajando.

El director tiene que ponerse en contacto con el pensamiento del autor. Si uno logra la comunión con la idea de la pieza, todas las demás ideas van a surgir de ahí. Todo lo que suma el director tiene que estar para rescatar la idea básica del autor: hay que servir a eso.

Hago lo que me gusta. Siempre fue un principio para mí. He dicho más veces que no. Tengo el sí difícil. Generalmente, propongo yo.
La enseñanza y la dirección son dos oficios distintos. El terreno común es el trabajo sobre el actor. Construir un espectáculo es tomar una obra y ponerse al servicio de ese material, imaginar a partir de él. Otra cosa es trabajar con un alumno en donde uno tiene que hacer todo lo contrario: dejar que se exprese, que se descubra a sí mismo en un escenario. En una puesta en escena hay que imponer cosas. Pero en las clases es diferentes: hay que dejar crecer.

Un director es un administrador del tiempo. El trabajo en una puesta de escena tiene una fecha determinada, hay un término para cumplir.

Cuando el espectáculo está en marcha ya está en manos del actor, no hay manera de corregir nada de lo esencial.

Pasa a veces. Hay veces en que uno llega a un proceso de estreno con una obra y se da cuenta que no es lo que quería hacer. Eso tiene el teatro.

Yo soy así. No tengo urgencias.

La vida es más azarosa, más de sinvergüenzas. Empiezan a jugarse otros factores y otros intereses. El arte es otra cosa.

El actor debe confiar en el director. Lo que él diga, nunca es para perjudicarlo, sino para que brille. La confianza es todo.

Los pájaros, las plantas, todos los animales, tienen muy claras sus funciones. Todo es más directo. Nosotros somos un bicho raro. Somos bichos complejos.

Me interesan especialmente aquellos artistas que verdaderamente son seres humanos preocupados no sólo por su trabajo: Barenboim, ejemplo maravilloso. La actriz Vanesa Redgrave, una persona que tomó posiciones muy abiertas respecto a lo que pasaba en el mundo. Ahora me enteré que Sean Penn, para ayudar, se ha ido a Haití y antes estuvo en Nueva Orleáns, cuando sucedieron las inundaciones. Esos seres humanos tienen valor excepcional.

Ricardo Darín me parece uno de nuestros mejores actores: yo le creo todo lo que hace.

Leo mucho. Mi cuarto ocupa la superficie de esta casa, arriba, en el primer piso: es grande y todas las paredes están llenas de bibliotecas. Duermo entre libros.

¿Quién es?

Maestro de actores y director teatral. Discípulo de Hedy Crilla, con quien se formó. Algunos de los autores que llevó a escena: Valle Inclán, Joe Orton, De Cecco, Arthur Miller, Mauricio Kartún, Chéjov, entre muchos otros. Dirigió durante los años ‘70 unitarios para televisión. En 1966 comenzó a trabajar como docente. Fue profesor, vicerrector y rector en la Escuela de Arte Dramático. Dictó cursos en España, Colombia y Perú, entre otros países. Fue asesor del Cervantes y del San Martín. Estrenará dos obras cortas de Tennessee Williams y Harold Pinter en la nueva sala El duende.

http://www.clarin.com/espectaculos/teatro/Prepotencia-trabajo_0_310769094.html

Muestra del taller de objetos en La Grieta

2010-08-03T20:10:00.000-03:00

"Tatuaje", de Alfredo Arias en el Alvear

2010-08-03T19:12:00.000-03:00

Lo que el tren se llevó

2010-08-01T12:23:00.000-03:00

El ex Ferrocarril Provincial unía pueblos bonaerenses que apostaban al progreso y que hoy apenas sobreviven. Las viejas estaciones -muchas derruidas y algunas rescatadas del olvido- perduran como ambiguo símbolo de una historia de esplendor y de ocaso

Desde la estación platense Meridiano V -17 y 71- hasta 300 kilómetros hacia el centro este de nuestra provincia se asoma la trocha angosta del Ferrocarril Provincial, el que llegaba a Azul, a Olavarría y, con un desvío en Beguerie, a Mirapampa, en el límite con La Pampa. Algunas de las viejas vías quedaron enterradas, otras fueron levantadas y las que cada tanto salpican la traza se adivinan bajo espesos pastizales. Esas frías barras metálicas y los durmientes que zafaron, por milagro, de la tentación ajena, son el testimonio de una época en la que un largo cordón de pequeños pueblos apostó al futuro. Con la desaparición del legendario servicio -que este año hubiera cumplido el siglo de inaugurado- se derrocharon cientos de fuentes de trabajo y se apagaron las ansias de crecimiento de una veintena de comunidades.

Después de cincuenta años del ir y venir de un tren con pasajeros y con materia prima e industrializada que le imprimía un ritmo particular al mercado de una vasta región, sobre el final de los ´60 una política de Estado decidió borrar esos ramales del mapa bonaerense. Un poco antes, con el cierre del servicio de pasajeros -1961- la desactivación definitiva ya había mostrado sus señales.

El extenso terraplén que marca la antigua ruta férrea con destino final en Azul y en Olavarría es una guía que nos lleva a los pueblos donde alguna vez funcionó una estación. Alineados a un costado del asfalto, a unos pocos kilómetros de transitados corredores viales y perdidos entre la polvareda o el barro -según los días- de precarios caminos de tierra, se dispersan poblados que si no murieron, agonizan. Con sus escasos habitantes aferrados al lugar que los vio crecer, en esa planicie verde profundo, los vecinos no reniegan de la escasez de medios ni de una rutina que no ofrece más que emplearse como peón en una estancia, atender un pequeño comercio, ir al baile del club los sábados a la noche o, los más chicos, cumplir con la educación primaria.

Etcheverry, Obligado, Samborombón, Loma Verde, Udaondo, Goyeneche, Berra, Los Eucaliptus, Funke, Beguerie, Larre, La Reforma, Blaquier, El Trigo, Estrugamou, Velloso, Covello, Campodónico y Ariel. Algunas estaciones se convirtieron en centros comunales o educativos, o en el hogar de la viuda de un ferroviario que mantiene la construcción intacta, con el clásico mobiliario de los tiempos en que los pasajeros acudían al lugar para subirse al tren. El resto fueron absorbidas por la actividad rural que las pasó por encima, se ocuparon con intrusos que las hicieron suyas y, quizás por miedo, evitan que se acerque la gente interesada en ese pasado o, castigadas por el deterioro de un tiempo que las ignoró, son ruinas. Es muy poco lo que se preserva de aquella arquitectura ferroviaria.

ETCHEVERRY AYER

El primero de los pueblos saliendo desde la ex Estación Provincial de La Plata -hoy remozado centro cultural que rescata con diversas actividades la memoria del viejo ferrocarril- es Angel Etcheverry. Muy cerca del casco urbano de la capital provincial, la localidad platense, fundada hace una centuria justamente con la llegada del primer tren, no perdió del todo la esencia de aquellos días de la primera mitad del siglo pasado.

A la estación, devenida en sede de la delegación municipal, no llega desde hace cuarenta años la esperada formación cargada de ganado, tambores de leche e insumos agrícolas que se comercializaban en la zona; no suena el silbato que marcaba rigurosamente la hora para los vecinos. Tampoco llegan desde lejanos lugares los jóvenes que se instalaban en el pueblo porque el lugar era tierra que prometía progreso. Lo que permanece de aquellos días es el relato, contado en primera persona, de algunos paisanos que entregaron parte de su vida al tren.

Con 53 años en Etcheverry, 25 de labor controlando el estado de las vías, a la intemperie y sin esquivarle al frío o la lluvia torrencial, Angel Acosta habla con nostalgia de las ruidosas locomotoras que se detenían puntuales en la estación. "Entré en los ferrocarriles el 7 de julio de 1956 -recuerda con memoria fiel-. Me ocupé del mantenimiento de los rieles primero, después estuve 10 años en los talleres de Los Hornos, y a los 57 años, sin ya nada que hacer, me jubilé". La desaparición del tren fue progresiva. Primero dejó de pasar el de pasajeros; después se canceló el carguero. "De un día para el otro no vimos más ninguno", cuenta el hombre con una resignación asumida ya hace mucho tiempo.

Cincuenta años atrás, la zona era básicamente ganadera. Se criaban vacas y se producían leche y sus derivados. A pocos metros de la estación, hoy un descampado, estaba la "feria", una suerte de mercado de Liniers local que se llenaba de hacienda los días fijados para la llegada del ferrocarril.

Cuando Eledonio Enciso, oriundo de una provincia del norte argentino, se instaló en Etcheverry, todavía pasaba el carguero. El buscaba, sobre los finales de la década del 50, "una vida mejor". Era, por entonces, un pibe: "alcancé a agarrar la última parte de la historia; después laburé en las quintas; y ahora hago cualquier cosa, lo que salga, albañil, changas".

La línea férrea sigue y entre pueblo y pueblo se repite como un sinfín el mismo paisaje. Los chicos, de guardapolvo blanco, recién salidos de la escuela, corren y se empujan sobre los rieles oxidados. No hay peligro, porque el tren, se sabe, no va a pasar. Las vacas pastan a centímetros de las vías, también sin riesgos. Y en el medio de una soledad que parece infinita algún hombre mayor, jubilado hace años, gasta el tiempo conversando con un vecino.

En Obligado, la ex estación es un prolijo centro educativo -el CEPT N° 18-. Y para la gente del paraje del municipio de Brandsen, el reciclado edilicio ha servido a un fin comunitario. "Por lo menos -destaca un paisano- lo utilizan para algo útil". A no ser por las estaciones, ya casi no existen elementos vinculados a la vida del ramal del Provincial, pero en Obligado quedan vestigios del antiguo ferrocarril. El tanque de agua que alimentaba el sistema a vapor de la máquina, un molino, y el galpón de acopio de cereales conviven con unas pocas y viejas casas.
"ERA UNA FIESTA"

Pasando Samborombón, donde el terraplén está dentro de un campo privado y lo que era la estación se usa como vivienda familiar, se llega, después de unos kilómetros de tierra, a Loma Verde, un pueblo del partido de General Paz -con cabecera en Ranchos- que sobrevive a la época de gloria en que la vida de sus habitantes -hoy no más de mil- giraba en torno al servicio ferroviario.

Aunque también en este caso la ex estación sirve a buenos propósitos (un jardín de infantes y un polideportivo municipal) los que viven en Loma Verde añoran el tren. "Cuando llegaba venía gente de todos lados y los de acá hacían cargar la hacienda, la leche y los quesos que elaboraban para venderlos en las grandes ciudades. Era una fiesta", evoca Mario Debaño, al frente del club Los Merinos, un bar donde los sábados hay bailes familiares y en las tardes las mujeres juegan al chinchón y los hombres al truco o al mus mientras toman caña o ginebra. No se quejan del aislamiento. "Acá hay agua corriente, gas natural y hasta colegio secundario", destaca orgulloso el pulpero del pueblo.

Mimí González, de 82 años, mantiene impecable la estación Gobernador Udaondo, en el partido de Cañuelas. Tan como en los viejos tiempos se presenta el lugar que los fines de semana es la atracción turística de la zona. Cuando su marido, Roberto González, jefe de la estación, la compró al ferrocarril que la estaba desactivando, se convirtió en el hogar de la familia. Ella, viuda hace años y con hijos y nietos crecidos, conserva como si fueran valiosas joyas la boletería, el viejo telégrafo, el maletero, los carteles originales y hasta la campana, que retira y coloca según aparecen los visitantes por miedo a que alguien se la lleve.

A Goyeneche -San Miguel del Monte- ni siquiera se puede acceder. Una tranquera cerrada con candado impide continuar por el camino que llevaría a la estación. Y la de Francisco Berra -en el mismo distrito comunal-, está ocupada por un grupo familiar. El paraje es un símbolo de estos pueblos olvidados: hay un jardín de infantes con cinco alumnos, una escuela primaria con veinte chicos, varios criaderos de pollos y el olor insoportable al que se ha ido acostumbrando la gente, el de los extendidos y rendidores feedlots.

Lo que continúa hacia Azul es la postal del olvido. Carlos Beguerie, Santiago Larre, La Reforma, J. Blaquier, El Trigo, Estrugamou (Velloso, con la ex estación funcionando como jardín de infantes es la excepción), Covello, Pascual Campodónico y Ariel son restos de la época del apogeo.

UN PUEBLO ARRASADO

Emblema del desarraigo, Beguerie es el pueblo que más representa el ocaso del esplendor. Con trescientos habitantes, a 27 kilómetros de Roque Pérez, la cabecera del partido, el tren parece haberse llevado todo del pequeño centro urbano fundado el 4 de agosto de 1912, a poco que haberse habilitado el ramal que allí se transformaba en empalme hacia Azul, Olavarría y Mirapampa y dónde no sólo había una estación de intenso movimiento sino también un taller de reparaciones de máquinas y vagones.

Donde había un cine, tres bares, un hotel, Registro Civil y numerosos comercios sólo quedan una planta metalúrgica que emplea a 20 trabajadores, una fábrica de cemento con 10 operarios y un predio donde se cumple con la vacunación de los pollos de las granjas, la actividad agrícola que más se ha desarrollado.

Verónica Rossi, de 24 años, repite la historia mil veces contada por sus mayores. La joven es empleada de la Cooperativa Eléctrica "Antonio Carboni", conocida por los vecinos como "la CEAC", donde se cobra la factura de luz, el servicio de TV por cable y las 25 conexiones a internet que existen en el pueblo. "Dicen que en Beguerie había de todo, hasta médico; ahora viene un médico de Roque Pérez que atiende dos veces por semana en la sala de primeros auxilios. Acá, cuando dejó de llegar el tren, mucha gente se fue y no volvió más", dice y basta con recorrer la diminuta localidad para confirmarlo: hay una enorme cantidad de casas abandonadas, muy antiguas algunas y un poco más modernas otras, pero todas a punto de venirse abajo.

Adalberto Loggia, dueño del único almacén de El Trigo -partido de Las Flores- no puede sintetizar mejor el presente de esos pueblos: "cuando dejó de venir el tren, todo esto se murió".

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20100725/revistadomingo0.htm

“Improvisar me permite apropiarme de ciertas señales y usarlas a mi favor”

2010-08-01T02:59:00.002-03:00

Verónica Pastuszuk, dibujante

31-07-2010 / Parte de sus trabajos ilustran el flamante CD Supendida, de Fer López Camelo

En un comienzo, los personajes se asomaron tímidamente, en blanco y negro acompañados de palabras. En dos años, se despojaron de texto y quedaron sumidos en las tempestades dando testimonio solos con su propio cuerpo. En los dibujos de la platense Verónica Pastuszuk, los personajes no se explican sino que montan una escena que habla por ellos.

Pastuszuk explicó que cuando dibuja “es como alejarse un rato del planeta y ver que pasa. Tengo muchos temas, pero los recurrentes son esos espacios infinitos: el cielo, la ciudad, el mar, habitados por gente en miniatura haciendo de las suyas”. Frente a esto, el espectador tiene la sensación de asomarse al mundo de estos personajes.

La relación con estos seres nace casi al mismo tiempo que la vocación por el dibujo. Aunque como aclara esta artista: “Siendo dibujar lo primero que aprendemos, se vuelve también lo primero que abandonamos. En mi caso, lo dejé de lado hasta la adolescencia. Empecé haciendo unas historietas muy pequeñas, cuadritos de 4 por 4 que llenaba minuciosamente de unos seres en miniatura que pensaban y decían bastantes cosas. Son los mismos de ahora, sólo que los he liberado de la cápsula y cuentan más de lo que dicen”.

Durante un tiempo, la vocación por el dibujo se camufló en la arquitectura, carrera que estudió y desempeña. Según Pastuszuk el ejercicio de esta profesión: “Me ha dado cierta familiaridad con el papel en blanco, con los lápices, horas de tablero. Alguien dijo que la arquitectura es el arte de dibujar lo materialmente posible de construir y el dibujo te saca esa presión, te permite construir mundos ideales, donde los hombres vuelan, se rompen y vuelven a volar. Hace unos años rescaté mi cuaderno de primer grado y en una tarea nos preguntaban que queríamos ser de grandes, yo escribí: pintora de cuadros. Ya soy bastante grande y de todas las cosas que he hecho esto es lo que más alegría me da. Creo que la niña tenía mucha razón”.

A pesar de la familiaridad con la hoja en blanco, la relación con la exposición llevó mucho más tiempo. Pastuszuk recién comenzó a mostrar sus trabajos en el 2008 a partir del blog dibujada.blogspot.com. “Definitivamente mi relación con el mostrar y mi organización nació a partir del combo escáner y blog”.

“A partir de que lo armé cuelgo los trabajos, se ordenan por fecha, por tema y tengo una idea más global de lo que voy haciendo. Además de exponerlos a la mirada y los comentarios de los otros porque antes de eso había mostrado muy poco, los dibujos terminaban muy bien guardados en una caja o perdidos en alguna mudanza”.

Lejos de quedar olvidados, el año pasado los personajes pasaron del mundo virtual al Galpón de Equipajes y Encomiendas, en el barrio de Meridiano V, cuando invitada por Esteban Rodríguez para participar de la presentación de su libro Por los caminos del rock, preparó una proyección con sus trabajos. Sobre aquella experiencia recordó la artista: “Fue muy groso acompañar a Esteban. Recuerdo que me pasó el archivo del libro por mail y lo leí esa misma noche, me atraparon esos cruces entre leyenda y realidad con los que hemos crecido. Me llenó de imágenes y recuerdos, fue altamente inspirador. El rock es el camino, algo así como el lado salvaje de todas las generaciones. Es desobediencia, la rebeldía necesaria para sobrevivir en este mundo”.

Este año la experiencia de colaborar con el proyecto de otro, se repitió con la edición del disco Suspendida de Fer López Camelo recientemente presentado donde colaboró con el arte. La cantante le propuso plasmar sobre el papel lo que sus letras cuentan y producto de este cruce nació una serie de dibujos donde una mujer flota por mundos caóticos colgada de la luna. Según Verónica "cuando trabajás para otro está el tiempo como límite, hay que ponerse más metódico para cumplir con las fechas y los formatos. Pero el resto es igual, he tenido la suerte de trabajar con total libertad."

Según Pastuszuk, sus laburos son producto del azar: “Dibujo directamente en tinta sin una idea previa demasiado clara. Improvisar me permite apropiarme de ciertas señales y usarlas a mí favor, una mancha casual me abre la puerta para a seguir el juego por un carril menos pensado y sorprenderme”.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-100935-medios-122-Improvisar-me-permite-apropiarme-de-ciertas-senales-y-usarlas-a-mi-favor.html

Teatroxlaidentidad 2010

2010-07-29T14:07:00.001-03:00

El ciclo Teatroxlaidentidad cumple 10 años.

Este viernes iniciará sus presentaciones, en el Teatro Nacional Cervantes, el ya tradicional espacio de Teatroxlaidentidad, creado para apoyar la tarea de las Abuelas de Plaza de Mayo en la búsqueda de sus nietos.

Este viernes iniciará sus presentaciones el ya tradicional espacio de Teatroxlaidentidad, creado para apoyar la tarea de las Abuelas de Plaza de Mayo en la búsqueda de sus nietos y como una manifestación cierta de la cultura hacia el compromiso social.

La jornada de apertura se llevará a cabo en la Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes el viernes 30 de julio a las 21 horas, en donde se realizará un show que por supuesto contará con la presencia de las abuelas, además de otras atracciones artísticas.

Esta primera parte de Teatroxlaidentidad finalizará el 15 de agosto, pero por ser los 10 años del ciclo, se continuará durante septiembre, todos los lunes del mes, con espectáculos en teatros como el Metropolitan, Multiteatro, Apolo, Del Pueblo, La Comedia, Centro Cultural de la Cooperación, Maipo, entre otros, y cerrará con una gran fiesta el 23 de octubre en la Ciudad Cultural Konex.

El ingreso del público es como siempre con entrada libre y gratuita.

Grilla de programación

Viernes 30 de julio – Lanzamiento, con la conducción de Georgina Barbarossa, Osqui Guzmán, Andy Kusnetzoff y Marley, más la presencia de las Abuelas de Plaza de Mayo y artistas invitados como, Omar Calicchio, Noralíh Gago y Vanesa Butera, entre otros.

Sábado 31 de julio – “Concha del Río Cabaret”. Dirección Noralih Gago.

Domingo 1º de agosto – “Potestad”. Autor: Eduardo Pavlovsky. Actores: Eduardo Pavlovsky, Susy Evans. Dirección: Norman Brisky. “El último verso”. Autora: Patricia Zangaro. Actor: Daniel Fanego. Dirección: Pompeyo Audivert..

Jueves 5 de agosto – IMPROXLAIDENTIDAD – “Improvisación Mosquito”. Dirección: Mosquito Sancineto. “Desdentados”. Autor: Eduardo Rovner. Actores: Lidia Catalano, Julio López. Dirección: Lía Jelín.

Viernes 6 de agosto – CELCIT presenta “Los tres patitos” de Beatriz Pustilnik, “Virtual” de José Sanchis Sinisterra, “Compañeros” de Arístides Vargas, y “Supongamos” de Arístides Vargas. “Del ropero al closet”. Autor: Roberto “Tito” Cossa. Actores: Claudio García Satur, Patricia Kraly, Marcelo Savignone y Natalia Santiago. Dirección: Manuel Iedvabni.

Sábado 7 de agosto – IMPROXLAIDENTIDAD “Somos nosotros”. Grupo Qué rompimos. Dirección: Osqui Guzmán.

Domingo 8 de agosto – “Potestad”. Autor: Eduardo Pavlovsky. Actores: Eduardo Pavlovsky, Susy Evans. Dirección: Norman Brisky. “El último verso”. Autora: Patricia Zangaro. Actor: Daniel Fanego. Dirección: Pompeyo Audivert.

Jueves 12 de agosto - CELCIT presenta “Los tres patitos” de Beatriz Pustilnik, “Virtual” de José Sanchis Sinisterra, “Compañeros” de Arístides Vargas, y “Supongamos” de Arístides Vargas. “Desdentados”. Autor: Eduardo Rovner. Actores: Lidia Catalano, Julio López. Dirección: Lía Jelín.

Viernes 13 de agosto - IMPROXLAIDENTIDAD – “Improvisación Mosquito”. Dirección: Mosquito Sancineto.

Sábado 14 de agosto - IMPROXLAIDENTIDAD “Somos nosotros”. Grupo Qué rompimos. Dirección: Osqui Guzmán.

Domingo 15 de agosto - “Del ropero al closet”. Autor: Roberto “Tito” Cossa. Actores: Claudio García Satur, Patricia Kraly, Marcelo Savignone y Natalia Santiago. Dirección: Manuel Iedvabni. Cierre.

Todos los días de las funciones, y como es habitual, habrá al comienzo, en el medio o en el final de la noche, el llamado Espacio Abierto, en donde se presentarán diferentes artistas. Para este año ya confirmaron su presencia: Ingrid Pellicori, Cecilia Milone, Juan Gil Navarro, Darío Grandinetti, Coco Silly, Eugenia Tobal, Monica Scapparone, Pepe Soriano, Mónica Ayos, Diego Olivera, China Zorrilla, Juan Palomino, Malena Solda, Mercedes Morán, Carlos Portaluppi, Duilio Marzio, Lola Berteth, Melina Petriela, Florencia Peña, Arturo Bonín, Federico Luppi, Luisa Kuliok, Virginia Innocenti, Manolo Callau, Alejandra Majluf, Claudio Gallardu, Arnaldo André, Norberto Díaz, Alicia Zanca, entre muchos otros.

Sala María Guerrero
TEATRO NACIONAL CERVANTES
Libertad 815 - Ciudad Autónoma de Buenos Aires - Teléfono: 4815-8883

LAS ENTRADAS SE ENTREGARÁN LOS MISMOS DÍAS DE LAS FUNCIONES EN LA BOLETERÍA DEL TEATRO HASTA AGOTAR LA CAPACIDAD DE LA SALA.

Fuente: http://www.argentina.ar/_es/cultura/C4185-teatroxlaidentidad-2010.php

Un mismo escenario para todo un abanico de posibilidades

2010-07-27T13:29:00.002-03:00

TEATRO › FEIZBUK, THE BOX, PROYECTO VESTUARIOS Y AMOR, DOLOR Y QUE ME PONGO

Un mismo escenario para todo un abanico de posibilidades

Mercedes Morán, Javier Daulte, José María Muscari y Natalia Geci cuentan cómo arribaron a sus propuestas con un diseño de producción cambiante, que toma la aparente fragmentación para encontrar una narrativa que se va completando con cada puesta.

Por Emanuel Respighi
Imagen: Martin Acosta

Si –como suele decirse– las crisis representan oportunidades únicas para desarrollar la creatividad, en determinados ámbitos la sobreabundancia también puede ser motivo necesario para agudizar el ingenio. En una oferta cultural de magnitud como la que muestra la cartelera porteña –ubicada al mismo nivel que la de Londres, Nueva York o Madrid–, aquellos que trabajan en el teatro se tropiezan siempre con el mismo de-safío: ¿cómo hacer para acaparar la atención del público entre las más de 400 obras teatrales que se estrenan anualmente, en las casi 200 salas –entre comerciales e independientes– que existen en la ciudad de Buenos Aires? En esa intensa actividad teatral, que incluye una cifra estimada de cuarenta mil personas estudiando teatro en institutos privados y públicos, la calidad de la puesta como “gancho” de atracción se convirtió en condición, pero no en motivo suficiente. Así, las propuestas no tradicionales en su estructura se convirtieron en una nueva ola que invade tanto el circuito comercial como el independiente.

Hoy, la originalidad es un plus que cotiza alto en el ámbito teatral. Y no se limita únicamente al ingenio que se pone en marcha arriba del escenario, sino que también se extendió al marco que contiene a una obra y que termina de darle sentido a la puesta. En el activo panorama porteño, actualmente conviven en la cartelera una serie de piezas que se asemejan por coincidir en un diseño de producción atípico, donde una misma obra o nudo dramático es interpretado en paralelo por diferentes elencos que rotan por día o función, según la búsqueda que persigue cada proyecto. Un recurso que, con sus matices, es mucho más que un intercambio de actores o actrices.

En algunos casos, los elencos rotan a diario, como en Feizbuk, la megaobra de José María Muscari que cuenta con siete compañías diferentes. En otros, como en Vestuarios, de Javier Daulte, el proyecto consta de dos obras independientes entre sí, pero que giran alrededor de la misma anécdota. En este caso, Vestuario de hombres es interpretado por un elenco masculino, mientras que Vestuarios de mujeres, por uno femenino. En línea similar, en la simbólica The box la idea se bifurca entre la función protagonizada por el staff femenino y la que hace el masculino. Un caso distinto es el de Amor, dolor y qué me pongo, la pieza dirigida y adaptada por Mercedes Morán, cuyo diseño de producción tiene pensado renovar algunos roles femeninos cada dos o tres meses. Con sus matices, cada pieza busca hacer del hecho teatral una experiencia dinámica y “viva”.

“Las obras de estructura no tradicional como Amor, dolor y qué me pongo le aportan variedad, dinamismo al teatro”, cuenta a Página/12 Morán, que con la adaptación local de la obra de las hermanas Nora y Delia Ephron debuta como directora. “A mí me permite atravesar la experiencia de cómo puede ser contada una historia desde distintas miradas –explica–. El cambio en el diseño de producción vuelve a la obra más rica y me imagino que para un espectador que ve el show, y puede volver a verlo con otra actriz, también le puede resultar atractivo. Yo tengo un concepto muy alto del público de teatro en esta ciudad. Y con Agosto (N. de la R.: la obra que la actriz protagoniza) lo pude confirmar: aquellos que pensaban que el público argentino no se bancaría una obra de tres horas, que además es un drama familiar, se sorprenden al saber que llena la sala desde hace más de un año. Así que también creo que el público estará encantado de tener la posibilidad de elegir un espectáculo en el que los roles son interpretados por distintas actrices.”

Cada cual atiende su juego

Si bien hay una coincidencia entre las obras, relacionada con que todas rompen con el molde tradicional de la puesta teatral, las motivaciones que cada autor y/o director encontró para elegir esta particular manera de planificar la relación del hecho artístico con el público son diversas. En Proyecto Vestuarios, tanto en la obra protagonizada por hombres como en la de mujeres la anécdota básica es la misma: un equipo amateur de lacrosse de un club de barrio logró llegar a la final del mundo. Cada espectáculo se divide en dos escenas, que se desarrollan en un vestuario: la primera, antes del cotejo final; la segunda, una vez terminado el partido. Aunque el nudo dramático y el lugar en que se desarrollan las dos obras son los mismos, lo llamativo es que en este caso las piezas son diferentes, al punto de que no hay ningún texto en común.

“La idea de hacer una obra de hombres y otra de mujeres surgió sin mayor especulación”, puntualiza Daulte, autor y director de Proyecto Vestuarios. “Tenía la idea base desde hacía mucho tiempo, pero a la hora de decidirme siempre surgía la misma pregunta: ¿la hago con hombres o con mujeres? Recién el año pasado se me aclaró la cuestión cuando me dije ‘tengo que hacerlo con hombres y con mujeres’. Aún no sé qué efecto puede producir ver ambas obras. Sí sé que a la hora de experimentar me parecía que había aspectos del universo masculino, por un lado, y del universo femenino, por el otro, que me interesaban con la misma intensidad y que si hacía la experiencia sólo con hombres, o sólo con mujeres, me iba a quedar con la sensación de algo faltante”, señala quien también escribe los libros de Para vestir santos, el unitario televisivo que El Trece emite los miércoles a las 22.30.

Diferente fue el caso de Feizbuk, donde la idea de conformar una megaobra multielenco surgió desde su misma concepción en la activa cabeza de Muscari, como una manera de que haya coherencia entre el contenido y la forma. ¿Qué mejor que abordar la era de las redes sociales creando diferentes versiones de un mismo texto? “Me parece que la diversidad y la multiplicidad le dan a la obra algo muy real, ya que la red virtual lo es, se multiplica momento a momento”, reflexiona el ecléctico director. “Creo que Feizbuk es realmente novedosa, pues son siete versiones de un mismo texto, pero con puesta distinta y licencias personales según cada elenco. La obra expone la relación de las personas con su pulsión a exhibirse, lo personal vs. lo expuesto. En este punto, Feizbuk es una fuerte reflexión, sobre nuestros días, nuestro patetismo y nuestra locura”, concluye quien para el armado de los elencos y no desentonar con la génesis del proyecto, convocó a un masivo casting por la web (ver aparte).

En el polo opuesto, la dual puesta de un elenco femenino y otro masculino para The box muestra cómo muchas veces la experimentación puede surgir por obra y gracia del azar. O, más bien, por accidente. “El proyecto comenzó en Inglaterra como obra masculina, pero cuando uno de los actores fundadores de la obra no pudo seguir representándola, surgió la idea de hacer un elenco femenino porque en el circuito independiente de Londres hay quince mujeres por cada hombre en los castings”, confiesa Natalia Geci, directora general de la obra que transcurre dentro de una caja flexible en la que se moldean las escenas. “La inclusión de un elenco femenino y otro masculino en este proyecto nos abrió un panorama enorme de posibilidades –dice–. En la obra se van formando cuadros de gran peso visual y simbólico. Y si bien los símbolos a los que alude son universales y exceden el género, sin embargo, el espectador los recibe de manera muy diferente, según vea a un elenco o al otro.”

El todo y la suma de las partes

De la misma manera que este tipo de proyectos teatrales conllevan un diseño de producción novedoso, la tendencia presupone un cambio en la manera en que el espectador se relaciona con las obras. En estos esquemas, paradójicamente, una obra puede no estar “vista” en su plenitud aun cuando ya se la haya visto una vez: si se modifican los elencos y/o el género de quienes los conforman, una misma pieza puede estar cargada de tantas lecturas como puestas haya. Como en toda obra artística, el sentido se completa con la mirada del otro. En estos formatos, las significaciones se multiplican según lo que ocurre arriba del escenario, si son mujeres o varones quienes interpreten los textos, si se trata de actores profesionales o no-actores y, en definitiva, en función de cómo los espectadores se relacionan con cada una de esas variables. Incluso, se puede ir más allá y preguntarse hasta qué punto proyectos como Feizbuk son siete actos de una gran pieza, o se trata de siete obras diferentes bajo un mismo manto temático o guión. O si Proyecto Vestuarios consta de dos obras o de una única pieza dividida en dos actos.

Nadie mejor que los autores y directores para zanjar el interrogante. “Las dos cosas –suelta Muscari–. Son obras independientes, personales y únicas. Pero creo que Feizbuk es un gran evento que, para poder captarlo, es recomendable tener la experiencia de ver más de una puesta. Y ver cómo el texto puede ser sólo un planeta para que diferentes seres armen su mundo total de personalidad. Por eso cada función tiene un subtítulo: ‘Míticos’, ‘Sex’, ‘Hot’, ‘Tours’, ‘Freaks’, ‘Stars’, ‘Teens’ son las categorías de estos raros terrícolas que hacen un nuevo Feizbuk cada noche.” Morán coincide en la idea de que renovar roles cada tanto en Amor... no significa la generación de nuevas obras, “ya que la historia es la misma, lo que varía es el punto de vista, que en cada caso coincide con lo que cada actriz le aporta”. Por su parte, Geci prefiere hablar de que “el formato de The box es tan fuerte y condicionante, que no podría hablar de dos obras diferentes: en todo caso, se podría pensar como una misma obra, de matices diferentes”.

Para corroborar el hecho de que las similitudes entre las puestas son tan marcadas como sus diferencias, Daulte sostiene que Vestuario de hombres y Vestuarios de mujeres tienen muy poco en común. “Me lo planteo como obras diferentes. Si uno ve una sola de ellas no va a salir con la sensación de algo inacabado. Aunque sí parece (y esto lo digo por aquellos que ya han hecho la experiencia) que al ver ambas, algo, un efecto, se produce”, remarca. Pese a ello, el dramaturgo y director no cree necesario que el público tenga que ver las dos obras para capturar el verdadero sentido del proyecto. “Eso es algo que depende de cada espectador. Supongo que no es lo mismo ver una de ellas, que ver las dos. Como tampoco es lo mismo ver las dos seguidas (como puede darse el día sábado), que verlas en días diferentes. En ninguna de las dos obras se tematiza la cuestión del género. Pero creo que al ver la dos es inevitable reflexionar al respecto. También creo que si un espectador ve una de las obras y le interesa lo que vio, se enciende más fácilmente la curiosidad de saber cómo es la otra”, reconoce Daulte.

Trabajo experimental para quienes las llevan a cabo, las obras con diseño de producción atípico pueden tentar a los espectadores a relacionarse con el teatro de una manera diferente, más amplia y de sentido progresivo. En este esquema, una obra pierde su sentido rígido para transformarse en un encuentro en continuo desarrollo. Algo así como un work in progress acabado. En este aspecto, la posibilidad de que el público vea una sola puesta o cada una de ellas para captar el concepto del proyecto queda librada a elección de cada cual. “Ver la obra en su versión femenina y en su versión masculina no es necesario para capturar el verdadero ‘sentido’ del proyecto, pero sí tal vez para capturar la ‘experiencia’ completa de ver The box”, presume Geci. “El público está enterado cuando elige venir a la función de un día, que existe esa supuesta otra caja, y ello ya genera una falta de completud, una intriga o incomodidad extraña para la expectación a la que acostumbra”, reflexiona.

Búsquedas personales o conceptuales, originales estrategias de atracción de espectadores, o nuevas maneras de vincular al teatro con la mirada del otro según lo exigen los tiempos actuales, los proyectos no tradicionales llegaron a la cartelera porteña para modificar la escena. La relación entre el emisor del mensaje y el receptor adquiere, ahora, significaciones múltiples. Muscari cree que en las obras de este estilo los espectadores pueden limitarse a la experiencia teatral tradicional y ver sólo una de las puestas de Feizbuk, o aprovechar y comprometerse en un viaje magnánimo como el mismo proyecto que construyó. “Creo que pueden ver una sola y pasarla genial, pero sin dudas ver las siete obras arma una experiencia completa, incomparable a la de ver sólo una”, arriesga. Y aporta una última definición que puede servir para comprender el encanto oculto de esta nueva tendencia teatral. “El fragmento –dice– es independiente, pero el todo siempre es erotizador."

Fuente: Página 12

“El del rock sigue siendo un ambiente machista, es cuestión de animarse”

2010-07-23T20:01:00.001-03:00

Fer López Camelo

22-07-2010 / La intérprete y compositora presenta su CD Suspendida en Ciudad Vieja.

"Va a arrancar primero Juancito Ravioli solito con la guitarra, se van a proyectar los dibujos que se ven en el Facebook y que están en el arte del disco, y vamos a hacer solamente las 12 canciones de Suspendida, en el mismo orden. Y también va a estar Patricia Ríos, una amiga actriz de la Fabriquera con la que yo he trabajado antes, que va a estar haciendo una especie de presentación a broma, para abrir el show con algo de teatro", explicó a Diagonales la cantante y compositora Fer López Camelo sobre el show que la tendrá mañana, a la medianoche, sobre el escenario de Ciudad Vieja (17 y 71). El show le servirá para presentar en sociedad Suspendida, su segundo disco oficial de canciones en el que la poesía, lo visual y las melodías parecen ocuparlo todo.

Basta con escuchar una vez el CD para descubrir (y disfrutar) los caminos que elige recorrer esta cantante que dio sus primeros pasos a principios de la década del '90 en aquella banda de candombe que fue La Murgandita. La propuesta musical de López Camelo llega además en una cuidada edición en la que se puede disfrutar de un "libro" con las letras y calidos dibujos especialmente preparados por Vero Pastuszuk.

–¿Cómo nació Suspendida?

–Empecé a escribir este verano, tenía la idea de hacer otro disco antes llamado Construcciones, esos temas se hicieron el año pasado en el Centro Cultural Islas Malvinas, pero no fueron grabadas. La única que quedó en Suspendida es "Bailarina sombra". Pero algo pasó que me indicó que me gustaba más la idea de estar "suspendida" o de "construir en el aire". Me pareció lo más fiel a mí y así nació este disco. Tiene mucho que ver con la palabra, además porque tiene bastante relevancia en todo el trabajo la poesía, así que las canciones están en formato de poesía.

"La noche entra en un sueño/ llevándose un secreto/ de un amor inútil/ o tal vez los besos/ ahogados de una luna./ Si es su espejo el río/ y su desnudez anuncia/ un despertar tan frágil/ o una mañana sin caricias./ A lo mejor llega tarde/ a lo mejor no ha ocurrido todavía/ es que es de noche/ tan de noche…/ es que es de noche/ tan oscura", canta esta intérprete junto a Juan Ravioli desde la canción que da nombre al CD y al mismo tiempo lo cierra.

–¿Qué importancia tienen las letras en las canciones?

–Para mí todo. Nacen en conjunto con la música, nace del sentir, no imagino la vida de otra forma, es un desahogo escribir. Tal vez esta palabra tenga que ver con el suspenso personal, así como de soledad y de encuentro conmigo. Los otros discos por ahí estuvieron dedicados a otros, este no, creo que está dedicado a mí.

–Y si hablamos de la canción…

–Es como una emoción. Antes cuando empecé escribía una poesía y le ponía música. Por hay muchos discos que por ahí no edité o mejor dicho fueron edición limitada, porque todavía no estaba convencida por ese formato. Hasta que en algún momento comienza a aparecer todo junto. Es todo, es un combo, algo inseparable; las letras, las palabras tienen musicalidad, el sentir de la palabra.

–Hace bastante tiempo que está dando vueltas por la escena de la música, ¿cómo ve el hecho de ser mujer y subir a un escenario? ¿Siguen existiendo los mismo prejuicios que había hace algunos años?

–En algún momento yo sentí que era diferente, pero sin embargo en mi caso personal me sentí bastante cuidada por mis compañeros y compañeras. Además yo tengo una big band de mujeres (Dirty diamonds) y creo que nos ganamos el respeto. Yo escuché comentarios de mierda cuando arrancamos en 2005 o 2006, del tipo: "viste tocan como chabones". Y me parece que nos ganamos el respeto al demostrar que somos músicos. De todos modos creo que sigue siendo un medio bastante machista el rock, sigue siendo un espacio ocupado por hombres. Me parece que hay que atreverse y animarse, y me parece que las mujeres cada vez se están animando más. Y me parece que hay tanta música dando vuelta que está bueno y que además puede verse fácilmente a través de Internet.

Fuente: http://www.elargentino.com/nota-99657-El-del-rock-sigue-siendo-un-ambiente-machista-es-cuestion-de-animarse.html

Estreno de "1810" en el Teatro de la Ribera

2010-07-22T13:20:00.004-03:00

ESTRENO SÁBADO 24 DE JULIO 18 HS
TEATRO DE LA RIBERA
Av. Pedro de Mendoza 1821

1810 gira en torno a la gesta emancipadora llevada adelante en la ciudad de Buenos durante los días 14, 23 y 25 de mayo de aquel emblemático año. La acción tiene lugar en el interior de una tienda cuya puerta de entrada da a la Recova y ubicada frente al Cabildo. Sus propietarios son Cipriano y su esposa, Teodora, hidalgos españoles que han criado como a su propia hija Inés, a sus sobrinos Julián y Manuela. Pero el hogar se fractura delineándose dos posiciones antagónicas: Cipriano, Teodora e Inés (que además de ser la prima de Julián, es su prometida) son fieles a la corona española, mientras que Julián y Manuela apoyan al pueblo nativo y su búsqueda de libertad, así como el inglés Guillermo, esposo de Manuela y decidido partidario del levantamiento de los criollos.

"En 1810 alienta y vibra el espíritu de época. Coronado lo captó con fidelidad y lo trasladó suave, casi imperceptiblemente, al plano de los símbolos. (...) El hogar de Don Cipriano analogiza el coloniaje todo: con su arrebato, nobleza y arbitrariedad; con la irritante y autoritaria superioridad que marca la relación de dependencia establecida para quienes deben avenirse a ella. Los sobrinos, Julián y Manuela, simbolizan el criollaje que, formado en aquel ambiente, crece en conflicto con sentimientos y costumbres hispanos y aspira a independizarse; (...) Guillermo, el inglés, es el fermento libertario dejado por los invasores de 1806, que permite al criollaje descubrirse a sí mismo. Los negros -Mateo, liberto y soldado, y Cleofé, esclava- son el rastro infamante de servidumbre que el nuevo orden político eliminará paulatinamente." Raúl H. Castagnino (Prólogo a Obras dramáticas de Martín Coronado).

1810 fue estrenada por la compañía Podestá-Vittone el 18 de julio de 1910 en el Teatro Apolo. Según Mariano Bosch "el público, de pie, aclamó al autor, dentro de un ambiente caldeado por los bellos pasajes de la obra, sus versos bellísimos y de patriótica inspiración, y las emociones de aquellos días del centenario".

Ficha técnico artística

Actuan: Monina Bonelli, Paloma Contreras Manso, Darío Guersenzvaig, Marcos Martinez, Pepe Monje, Manuel Novoa, Ingrid Pelicori, Lucila Rada, Claudio Rodrigo, Manuel Vicente
Vestuario: Micaela Sleigh
Escenografía: Micaela Sleigh
Iluminación: Leo Pérez
Realización de video: Laura Casabe
Música original: Sergio Vainikoff
Asistencia artística: Claudio Rodrigo
Dirección: Eva Halac

TEATRO DE LA RIBERA
Av. Pedro de Mendoza 1821
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4302-1536 Venta 4302-9042
Web: http://www.teatrosanmartin.com.ar
Entrada: $ 30,00 - Domingo - 12:30 hs - Desde el 24/07/2010
Entrada: $ 45,00 y $ 30,00 - Sábado - 18:00 hs - Desde el 24/07/2010

Fuente: http://www.alternativateatral.com/obra17582-1810

Mantienen en la Ciudad de La Plata casi 2 mil inmuebles "intocables"

2010-07-18T11:52:00.005-03:00

Teatro Martín Fierro del Bosque

Hay cuatro categorías. Algunas tienen restricciones totales y otras parciales, en un marco de normas ambiguas

Un total de 1.820 inmuebles permanecen desde hace cuatro años catalogados como parte del “patrimonio arquitectónico” de la Ciudad y alcanzados por una normativa que impone restricciones para su remodelación y/o demolición. Conocidos genéricamente como los “inmuebles intocables”, esos edificios están clasificados, en rigor, en cuatro categorías que permiten distintos niveles de “intervención”, aunque los propietarios de esas construcciones -en su gran mayoría, casas particulares-, deben pedir en cada caso autorización para realizar cualquier tipo de modificación; circunstancia en la que se les dirá puntualmente qué pueden hacer y qué no, en un marco de disposiciones genéricas y por tanto ambiguas.

SIN COMPENSACION

En ese contexto, por la inclusión del inmueble en ese catálogo no se concede a su propietario una compensación económica, como ocurre en otras ciudades del mundo con los bienes declarados “patrimonio” de la comunidad.

No hay compensación, por caso, para el hecho de que, al restringir fuertemente la posibilidad de “tocar” la unidad, se generan dificultades para su venta o cambio de finalidad y, consecuentemente, eventuales perjuicios económicos. Y tampoco se otorgan fondos para aplicar al mantenimiento de los inmuebles, pese a que su preservación resulta en muchos casos sustancialmente costosa por la vetestud de materiales y estructuras -como los balcones- y la existencia de antiguos elementos artísticos, como molduras y ornamentaciones.

Sólo está previsto, en ese sentido, la exención de los derechos de construcción en caso de que se autoricen reformas; y de la tasa SUM en un 100% para las 40 unidades totalmente “intocables” y del 50% para la gran mayoría de los inmuebles (más de 1.500); “incentivo” éste condicionado a que “se use en la conservación” de la unidad, sin que se defina cómo se controlará esa aplicación.

Quizás por la ausencia de compensación, la normativa tampoco obliga a los propietarios de estas unidades que integran, según el catálogo, el “patrimonio arquitectónico” platense, a evitar su deterioro; existiendo, de hecho, un alto grado de abandono de muchos inmuebles que genera inclusive peligros de derrumbes y el riesgo de que la demolición sea en breve la única alternativa.

Los 200 súper protegidos

En el extenso catálogo de inmuebles considerados “patrimonio arquitectónico” de la Ciudad, hay 40 edificios a los que se les impuso una “protección” total. Son las grandes construcciones públicas, como los palacios de Gobierno, de la Legislatura y la Municipalidad; museos y teatros; la Catedral y varias iglesias, en las que no se pueden introducir cambios ni en exterior ni en el interior. Pero hay otros 168 inmuebles “casi intocables”, en los que sólo se pueden hacer algunas reformas en el interior, siempre que no se alteren el volumen ni “el orden arquitectónico”, y en esa categoría hay edificios públicos pero también decenas de unidades particulares, muchas destinadas a vivienda. A continuación, el listado de esos inmuebles, que pertenecen a la categoría “Protección Estructural”.

Hospital Gutiérrez; Escuela 66, de diag. 80 y 117; Juzgados de 41 y 120; Hipódromo; Facultad de Ciencias Exactas y Pabellón de Electrónica en 47 entre 1, 50 y las vías; Escuela Anexa, de 50 entre 1 y las vías; la Jaula y el Pabellón del Zoo; Teatro Martín Fierro del Bosque; tribuna techada del club Gimnasia; Confitería La Barra del Bosque; Escuela Albert Thomas; Registro de las Personas, de 1 y 60; Facultades de Agronomía, Veterinaria y Medicina; capilla de 117 y 67; la Escuela de 61 y diag. 79 y la 45 de 68 entre 116 y diag. 73; los pabellones del Hospital San Martín.

Escuela de Plaza Alsina; en diag. 74 entre 4 y 40, la Iglesia Evangelista y el Teatro Princesa; Colegio Misericordia y capilla; Escuela Técnica Vergara; Capilla e Iglesia San Roque; Colegio de Martilleros, en 1 entre 45 y 46; Instituto Médico Platense; Escuela 31 e Iglesia Protestante, en 46 entre 2 y 3; Escuela de Adultos de 2 y 54.

Iglesia y Colegio Virgen de Luján, 60 entre 3 y 4; Colegio San Ponciano; Museo Spegazzini; Palacio Campodónico; Ex Normal 2, en diag. 78 entre 4 y 57; Caja de la Policía, en 5 y 48; Ex Jockey (ahora de la Universidad), en 48 entre 6 y 7.

Escuela de 4 entre 62 y 63; Convento de Carmelitas, en 7 y 35; Escuela de 8 y 38; Hospital Español; Ministerio de Economía; Tribunales de 8 entre 56 y 57; Ministerio de Obras Públicas; Cruz Roja, en 47 entre 8 y 9; Tribunales de 8 entre 50 y 51; Secretaría de Derechos Humanos en 8 y 53; Ex Normal 3 de 8 entre 57 y 58; Colegio Sagrado Corazón; Escuela de 9 entre 47 y 48; ex Banco Municipal de 48 y diag. 74; Residencia del Vicegobernador, en 10 y 51; Colegio San José; Ministerio de As. Agrarios, 51 entre 10 y 11; Escuela Italiana; Capilla Inmaculada, de 11 entre 45 y 46; Palacio López Merino; Radio Provincia, en 11 y 53; Escuela María Auxiliadora.

Biblioteca de la UNLP y Facultad de Bellas Artes, en Plaza Rocha; Capilla de Plaza España; Escuela de diag. 112 y 67; Escuela de 12 entre 67 y 68; Escuela de 13 y 60; Casa Parroquial de 12 y 68; Reconocimientos Médicos de 14 entre 56 y 57; Ex Normal 1 de 14, 15, 50 y 51; Escuela de 16 y 48; Capilla de 48 entre 16 y 17; Escuela de diag. 74 y 57; Ministerio de Salud, en 17 y 51.

Asilo Marín; Hospital de Niños; Escuela de 71 entre 18 y 19; y en el área que va de 13 a 18 y de 71 a 72, galpones ferroviarios, tanque de agua, caseta de acceso y Estación Meridiano V.

Iglesia de Lourdes; instituto en 38 entre 22 y 23; Escuela de 22 entre 41 y 41; Centro Cultural Islas Malvinas; Escuela de 54 y 20; Iglesia de 54 y 23; Escuela de diag. 74 y 22; Seminario; Escuela de 41 entre 26 y 27; Escuela de 28 entre 46 y 47; Hospital Italiano; Iglesia Nuestra Señora de Luján; Escuela de 28 y 62; Hospital San Juan de Dios; Estaciones Circunvalación y Gambier.

Viviendas particulares y edificios de viviendas y comercios (en varios casos, más de un inmueble en las cuadras mencionadas) en: 1 y 47; 1 entre 45 y 46; en 43 entre 5 y 6; 1 y 49; 54 y bulevar; bulevar entre 1 y 2; diag. 78 entre 1 y 54; 2 y 46; 49 entre 2 y 3; 2 entre 53 y 54; 3 y diag. 77; 4 y 50; 4 y diag. 80; diag. 80 y 48; esquina de diag. 77, 5 y 46; diag. 80 y 49; 6 y 49; diag. 80 y 50 (Edificio Belvedere); 7 y 45; 54 entre diag. 79 y 5; 7 y 45; 6 y 49; 54 entre 6 y 7; 7 y 55; 6 y 56; 7 y 42; Casa Monteverde en 7 y 42; 8 y 44; 7 y 51; 53 entre 7 y 8; 7 y 55; 9 y 48; 9 y 49; 53 entre 8 y 9; 10 y 48; 12 y 58; 11 y 65; 50 y diag. 73; seis viviendas de la cuadra de 16 entre 51 y 53; 16 y 51; 51 entre 16 y 17.

Además, Casa Suiza Helvecia, en 2 entre 44 y 45; Hotel Benevento, en 2 y 45; Adm. Minelli, en 56 entre 1 y 2; institución en 2 entre 46 y 47; Diario EL DIA; Centro de Ingenieros, en 53 entre 3 y 4; Asociación Sarmiento, en 5 y 47; ex Casa Beige, en diag. 80 y 48; Pasaje Rodrigo; Edelap, en diag. 80 y 5; Ex Cine Belgrano, en diag. 80 y 49; Club Español, en 6 y diag. 79; Club El Círculo, en 6 y 53; Confitería Jockey Club, en 49 entre 6 y 7; Edificio Credil (ex Jockey Club); Asociación de Maestros, 60 y 12; petit hotel de 14 y diag. 73; e institución de 14 entre 53 y 54.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20100718/laciudad6.htm

Dictarán clases de dramaturgia teatral por reconocidos docentes

2010-07-17T17:18:00.002-03:00

Los dramaturgos Eduardo Pavlovsky, Ricardo Monti, Horacio Banega, Mauricio Kartun y Emilio García Wehbi, entre otros, participarán de las clases magistrales sobre la creación del texto teatral en el Malba.

El ciclo es organizado por Escena Sur en colaboración entre Siemens Stiftung y THE "Asociación para el Teatro Latinoamericano", un espacio inédito en Latinoamérica dedicado a la formación y creación de dramaturgos y hacedores del teatro.

En ese marco se desarrollará en el Malba-Fundación Costantini, Figueroa Alcorta 3415, con el siguientre cronograma de clases:

Lunes 19 a las 18: Eduardo Pavolvsky sobre "Textura intrínseca de lo político en mi teatro". A las 19.30: Ricardo Monti

Miércoles 21 a las 16: Guillermo Calderón (Chile) sobre "La dictadura del aburrimiento"

Lunes 26 a las 18.30: Romina Paula y Ariel Farace sobre "La palabra en la escena. Una aproximación a algunos procesos de escritura y montaje"

Miércoles 28 a las 16: Horacio Banega sobre "Hechos dramáticos y textos filosóficos: convergencias, divergencias y referencias"

Lunes 2 de agosto a las 18.30: Rafael Spregelburd sobre "La agonía del significado"

Miércoles 4 a las 16: Philipp Lohle (Alemania) sobre "Panorama de la joven dramaturgia europea"

Lunes 9 a las 18.30: Emilio García Wehbi sobre "Intertextualidades, citas y derivas en la dramaturgia contemporánea"

Miércoles 11 a las 16: Mauricio Kartun sobre "Indice, el gran artefacto teatral. La construcción de lo invisible como mecanismo oculto del drama"

El ciclo es organizado junto con malba.literatura y auspiciado por el Goethe-Institut Buenos Aires y el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). Más información en www.escenasur.com.ar.

Fuente: Hoy

Al rescate del Complejo Cinematográfico "Tita Merello"

2010-07-17T16:21:00.000-03:00

El cine, que cerró sus puertas la semana pasada, era el único que daba lugar a las producciones que no circulaban en las cadenas comerciales.

Un petitorio en defensa de los valores culturales, arquitectónicos y patrimoniales del complejo cinematográfico Tita Merello, que cerró sus puertas hace una semana, será presentado en la Legislatura porteña por el ex presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, José Miguel Onaindia.

La iniciativa recogió 4 mil adhesiones y Onaindia -especialista en Derecho Cultural- la impulsa “para que no se pierda un espacio que tiene un valor cultural, arquitectónico y patrimonial”.

Onaindia considera que el cierre del Tita Merello (originalmente cine teatro Suipacha) “implica una gran pérdida para la comunidad, pues fue una sala de especial importancia para el público interesado en el cine argentino y, últimamente, en el cine que no circula por las cadenas de multipantallas”.

“El edificio es un ejemplo de nuestro patrimonio arquitectónico que debe defenderse, lo mismo que la preservación de su destino. Fue el primer cine en Buenos Aires dedicado a la exhibición de películas argentinas y su existencia permitió que filmes independientes pudieran sostenerse en cartelera y llegar a mayores cantidades de público”, recordó.

Onaindia anunció que elevará un petitorio a la Legislatura porteña “para que, mediante el sistema de expropiación o de contrato administrativo, ceda su uso a una entidad no gubernamental con destino a la proyección de cine argentino independiente y extranjero que no es programado en las salas comerciales y otorgue partidas para su renovación mobiliaria y tecnológica”.

“Además -agregó- solicitará que se adopten las medidas de seguridad y control para la preservación de espacios culturales de esta naturaleza”.

Diario Hoy

“Nos interesa que salga a la luz la vida propia del Galpón”

2010-07-17T11:09:00.000-03:00

Jornada cultural

16-07-2010 / La cita es al costado de la estación de Tolosa, 3 y 526, a las 13

Antes de que un grupo de jóvenes llegara en el verano de 2008, los Galpones Ferroviarios ya formaban parte de la escena cultural platense. El lugar era la locación preferida de las bandas platenses para realizar las primeras sesiones fotográficas. Gracias al trabajo de un colectivo autogestionado actualmente es más que un decorado de fondo y se ha convertido en uno de los lugares elegidos por los músicos para tocar en un circuito cada vez más acotado en espacios y más exigente en requisitos.

“Cuando llegamos el lugar estaba lleno de escombros, de mugre. Costó mucho recuperar el lugar, acondicionarlo para que funcionara el Centro Cultural”, contó Pablo, miembro de la Comisión de Comunicación, “pero después de dos años de proceso podemos decir que el lugar es un espacio de encuentro. La idea de la Jornada Galponera es mostrar todo lo que está sucediendo dentro del Galpón al barrio. Organizamos esta actividad porque fundamentalmente nos interesa que salga a la luz la vida propia del Galpón”.

Durante toda la tarde con entrada libre y gratuita se realizarán talleres abiertos de yoga, macramé y peluquería en los cuales los miembros de los mismo compartirán lo que vienen desarrollando con los vecinos que concurran. “Pensábamos hacer una muestra de lo que se venía trabajando, pero creemos que el taller abierto permite un acercamiento. Invita a la gente a participar”, explicó Pablo.

Durante la tarde también habrá proyecciones, una radio abierta, graffitis e intervenciones en el espacio y el cierre contará con tres bandas en vivo: Ghetto de Benoit, Dale Gas y Chivas de Norma más invitados sorpresas. “Para ser un proyecto que sólo lleva sólo dos años ha tenido una fuerte repercusión en el barrio. Al principio costaba convocar a la gente, pero el trabajo que hemos realizado en el barrio es fuerte. Por eso la apuesta a los talleres. Por otro lado, seguimos siendo un grupo autogestionado, no tenemos subsidios ni nada que se le parezca. Nos sostenemos a partir de las cosas que generamos”.

A lo largo de estos dos años, el Galpón no sólo se concentró en las refacciones del lugar y la consolidación de su propuesta, sino que ha generado lazos con otros colectivos culturales de la ciudad. Durante el 2009, abrieron sus puertas a la Feria del Libro Independiente y Autogestiva (FLIA) en sus dos ediciones, realizaron llamadas de tambores y han alojado, por ejemplo, la última fiesta del sello independiente Cala Discos. Pablo explicó que gracias a eso “no hubo dificultad a la hora de convocar bandas para esta fecha, son personas cercanas al proyecto que ya lo conocen y muchas veces nos han mostrado el interés por tocar en el lugar. En realidad sólo tuvimos que llamarlos”.

Fuente: Diagonales

La Repu se prepara para las vacaciones

2010-07-16T11:43:00.000-03:00

En el predio habrá numerosas actividades durante el receso invernal

La República de los Niños de Gonnet (Camino General Belgrano y 500) ya prepara su grilla de las vacaciones de invierno, que incluye numerosos espectáculos, paseos y talleres.

Continuando con la programación habitual que se viene desarrollando en la Repu durante el año, se ha preparado una especial, donde habrá propuestas para todos los visitantes, en especial para los más pequeños.

Se intensificarán las actividades educativas y recreativas programadas por el departamento pedagógico, a través de sus distintos talleres y se agregarán los talleres de la Escuela Taller de Arte Municipal y del Mercado Artesanal Bonaerense que son los siguientes: Cestería ecológica, Cerámica con técnicas aborígenes, Técnicas de vitraux, Pirograbado, Calado y juguetes de madera, Dibujo y pintura, Diseño, indumentaria y maquillaje artístico, Títeres, Radio (éste se desarrollará en el marco del relanzamiento oficial de la nueva
emisora radial que transmitirá desde la República en la frecuencia de 87.5 en la señal de FM, y cuya denominación es "RADIO RONDA... una maga del aire".

En las jornadas de vacaciones, en la parte artística se programa la presencia de la Orquesta Municipal de Tango, dependiente de la Casa del Tango; el Coro de Niños del Teatro Argentino; el cantante lírico y popular del Teatro Colón Fernando Chalabe, acompañado por el concertista de guitarra Oscar Hernández.

A través del departamento de Arte Urbano se programa durante todo el mes de julio hasta el Día del Niño la presencia de todas las colectividades de la zona, quienes ofrecerán al público su identidad cultural, artística, por medio de la danza, vestimenta, comidas típicas, propias de cada una.

Desde la Repu también se informó que "se desplegará un amplio operativo de vacunación y prevención de la salud y se desarrollarán un sinfín de actividades
lúdico-deportivas; todas estas últimas actividades totalmente gratuitas; habrá acceso a la República en los micros urbanos totalmente gratuitos; como así también la entrada al predio los días domingos".

En lo artístico se suma también el elenco de alumnos de teatro de la Fundación Julio Bocca, quienes presentarán la obra "Arriba", como trabajo colectivo del elenco en el microcine de la República.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/citybell/notas.aspx?idn=263730&ffo=20100709

Es ley el matrimonio entre personas del mismo sexo

2010-07-15T12:22:00.002-03:00

Vista del recinto del Senado donde se debatió la ley de matrimonio gay - Foto: LA NACION Maxie Amena

Después de casi 14 horas de discusión, los senadores aprobaron el proyecto con 33 votos a favor, 27 en contra y 3 abstenciones

Jueves 15 de julio de 2010 | LA NACION

Después de una maratónica sesión y con encendidas discusiones en el recinto, el Senado aprobó el polémico proyecto que autoriza el matrimonio entre personas del mismo sexo y convirtió a la Argentina en el primer país de América latina en legalizarlo.

La Cámara alta sancionó la norma esta madrugada, pasadas las 4, con 33 votos a favor y 27 en contra, además de 3 abstenciones, tras una maratónica sesión que se extendió durante casi 14 horas.

La aprobación contó con el respaldo de diferentes senadores de los bloques del Frente para la Victoria, la Unión Cívica Radical, el socialismo y la Coalición Cívica. En cambio, en contra lo hicieron la mayoría de los senadores pertenecientes al peronismo disidente, así como la gran mayoría del bloque radical.

Para llegar a la sanción de la ley, previamente se había votado el dictamen de mayoría, que propiciaba el rechazo del matrimonio gay, el cual obtuvo 32 votos negativos y 30 positivos, dando lugar al dictamen de minoría, a favor de la iniciativa, que ya había conseguido media sanción en Diputados.

En ambos casos hubo tres abstenciones: las de los diputados María José Bongiorno (FPV - Río Negro); Fabio Biancalari (Frente Justicialista - Chaco); y Graciela Di Perna (Frente por la Integración - Chubut). Por su parte, los senadores del Peronismo Federal, Carlos Reutemann, Adolfo Rodríguez Saá y Juan Carlos Romero se retiraron del Senado entre ambas votaciones.

La votación, que se hizo esperar en medio de un clima de gran incertidumbre y tensión, fue seguida en las afueras del Congreso por cientos de personas de diversas organizaciones que se manifestaron desde la tarde de ayer a favor del matrimonio homosexual.

El debate tuvo pasajes de todo tipo, aunque quedaron resaltados momentos muy álgidos, sobre todo al final, cuando el presidente del bloque del Frente para la Victoria, Miguel Angel Pichetto, consideró que un artículo del proyecto de Unión Civil presentado por el peronismo disidente tenía connotaciones "nazis" por prohibir la posibilidad de adopción por parte de las parejas homosexuales.

A continuación, la justicialista puntana Liliana Negre de Alonso, entre lágrimas, le reclamó a Pichetto que se rectifique por haberla llamado "nazi", a lo que el representante de Río Negro así lo hizo.

Repercusiones. Tras aprobarse el proyecto que tenía media sanción de Diputados, el jefe de la bancada oficialista, Miguel Angel Pichetto, se mostró satisfecho con el resultado y expresó: "Es un paso muy significativo en el camino de la igualdad".

Sobre el debate, que por momentos se tornó acalorado, Pichetto dijo: "Pudo haber habido algunas discusiones con un tono más elevado pero eso forma parte de un Senado que tiene una impronta propia".

"El Congreso dio un paso muy importante, el rédito no es del Gobierno sino de los sectores que estaban marginados", agregó el senador.

Por su parte, el senador Eugenio Artaza aseguró que se "ha avanzado muchísimo en igualar derechos de las personas". "Hay que mirar con perspectiva de futuro, tenemos que propiciar la tolerancia y el amor entre la sociedad", añadió el legislador correntino tras el fin del debate.

En tanto, Samuel Cabanchik manifestó: "Hemos dado una respuesta a reclamo justo, es un avance en los derechos".

Los últimos discursos. Pasada la 1, cuando sólo restaban los discursos de los jefes de bloque, los senadores volvieron al recinto para escuchar los últimos discursos y prepararse para emitir sus votos. Recién entonces volvió a encenderse la palabra "quórum" en el tablero, tras varias horas de movimiento.

El titular del bloque socialista, Rubén Giustiniani, adelantó su "voto positivo" al proyecto de matrimonio gay. "Es un día histórico", afirmó. "Se recordará este día como un hecho positivo de un Congreso que decidió darle derechos a quien hoy no los tienen, avanzar sobre la discriminación", dijo.

Además, sostuvo: "No es una ley que va a tener un rédito político inmediato para nadie. Si miramos con perspectiva histórica vamos a ver que las grandes leyes de la historia argentina no tienen nombre y apellido".

Luego, el titular de la UCR, Ernesto Sanz, también manifestó su aval a la iniciativa aprobada en Diputados. "Mi obligación es legislar para un estado laico otorgando derechos civiles a quienes no lo tienen. Ese es nuestro desafío", aseguró.

En la misma línea, el jefe del bloque en la Cámara alta, Gerardo Morales, manifestó su voto a favor de la iniciativa.

A su turno, el titular del bloque PJ Federal, Adolfo Rodríguez Saá, expresó: "Voy a sostener la posición que elaboró el Peronismo Federal de optar por el camino de la unión civil". "Con la unión civil hubiéramos encontrado un camino de consenso contra los fundamentalistas que quieren dividir", dijo.

Además, el puntano opinó que no se sesionó "en una situación habitual" porque había "una presión externa", aunque no tardó en aclarar: "Yo no recibo directivas de nadie".

El último discurso estuvo a cargo de Pichetto, quien, además de manifestar su anticipado voto a favor del matrimonio gay, propinó duras críticas al cardenal Jorge Bergoglio. "Es la Iglesia argentina la que ha llevado a extremos este debate", afirmó, en respuesta a quienes criticaron a la Casa Rosada y la Iglesia por polarizar el debate. "Nunca pusimos este debate en posición de todo o nada", manifestó, en defensa del oficialismo.

Fuente: http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1284883

Clase de contact improvisación

2010-07-15T11:47:00.000-03:00

"Como el agua"

clase de contact improvisación por
docente: Eliana Bonard

sábado 17 de julio
Estudio "La Casa"

16 a 19 hs

Se requiere inscripción previa

cupos limitados

contacto: fernanda tappatá-rayos.centellas@gmail.com.ar

después de la clase de eliana bonard habrá jam!

diagonal 74 nº819 (3 y 4)

19 hs

Fuente: http://www.facebook.com/event.php?eid=138182316211103#!/photo.php?pid=31492284&id=1267368071

Nora Benaglia presenta su disco "Claroescuro"

2010-07-15T11:46:00.000-03:00

La cantante citibelense radicada en Tilcara está haciendo shows en La Plata y Capital Federal

Durante este mes, Nora Benaglia continúa con la presentación "Claroscuro", su tercer trabajo discográfico, grabado el año pasado junto a Chacho Ruiz Guiñazú en percusión y Hugo Maldonado en bajo y guitarra eléctrica. Los temas del cedé son de su autoría.

La gira de presentación comenzó en Tilcara, Jujuy, para continuar en San Miguel de Tucumán, capital federal, La Plata y Santa Rosa, La Pampa.

El jueves 15 de julio Nora actuará en La Paila, Costa Rica 4848, capital, a las 21.30.

En tanto, el viernes 23 del corriente, se presentará en el centro platense, en La Salamanca, de 60 esquina 10, a las 22.

DE AQUI Y DE ALLA

Nora es música, compositora y docente, y está radicada desde 1997 en Tilcara, provincia de Jujuy. Allí reunió, acompañada por su guitarra, ritmos sureños de candombes y zambas con aires de huaynos y coplas.

Su llegada al norte significó ahondar en la actividad como compositora, al encontrarse con la poesía de Hugo Nadalino, Estela Mamaní, Roberto Themis Speroni, Alejandra Pizarnik.

Algunas de estas canciones se reunieron en el CD "Voy", grabado en el año 2001 junto a Ricardo Vilca.

Otros temas, son parte de "Voces", un segundo trabajo grabado en el año 2006 con la participación de Fulanas Trío, Tomás Lebrero y Hugo Maldonado.

Banaglia ha compartido recitales con distintos músicos de la provincia: Ricardo Vilca, Hugo Maldonado, Daniel Fernández, Carlos Maldonado, Oscar Arce, Claudia Barraza, Alejandro Vilte, la salteña Sandra Aguirre, entre otros.

En Tucumán, ha compartido escenario con Manolo Alonso, Germán Paz Posse. Javier Seco, Catalina Lammoglia y Mariano Barrionuevo.

También ha participado de recitales con músicos sureños: Susana Ratcliff, Tomás Lebrero, Aca Seca, Fulanas Trío, Mariana Baraj, Germán Gómez, Cristián Ludueña, Anita Poggioli.

Ha llevado su música a de Tilcara, San Salvador, Perico, Humahuaca, Salta ciudad, Tucumán, Córdoba, La Plata y capital federal.

Actualmente la acompaña el baterista Carlos Maldonado.

EL DISCO

En mayo de este año se editó "Claroscuro", un tercer trabajo con temas propios, de reciente concepción en los ires y venires del sur a Jujuy. Este trabajo suma a los músicos Hugo Maldonado y Chacho Ruiz Guiñazú.

A partir de junio de este año, la cantante realiza una gira para presentar el disco por las provincias de Jujuy, Tucumán, Santa Fe, Buenos Aires y La Pampa.

Nora es docente en el Profesorado de Artes del ISA de San Salvador de Jujuy, miembro de la Comisión Académica del FLADEM (Foro Latinoamericano de Educación Musical), integrante del grupo "Teatro de a pie", de San Salvador de Jujuy, del cual participa realizando la música en vivo y directora de la Orquesta Infantojuvenil de Maimará.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/citybell/notas.aspx?idn=263738&ffo=20100709

La magia del radioteatro

2010-07-15T04:38:00.002-03:00

Cambió la TV por la radio. A diferencia de muchos actores, Nora Massi dejó la popularidad de la televisión para dirigir un ciclo radial Foto:Emanuel Fernández

El ciclo Las dos carátulas, de Radio Nacional, cumple 60 años; desde hace dos décadas está dirigido por Nora Massi

Por Alicia Petti
Para LA NACION

Cuando las voces de la radio encarnan en personajes, en historias, se produce un encantamiento en el oyente. Algo que ocho décadas atrás era tan corriente como lo es hoy encender el televisor para ver una telenovela. Un ciclo radial de hoy en día trae cada semana esa magia: Las dos carátulas por Radio Nacional (AM 870). Este domingo, en su horario de 22 a medianoche, el ciclo celebrará su 60° aniversario con la obra Soledad es mi nombre , con un elenco liderado por Susana Rinaldi. LA NACION presenció la grabación de este programa y pudo comprobar la dedicación y el fervor de su productora y directora general desde hace 20 años: Nora Massi. Esta mítica figura de la televisión de los años 70 y 80 repasó la historia de este ciclo único que la hizo dejar ese ámbito para sumergirse en la radiofonía local. Prácticamente abandonó su labor actoral, para dedicar toda su energía y fervor a esta tarea que constituye un abrazo fraternal entre la radio y el teatro; y que, en noviembre, tendrá su gran fiesta con la difusión de El puente, de Carlos Gorostiza.

"La cifra de permanencia en el aire en forma ininterrumpida de Las dos carátulas en una misma emisora constituye un verdadero record, aquí y en el mundo. Se inició en Radio Nacional (AM 870) un 9 de julio de 1950 y, desde su creación, mantiene su alto nivel artístico cultural de gran reconocimiento popular, considerado un ciclo único. Es el teatro de la humanidad", explica Nora Massi.

Soledad es tu nombre, de Samuel Eichelbaum, es la obra con la que se celebrará el aniversario. A Susana Rinaldi la acompañarán Carlos Ameijeiras, Marcelo López Foresi, Mario Labardén, Silvia Geijo, Gustavo Bonfigli, Luis Albano, Viviana Salomón, Domingo Basile, Hugo Cosiansi y Néstor Hidalgo. La obra fue estrenada por la Compañía de Paulina Singerman, en 1932, acompañada por Milagros de la Vega y José de Angelis, entre otros.

Las dos carátulas es un espacio que se graba días antes, con presencia de público en el auditorio de la emisora. Allí el actor está al servicio de la obra y no la obra al servicio del actor. El ciclo pudo reunir lauros importantísimos, como una mención especial al mejor programa de habla castellana otorgado por la BBC de Londres y la Distinción Premio Ondas de España. En el ámbito nacional: los premios Talía, San Gabriel, Martín Fierro y Santa Clara de Asís, entre otros. Como dato histórico cabe consignar que la primera obra que emitió, en 1960, fue Canción de primavera, de José de Maturana.
Alma máter

Nora Massi trabajó con grandes directores de cine argentino como Daniel Tinayre, Leopoldo Torre Nilsson y Mario Soffici, entre otros. A su vez, en teatro integró el elenco de la Comedia Nacional y encabezó exitosas temporadas dentro del ámbito comercial. En televisión hizo trabajos inolvidables en Malevo , Alta comedia , Teatro universal , La sombra , Estación terminal y Amor gitano , entre tantos otros programas.

-¿Qué papeles recordás más?

-Hay uno que fue verdaderamente maravilloso por controvertido y por no tener nada que ver conmigo. Ese personaje fue La negra Peñaloza, de Malevo, que hicimos con Rodolfo Bebán. Me encantaba, me tuve que teñir el pelo de negro y te puedo asegurar que pasé llorando los primeros capítulos. Tenía que tener una forma especial de caminar y de hablar. Luché mucho por ese personaje. Además, trabajaba con monstruos como Oscar Ferrigno. Llegó un momento en que hasta dije que no podía seguir con el personaje. La producción y la dirección del programa me alentaron a seguir adelante. Finalmente, el programa duró tres años. Fue entrañable para mí. Me dio muchas satisfacciones y varios premios y le dio un cambio a mi carrera. A nivel popular fue fantástico, porque Abel Santa Cruz era una gran pluma, pintaba los suburbios de una manera magistral.
-¿Te costó mucho dejar la carrera de actriz?

-No, no. No la he dejado, creo que hay un equívoco con eso. Además sigo ejerciendo la docencia. Quizá tomé el programa en un momento difícil y me volqué totalmente a encaminarlo un poco. Trabajar con un equipo como aquel con el que estoy trabajando me ha dado muchas satisfacciones. La producción no sólo se compone de quien dirige, sino también de productores, locutores, técnicos, autores y actores de primera línea.
-¿Quiénes contribuyeron en esta tarea radiofónica-teatral?

-Luis Ordaz fue importantísimo. Había sido el asesor cultural del programa durante muchos años y cuando entré hacía falta reestructurar el ciclo. Tanto hablé con él que se quedó. Me dijo que se quedaba hasta el arranque, que fue maravilloso, y no nos separamos más durante diez años. Después de su muerte, quedé en contacto con Elena, su mujer, que sigue brindando su apoyo literario. También quiero destacar a Luis Brandoni, a Rubén Stella y a Juan Carlos D´Amico, por el apoyo que me dieron y me dan.

Por este ciclo pasaron figuras como Alfredo Alcón, Norma Aleandro, Pepe Soriano, Luis Brandoni, Alberto de Mendoza, Carlos Carella, Ulises Dumont, Virginia Lago, Leonor Manso, Thelma Biral, Jorge Luz, Dora Baret, Arnaldo André y Onofre Lovero, por sólo mencionar alguno. Y entre los directores se destacan los nombres de Osvaldo Bonet, Antonio Cunill Cabanellas, Armando Discépolo, Marcelo Lavalle, Jorge Petraglia y Emilio Stevanovich.
EL APOYO DE SUSANA RINALDI

* "Me siento muy feliz de participar nuevamente en Las dos carátulas en su expresión más elevada. Quiero decir, la comedia y la tragedia tratadas desde un lugar único, que es la voz humana. Trascender obras con títulos memorables, pero a través de situaciones no visibles. A través de la voz, uno tiene que dar una total y absoluta idea de lo que está ocurriendo. Todo eso se nos hace más fácil con una dirección como la de Nora Massi, que es, antes que todo, una gran actriz. Sabe marcar situaciones que ella misma ha vivido como actriz. La escucho cuando dirige", explica Susana Rinaldi, protagonista del programa aniversario.

Fuente: La Nación

Presentación disco ¨Suspendida¨

2010-07-14T18:45:00.001-03:00

Viernes, 23 de julio a las 24:00

Ciudad Vieja, calle 17 y 71 La Plata

Fer López Camelo: guitarra y voz; Germán Giuliodoro: guitarra;Wendy Flores: piano;Maxi Mazzuchi: batería;Juan Tibaldo: bajo;Ana Díaz: cello; Gaby Alvarez:acordeón; Marisa Wiedmer: saxo, clarinete y flauta.

Músico invitado:JUAN RAVIOLI
en trompeta:Facu Cucco

Fuente: http://www.facebook.com/event.php?eid=143017289043991

2010-07-14T02:26:00.004-03:00

27 de marzo de 2010

El día Mundial del Teatro se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (IIT). El Día Mundial del Teatro se celebra anualmente el 27 de marzo por los centros del IIT y la comunidad teatral internacional.

Se organizan distintos eventos de teatro nacional e internacional para resaltar esta ocasión. Uno de los más importantes es la distribución del Mensaje Internacional tradicionalmente escrito por una personalidad del teatro de talla mundial invitada por el Instituto Internacional del Teatro.

Este año el honor ha recaído en Judi Dench, actriz británica de dilatada y exitosa carrera:

“El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para celebrar el Teatro en una cantidad de formas. El Teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y también brinda oportunidades para educar e informar. El teatro se representa en todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también debería hacernos pensar y reflexionar.

El Teatro surge a partir del trabajo en grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir.

El 27 de marzo es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras audiencias, sin los cuales no existiríamos.”

Judi Dench

El teatro también puede ser virtual

2010-07-13T11:50:00.001-03:00

Durante los últimos años, la Web sirvió al teatro como punto de difusión e intercambio de miradas críticas. Portales, blogs y revistas digitales se suman, así, a la experiencia escénica y enriquecen el rol del espectador.

Por: Leni Gonzalez

Algún tipo de álgebra estadística debe comprobar que, a menor difusión mediática y publicitaria, mayor es la presencia de fenómenos culturales en Internet. Bajos costos de producción, libertad expresiva e inmediatez temporal, además del plus militante, conforman el motor del loqueréslotenés en manos de la varita de un programador que no necesita imprenta, red de distribución ni cadena de permisos. Con las mismas velas a los ángeles de la autogestión se sostiene el teatro off, por lo que la unión de la Web y la escena alternativa estaba destinada a formar una pareja estable en época de alianzas líquidas.

"Inversamente proporcional a la creciente producción escénica, los diarios han ido restringiendo el espacio dedicado al teatro, limitándose a reproducir gacetillas o a suplir la crítica por la entrevista. Por otro lado, surgieron gran cantidad de publicaciones digitales, cada una con sus características, que han configurado verdaderas comunidades globales que intercambian información, conocimientos, miradas críticas y experiencias estéticas", dice Beatriz Trastoy, docente de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires y directora de telondefondo, Revista de Teoría y Crítica Teatral (www.telondefondo.org), primera publicación electrónica sobre temas teatrales de la UBA, semestral y de consulta gratuita, surgida en 2005. Pensada para estudiosos, presenta trabajos inéditos sometidos al arbitraje de un Consejo Asesor que evalúa la originalidad ensayística y el rigor académico de este archivo de consulta permanente.

Frente a la austeridad de los especialistas, en Mutis x el foro la estética es el principal anzuelo para tentar a un público joven y diletante. Creada por el periodista Misael Scher en 2007, se trata de una revista bimestral en papel, con una tirada de 15.000 ejemplares que se distribuyen gratuitamente por bares, salas y centros culturales, pero que también puede leerse en la Web (www.mutisxelforo.com.ar). "Nuestro aporte es el diseño moderno y atractivo; en la tapa siempre va un primer plano de un artista prestigioso y a la vez, conocido. Incluimos entrevistas, notas y análisis pero nunca críticas porque suelen funcionar más como visibilidad que como una lectura del periodista. Buscamos la diversidad, que conviva el off con lo comercial, porque nos interesa que el teatro no sea para unos pocos", explica Scher que asegura sostenerse gracias a la publicidad.

Sin desdeñar al marketing ni a la academia, se encuentra Funámbulos, nacida en 1996 en rústico formato tabloide, después en revista con dos números al año y, a partir de 2008, con presencia en funambulosteatro.blogspot.com. "En 2000, nos planteamos un cambio, el de decidir un perfil, un para qué y qué decir. No hacer difusión teatral sino reflexionar temas, en especial, la mirada más amplia, el teatro desde la cultura y la sociedad", dice la fundadora Ana Durán, a quien en 2003 se sumó en la dirección el crítico Federico Irazábal. Cuenta con el subsidio del Instituto Nacional del Teatro, un apoyo que sólo pueden solicitar las producciones en papel. Para las únicamente digitales, queda la opción de Proteatro (el Instituto para la protección y fomento de la actividad teatral no oficial de la Ciudad de Buenos Aires). Pero algunas, como Alternativa teatral, ni siquiera lo solicitan.

Un auténtico éxito de taquilla: más de 100.000 consultas diarias y un promedio de tres millones al mes. Una década atrás, después de hablar en terapia sobre cómo fusionar sus profesiones de actor y programador, Javier Acuña lanzó www.alternativateatral.com, con el fin de difundir el trabajo de las obras de teatro independientes. Y se convirtió en la cartelera teatral donde lo que no está allí, de verdad "no existe". "Si bien no nació como medio sino como espacio para la comunidad teatral, el valor diferencial de Alternativa es el archivo histórico", dice Sonia Jaroslavsky, integrante de la primera hora del grupo, sobre la información exhaustiva de toda la oferta escénica, incluida desde hace tres años la comercial y oficial.

"Es indudable que incorporar la crítica de espectáculos comerciales, aumenta lectores", reconoce Gabriel Peralta, otro actor y crítico "no subsidiado" que hace cinco años empezó, junto a Mónica Berman, el sitio Crítica teatral (www.criticateatral.com.ar), donde se da el gusto de escribir sobre obras no sólo del ámbito porteño sino también del conurbano y el interior del país, con un diseño sencillo apto para mayores de 50. "La contraparte de la Web es que nunca tenés la legitimación que te da el papel –dice Peralta–, pero lo importante es que cualquiera pueda entenderlo y acceder."

Con la misma antigüedad pero más briosa en sus intenciones es Imaginación atrapada (www.imaginacionatrapada.com.ar), del graduado en Artes Combinadas de la UBA, Diego Braude quien, a la izquierda de todo el espectro, caracteriza a su creación como "una visión autoral, con un 90 por ciento de obras off por una cuestión de militancia". Temeroso de los condicionamientos, aunque hasta ahora se había negado a los subsidios en tanto sinónimos del "yo no pude", proyecta solicitarlos para lograr esa deseada combinación entre la crítica, la investigación y la práctica. "Si el espacio no existe, lo invento", afirma Braude con la frescura de los orígenes.

Fuente: http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2010/07/07/_-02204535.htm

Artistas y teóricos de la escena

2010-07-13T11:28:00.000-03:00

TEATRO › 5ª EDICION DEL TEATRO DE LAS DOS ORILLAS

Onofre Lovero, uno de los participantes. Imagen: Bernardino Avila

Onofre Lovero, Ana María Casó y Francisco Javier son algunos de los artistas y teóricos que participan del Foro de Identidad Rioplatense que se inicia hoy a las 11, en el Centro Cultural General San Martín. Esta es la primera actividad de la quinta edición del Teatro de las Dos Orillas, encuentro que se realiza anualmente y en forma alternada en Buenos Aires y en la uruguaya Colonia del Sacramento.

El programa se extenderá hasta el sábado próximo, con entrada gratuita y auspicios varios del Ccgsm, la Red Cultural Mercosur, Proteatro, Intendencia Municipal de Colonia, Centro Politécnico del Cono Sur, Universidad de Valencia y Consulado Argentino en Colonia. Organiza el grupo de alumnos de los talleres del Ccgsm que conduce el profesor Eduardo Grosso.

El miércoles a las 19.30, se presentará Coronación, de Roberto Perinelli, interpretada por el Grupo Merlot (Argentina), dirigido por Liliana Malkin. Ese mismo día, a las 21.30, ¡Qué aguante, las mujeres!, unipersonal de la autora y actriz Lorena Rochón (Uruguay), con puesta de Fernando Cardani. Este jueves: El mundo ha vivido equivocado, versión del relato homónimo de Roberto Fontanarrosa, por los In-dependientes (Argentina). Esto es a las 19.30, y dirige Jorge Mayorano. En la función de las 21.30 se verán tres obras breves de Griselda Gambaro: Efectos personales, El nombre y Desafiar el destino. Actuará el Elenco Independiente del Patrimonio de Colonia del Sacramento (Uruguay), conducido por Eduardo Grosso. El viernes, a las 19.30, irá Los datos personales, de Julio Mauricio, con Laura Ferrandi; Mi libertad, de Hebe Serebrisky, con Celina Ballesteros; Y después... ¿qué?, adaptación de Este sexo, el femenino, de Patricia Travassos, con Marisa Benazar y puesta de Daniel Gutiérrez (Argentina). A las 21.30, Más allá de las paredes, de Daniel Santos, por el Elenco Independiente de Colonia, conducido por Eduardo Grosso. El sábado, a las 19.30, A propósito del tiempo, de Carlos Gorostiza, por Telón Abierto (Argentina), con dirección de María Marta Lavigne; y a las 21.30, Blancas, por el Elenco Independiente de Colonia, con puesta de Eduardo Grosso.

El encuentro y las obras se realizan en el Centro Cultural General San Martín, Sarmiento 1551 (4374-1251), en la Sala F y la Sala Enrique Muiño (4º piso), con entrada gratuita. Las localidades están a disposición del público desde dos horas antes del inicio de cada espectáculo.

Fuente: Página 12

Pinchevsky: el violinista del rock

2010-07-13T11:20:00.000-03:00

Por: Miradas al Sur
cultura@miradasalsur.com

No fue Litto Nebbia, Luis Alberto Spinetta, ni Charly García. Acaso su aporte a la historia del rock nacional pueda definirse como lateral, pero su faceta de pionero y la voracidad y pasión con la que Jorge Pinchevsky desarrolló su vida le dan un brillo único. Yo, Pinchevsky es la biografía y audiodocumental realizados por el periodista Juan Pablo Bermúdez sobre el primer violinista de nuestro rock y uno de los mitos más curiosos del género. Se trata de una invitación para desandar caminos sinuosos y siempre atrapantes. Ni más ni menos que como el mismo Pinchevsky.

Este rosarino de nacimiento y platense por adopción –que supo concretar estadías determinantes en Brasil y Europa– resultó un ingrediente único en el caldo espeso que gestó lo que hoy se entiende como rock nacional. Participó de cruzadas legendarias como La Cofradía de la Flor Solar y La Pesada del Rock and Roll, y grabó en decenas de discos clave como Cristo Rock (Raúl Porchetto), Vida e Instituciones (Sui Generis) y La Biblia (Ensamble Musical Buenos Aires), entre muchos otros. Su estadía en Europa resultó particularmente fructífera. Allí, Cyrille Verdeaux lo convocó para que fuera parte del grupo Clearlight y luego se sumaría a Gong, la mítica banda anglo-francesa de rock progresivo y psicodélico. Hasta aquí apenas una parte del inusual recorrido de un violinista de formación clásica que fue parte durante cinco años de la Orquesta Sinfónica de La Plata, estuvo dos en la Orquesta de la Municipalidad y tres en la Orquesta de Cámara de la Universidad.

“‘Encontré’ el libro casi por casualidad. Casi como una imposición familiar me vi obligado a revisar las cosas que todavía tenía en la casa de mis padres. Entre muchos objetos sin mayor utilidad apareció el casete de la entrevista que le había hecho para el diario Página/12. Lo volví a escuchar y me di cuenta de que tenía un testimonio muy detallado, profundo y rico.

Honestamente no recordaba que fuera tan así. Pinchevsky ya había muerto cuando encontré el casete y eso acentuó la sensación de que por algún motivo ese material había quedado tan intacto. A partir de ahí surgió la idea del libro con un audiodocumental. No fue un proyecto sencillo. Está hecho totalmente a pulmón y con mucho cariño”, explica Juan Pablo Bermúdez sobre Yo, Pinchevsky (el libro sólo se consigue a través de ).

–¿Cómo fuiste reconstruyendo la historia de Pinchevsky?

–Como pude. Partí de un material que a mí me había dejado muy entusiasmado: aquella entrevista larga, donde Pin se soltó y contó todo. Muchos me dijeron que tuve mucha suerte para encontrarlo con aquel humor... Seguí la grabación y de esa forma tenía un esqueleto en el que fui sumando testimonios. Toda la gente que lo conoció con la que pude hablar puso buena onda. Incluso Cyrille Verdeaux mandó cosas desde Francia.
–Lo conociste de primera mano como persona y músico. ¿Cómo lo describirías?

–No puedo decir que lo conocí en profundidad como persona. Tampoco quiero hacer un mito de él. Pero el encuentro que tuvimos fue muy especial y en él se reveló como un ser extraordinario, un tipo realmente muy cálido. Como músico era realmente muy talentoso, creo que le jugó un poco en contra el instrumento que eligió. Podía estar absolutamente borracho, pero agarraba el violín y se convertía. Tenía una musicalidad única que venía de la combinación de la formación clásica, su instinto callejero y vocación para zapar y meterse en otros géneros. En vivo lo vi como mucha gente en El Samovar de Rasputín. Cuando terminaba de tocar bajaba a tomarse una cerveza y solía quedarse hablando con el público hasta las 6 de la mañana.

–¿Qué fue lo que más te sorprendió de él a medida que avanzabas con el libro?

–Su vida. Era un tipo que tenía una coherencia muy grande entre lo que decía y lo que hizo. Desgraciadamente no es algo muy habitual entre las figuras de la cultura rock…

–¿Considerás que es un músico no valorado en su real dimensión?

–Creo que sí. Pero no le adjudicaría culpas a nadie. En todo caso, me parece que tiene mucho que ver con la propia personalidad de Pin. Era un músico al que le apasionaba tocar, pero nunca armó una carrera ni buscó la trascendencia. Se trata de un personaje cuyo mito transcendió mucho más que su obra como músico. De hecho, una cosa que me sorprendió fue cuando me contó que había salido de gira con Pink Floyd, en su época en Europa. Mucha gente lo conocía de nombre, pero pocos sabían de su música y su historia.

–Su muerte fue triste y casi absurda.

–Exactamente. Su vida fue bastante licenciosa, pero su muerte fue por un accidente –diría– pelotudo. Lo atropellaron en bicicleta, se cayó, se golpeó la cabeza contra el cordón y al otro día murió por un coágulo. La novia que tenía en ese momento le dijo que fuera al médico, pero él le respondió que no y repitió una de sus frases de cabecera: “Ante cualquier médico, consulte a su duda”. No quiso que lo revisaran y al otro día se murió. Así de trágico y sin sentido.

Fuente: Miradas al Sur

Cuentos, poemas, fotografías, murales y deportes en las Olimpíadas Universitarias 2010

2010-07-13T01:53:00.001-03:00

12-07-2010 / Con la intensión de buscan generar espacios de participación, interacción y cohesión estudiantil, la UNLP prepara la segunda edición de la competencia deportiva y cultural que reúne a estudiantes de todo el país.

En el mes de la primavera se encenderá la llama de las Olimpíadas Universitarias 2010, cuya primera experiencia en 2008 convocó a más de 10 mil alumnos de las 17 facultades pertenecientes a esta casa de estudios superiores.

Fútbol 11, voley, básquet, seven de rugby, seven de hockey, atletismo, turco y ajedrez, son algunas de las disciplinas de las que podrán competir los estudiantes, que deberán inscribirse a partir del 2 de agosto y hasta del 20 de ese mes en el portal Web (http://www.unlp.edu.ar)

Las Olimpíadas Universitarias ofrecen también la posibilidad de participar en distiontas disciplinas culturales y artísticas.

La propuesta invita a los jóvenes -en este caso de todas las Universidades del País- a inspirarse en el Bicentenario de la Revolución de Mayo para elaborar cuentos, poemas, fotografías, murales, cortos, coros de música popular y grabados.

Para el mes de octubre, como cierre de las Olimpíadas Universitarias, se llevará a cabo una maratón por la ciudad de La Plata, evento que estará abierto a toda la comunidad.

La organización de las Olimpiadas está enmarcada en el Programa Identidad e Inclusión Estudiantil del Plan Estratégico de Gestión 2010-2014 de la UNLP, y serán llevadas a cabo bajo la organización de las áreas de Asuntos Estudiantiles y la Dirección de Deportes de la UNLP.

Fuente: Diagonales

El siglo del cine

2010-07-13T00:53:00.001-03:00

Con una enorme cantidad de películas en su haber, Lucas Demare marcó la historia del cine argentino. El recuerdo a un siglo de su nacimiento

Mañana, el cineasta Lucas Demare cumpliría 100 años y el aniversario constituye un buen momento para recordar a un artista que supo conciliar diversas disciplinas desde las que generó películas que definen a la cultura argentina.

“Soy un director que siempre se preocupó por los temas argentinos e indudablemente Homero Manzi influyó en ello”, aseguró Demare en una entrevista en 1980. Nacido en Buenos Aires, Demare fue director, guionista, intérprete, productor, montajista, compositor y, fundamentalmente, un emprendedor que sostuvo una intensa actividad desde la que hizo un aporte fenomenal a la cultura local.

Comenzó estudiando piano y a los 15 años viajó con toda la familia a París, donde su hermano mayor, Lucio, trabajaba como pianista. Pero en 1927 regresó a Buenos Aires para estudiar bandoneón junto a Pedro Mafia y, un año después, se dirigió a España donde se incorporó a la Orquesta Típica Argentina, en la que Lucio era director y pianista.

Fue en España donde al desempeñarse como intérprete y cantor junto a Agustín Irusta, Roberto Fugazot y Lucio Demare en las películas españolas “Boliche” y “Aves sin rumbo”, descubrió el cine y se maravilló.

Demare renunció a la orquesta y comenzó a trabajar en los estudios cinematográficos como peón sin sueldo. Fue aprendiendo el oficio y ascendió rápidamente: pizarrero, tercer ayudante, asistente de dirección, y un día lo contrataron para que debute como director, pero la Guerra Civil cortó ese meteórico ascenso y debió salir de España.

El final profesional de su tránsito artístico tuvo el sabor de una metáfora acerca de cómo los argentinos protegemos nuestro patrimonio cultural, ya que su obra póstuma fue “Hombres de mar”, que rodó en Venezuela en 1977.

Fuente: Hoy

"Cabeza de pescado" se estrena en el espacio INCAA

2010-07-13T00:51:00.000-03:00

July Massaccesi es la autora de "Cabeza de pescado", una "rara avis" del cine fantástico argentino que narra una historia de amor en un contexto atemporal, denso y ominoso.

El film será estrenada comercialmente este jueves en el Espacio Incaa KM 0, Cine Gaumont, de la ciudad de Buenos Aires.

Fuente: Hoy